tag:blogger.com,1999:blog-27831282879640867852024-03-06T00:59:05.179+01:00Ciné-club de l'ENS UlmBienvenue sur le blog du ciné-club de l'ENS de Paris (45, rue d'Ulm) ! Ouverts à tous et à toutes, l'équipe du ciné-club propose chaque semaine une projection de son choix, précédée d'une présentation du film. Lors de séances spéciales, nous invitons des réalisateurs (Arnaud Desplechin, Jean-Marc Moutout), des acteurs (Jean-Marc Barr, Valérie Dréville), des producteurs (les Films du Losange) ou des critiques (Michel Ciment de Positif) pour discuter avec le public du film qui a été projeté.Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comBlogger159125tag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-20709911913827976362014-11-12T01:28:00.000+01:002014-11-12T01:28:22.743+01:00Ce site n'est plus mis à jour...... mais le ciné-club continue tous les mardis<h1><center> Pour le programme, merci de vous rendre sur notre nouveau site :<br />
<a href="http://www.cineclub.ens.fr">http://www.cineclub.ens.fr</a></center>
</h1>Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-78441432487538411502014-09-07T17:01:00.000+02:002014-09-07T19:41:03.031+02:00L'Impossible Monsieur Bébé de Howard Hawks (mardi 23 septembre 2014, 20h30)<center><iframe src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=19440187" style="width:480px; height:270px" frameborder="0"></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Pour la première séance de l'année, venez découvrir cette comédie de remariage hollywoodienne. Un film aux personnages déjantés et au tempo incontrôlable.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2014-2015/affiche-1-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 102 minutes.<br><b>Noir et Blanc</b>. <br><b>Pays :</b> Etats-Unis.<br> <b>Année :</b> 1937.<br> <b>Avec :</b> Cary Grant, Katharine Hepburn, Charles Ruggles.</p> <p>Rapide synopsis : <i>David Huxley, un paléontologue, est fiancé à sa secrétaire Alice. Susan, rencontrée lors d'une partie de golf, est également sensible au charme félin de David. Hélas, M. Bébé ne quitte pas la jeune femme d'une semelle. Enfin, d'une patte, car M. Bébé est un léopard... </i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 23 septembre 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>L impossible monsieur Bébé</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Howard Hawks</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> <a name='more'></a> <p>Bientôt...</p> Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-47637699300813560012014-06-04T08:07:00.002+02:002014-06-04T08:07:57.020+02:00La Grande ville de Satyajit Ray (mardi 10 juin 2014, 20h30)<center><iframe width="560" height="315" src="//www.youtube.com/embed/HGA8WBTvQco" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Ne manquez surtout pas le dernier film de l'année ! Pour bien commencer les vacances, départ pour l'Inde avec Satyajit Ray.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-35-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 135 minutes.<br><b>Noir et Blanc</b>. <br><b>Pays :</b> Inde.<br> <b>Année :</b> 1963.<br> <b>Avec :</b> Madhabi Mukherjee, Anil Chatterjee, Haren Chatterjee.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Subrata Mazumdar, modeste employé de banque à Calcutta, a du mal à subvenir aux besoins de sa famille. Enfreignant les traditions, sa femme Arati se décide à chercher du travail et devient représentante en porte à porte. Son mari accepte mal cette situation mais suite à un krach, il est licencié et le travail de sa femme devient d'autant plus nécessaire. C'est alors qu'une collègue anglaise d'Arati est victime d'une injustice de leur patron. Par solidarité pour elle mais au risque de perdre son propre emploi, Arati décide de prendre sa défense...</i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 10 juin 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>La Grande ville</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Satyajit Ray</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> <a name='more'></a> <p>Bientôt...</p> Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-16956765774579582522014-05-29T09:16:00.002+02:002014-05-29T09:17:16.101+02:00Le chanteur de jazz de Alan Crosland (mardi 3 juin 2014, 20h30)<center><iframe width="420" height="315" src="//www.youtube.com/embed/OSNmtClYWpo" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Venez découvrir l'un des premiers films parlants. "Attendez un peu, vous n'avez encore rien entendu."</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-36-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 88 minutes.<br><b>Noir et Blanc</b>. <br><b>Pays :</b> Etats-Unis.<br> <b>Année :</b> 1927.<br> <b>Avec :</b> Warner Oland, Al Jolson, May McAvoy.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Rabinowitz, chantre d'une synagogue, souhaite que son fils Jakie lui succede. Mais celui-ci prefere le jazz. Chasse par son pere, il devient celebre, maquille en noir, comme vedette de jazz, sous le nom de Jack Robin. </i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 3 juin 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>Le chanteur de jazz</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Alan Crosland</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> <a name='more'></a> <p>Bientôt...</p> Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-41597063692705717672014-05-23T14:42:00.001+02:002014-05-23T22:57:39.344+02:00Angèle et Tony de Alix Delaporte (mardi 27 mai 2014, 20h30)<center>
<iframe frameborder="0" src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=19182229" style="height: 270px; width: 480px;"></iframe><br /><i>Bande-annonce du film.</i></center>
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<img border="0" src="http://fr.web.img3.acsta.net/medias/nmedia/18/78/96/43/19623873.jpg" height="400" width="283" /></div>
<br />
<b>Durée </b>: 1h27 minutes.<br /><b>Couleur</b>. <br /><b>Pays :</b> France.<br /> <b>Année :</b> 2011.<br /> <b>Avec :</b> Clotilde Hesme, Grégory Gadebois.<br />
Rapide synopsis : <i>Un port de pêche en Normandie.
Angèle a de bonnes raisons de se construire une nouvelle vie lorsqu’elle débarque dans celle de Tony, marin pêcheur en quête de sentiments.
Malgré le désir qu’il a pour elle, Tony garde ses distances. Angèle le cherche. Tony l’observe. Trop belle, trop déroutante, il ne peut croire qu’elle est là pour lui… </i><br />
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Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</div>
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Et pour résumer :</div>
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<div class="Apple-style-span" style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align: center;">
<b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 27 mai 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br />
<span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="color: orange; font-size: x-large;"><b>Angèle et Tony</b></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="color: orange; font-size: x-large;"><span style="font-size: large;"><b>de Alix Delaporte</b></span></span> </div>
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Proposition d'analyse</h3>
<a name='more'></a>Bientôt...Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07944227913752649262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-11444248829117143832014-05-15T06:40:00.000+02:002014-05-15T06:42:08.038+02:00Notre pain quotidien de Nikolhaus Geurhalter (mardi 20 mai 2014, 20h30)<center><iframe src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=18723208" style="width:480px; height:270px" frameborder="0"></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p></p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-34-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 92 minutes.<br><b>Couleur</b>. <br><b>Pays :</b> Autriche.<br> <b>Année :</b> 2007.<br> </p> <p>Rapide synopsis : <i>Pendant deux ans, Nikolaus Geyrhalter a placé sa caméra au coeur des plus grands groupes européens agricoles, nous donnant accès des zones inaccessibles. Il a filmé les employés, les lieux et les différents processus de production pour réaliser un documentaire cinéma qui interroge et implique intimement chaque spectateur.</i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 20 mai 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>Notre pain quotidien</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Nikolhaus Geurhalter</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> <a name='more'></a> <p>Bientôt...</p> Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-70820959415899640382014-05-07T18:53:00.000+02:002014-05-23T14:49:46.357+02:00Boxing Gym de Frederick Wiseman (mardi 13 mai 2014, 20h30)<center>
<iframe frameborder="0" src=http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=19182229" style="height: 270px; width: 480px;"></iframe><br /><i>Bande-annonce du film.</i></center>
<br />
Pour clôturer le cycle Boxe, il est temps de pratiquer. Quoi de mieux que joindre ce club de boxe à Austin, Texas, filmé dans ce documentaire de Frederick Wiseman.<br />
<div center="" class="separator" style="float: left;" text-align:="">
<img border="0" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-33-thumbnail400.jpg" height="400" width="283" /></div>
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<b>Durée </b>: 91 minutes.<br /><b>Couleur</b>. <br /><b>Pays :</b> Etats-Unis.<br /> <b>Année :</b> 2011.<br /> <b>Avec :</b> Richard Lord.<br />
Rapide synopsis : <i>Austin, Texas. Richard Lord, ancien boxeur professionnel, a fondé son club de boxe Lord's Gym, il y a seize ans. Des personnes d'origines et de classes sociales et d'âge différents s'entrainent dans ce gymnase : hommes, femmes, enfants, docteurs, avocats, juges, hommes et femmes d'affaires, immigrants, boxeurs professionnels ou aspirants professionnels côtoient de simples amateurs et des adolescent en quête de force et d'assurance.</i><br />
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Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</div>
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Et pour résumer :</div>
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<div class="Apple-style-span" style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align: center;">
<b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 13 mai 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br />
<span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="color: orange; font-size: x-large;"><b>Boxing Gym</b></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="color: orange; font-size: x-large;"><span style="font-size: large;"><b>de Frederick Wiseman</b></span></span> </div>
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<h3>
Proposition d'analyse</h3>
<a name='more'></a>Bientôt...Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-65433974476481953552014-04-30T07:39:00.000+02:002014-04-30T07:40:12.978+02:00Kids Return de Takeshi Kitano (mardi 6 mai 2014, 20h30)<center><iframe src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=19418174" style="width:480px; height:270px" frameborder="0"></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Pour continuer le cycle boxe, venez découvrir ce très beau film de Takeshi Kitano (L'été de Kikujiro, Hana Bi...) qui narre l'histoire de deux jeunes hommes, en perte de repères. L'un se met à la boxe, l'autre l'accompagne... pendant que leurs chemins s'éloignent. Une bande-son au rythme endiablé, signée Joe Hisaishi. A découvrir, absolument !</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-32-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 107 minutes.<br><b>Couleur</b>. <br><b>Pays :</b> Japon.<br> <b>Année :</b> 1997.<br> <b>Avec :</b> Masanobu Ando, Ken Kaneko, Leo Morimoto.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Itinéraire de deux copains d'école qui tentent de s'en sortir par l'intermédiaire de la boxe. </i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br><br><br><br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 6 mai 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>Kids Return</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Takeshi Kitano</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> <a name='more'></a> <p>Bientôt...</p> Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-24958007054959853762014-04-23T10:00:00.001+02:002014-04-23T10:00:48.400+02:00Rocco et ses frères de Luchino Visconti (mardi 29 avril 2014, 20h30)<center><iframe src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=19180116" style="width:480px; height:270px" frameborder="0"></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>La boxe arrive au ciné-club pour un nouveau cycle musclé ! Un voyage thématique à travers l'histoire du cinéma, de Visconti à Frederick Wiseman, de la fiction au documentaire, de l'Europe au Japon, en passant, bien sûr, par les Etats-Unis. Boxeurs, cinéphiles et curieux de tous les horizons y trouveront leur compte ! Trois films pour mieux voir et comprendre quelle place un sport de combat comme la boxe, hautement photogénique, peut prendre sur grand écran.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-31-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 177 minutes.<br><b>Noir et Blanc</b>. <br><b>Pays :</b> Italie, France.<br> <b>Année :</b> 1960.<br> <b>Avec :</b> Renato Salvatori, Paolo Stoppa, Roger Hanin.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Fuyant la misère, Rosaria et ses quatre fils quittent l'Italie du Sud pour Milan où vit déjà l'aîné Vincenzo. Chacun tente de s'en sortir à sa façon. Mais l'harmonie familiale est rapidement brisée : Rocco et Simone sont tous les deux amoureux d'une jeune prostituée, Nadia.</i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 29 avril 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>Rocco et ses frères</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Luchino Visconti</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> <a name='more'></a> <p>Bientôt...</p> Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-31210260301354194142014-04-16T12:33:00.000+02:002014-04-23T14:56:29.851+02:00La Bataille dans le ciel de Carlos Reygadas (mardi 22 avril 2014, 20h30)<center><iframe src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=18402585" style="width:480px; height:270px" frameborder="0"></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>La Bataille dans le ciel est un exemple essentiel du cinéma mexicain contemporain. Oscillant entre réalisme viscéral et allégorie cosmique, Reygadas explore la fracture radicale entre riches et pauvres dans le Mexico d'aujourd'hui. Cette séance est organisée en partenariat avec ECLA et Artlas, et sera présentée par Daniel R. Quiles, professeur au School of the Art Institute of Chicago.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-30-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 88 minutes.<br><b>Couleur</b>. <br><b>Pays :</b> France, Belgique, Mexique, Allemagne.<br> <b>Année :</b> 2005.<br> <b>Avec :</b> Marcos Hernández, Anapola Mushkadiz, Bertha Ruiz.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Marcos, le chauffeur d'un général, est hanté par l'issue tragique d'un enlèvement d'enfant qu'il a perpétré avec sa femme. Fragilisé, il se confesse à Anna, la fille de son patron... </i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 22 avril 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>La Bataille dans le ciel</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Carlos Reygadas</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3>
</br>
<p>
<i>Batalla en el cielo</i>, le deuxième film du réalisateur Carlos Reygadas, est un exemple essentiel du cinéma mexicain contemporain. Oscillant vertigineusement entre réalisme viscéral et allégorie cosmique, Reygadas explore la fracture radicale entre riches et pauvres dans le Mexico d'aujourd'hui. Contrairement à de précédents films portant sur la face obscure du pays, tel qu'a pu les réaliser Alejandro González Iñárritu (<i>Amores Perros</i>, 2000), l'image de Reygadas de la société contemporaine évite les leçons de morale ou de sentimentalité, alors même que la désastreuse guerre de la drogue vient de commencer et fait rage entre le gouvernement et les narcotrafiquants pour près d'une décennie. Compte tenu de son objet, la citation de Reygadas à Godard et Tarkovski n'est pas tout à fait un hommage à la critique corrosive. Financé conjointement par des producteurs français, allemands, et mexicains, c'est la collaboration internationale au service de la crise éthique: ce cri à l'aide immaculé implique les autres versants de la planète.</p>
<p>-Daniel Quiles</p>
Postdoc Artlas et Professeur en Histoire de l'art, Théorie et Critique à Chicago (School of the Art Institute).
Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-30426878132915107922014-04-09T10:27:00.000+02:002014-04-09T10:27:09.291+02:00Tabou de Miguel Gomes (mardi 15 avril 2014, 20h30)<center><iframe src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=19427742" style="width:480px; height:270px" frameborder="0"></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Mêlant réalisme et merveilleux, Tabou est un "film de fantômes", une tragédie sentimentale qui s'est passée il y a cinquante ans, un peu avant le début de la guerre coloniale portugaise. </p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-29-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 110 minutes.<br><b>Noir et Blanc</b>. <br><b>Pays :</b> France, Portugal, Brésil, Allemagne.<br> <b>Année :</b> 2012.<br> <b>Avec :</b> Teresa Madruga, Laura Soveral, Ana Moreira.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Une vieille dame au fort tempérament, sa femme de ménage Cap-Verdienne et sa voisine dévouée à de bonnes causes partagent le même étage d'un immeuble à Lisbonne. Lorsque la première meurt, les deux autres prennent connaissance d'un épisode de son passé : une histoire d'amour et de crime dans une Afrique de film d'aventures. </i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 15 avril 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>Tabou</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Miguel Gomes</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> <a name='more'></a> <p>Bientôt...</p> Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-39540661088411035322014-04-02T05:50:00.000+02:002014-04-03T19:58:43.968+02:00Les Hommes le dimanche de Robert Siodmak et Edgar G. Ulmer (mardi 8 avril 2014, 20h30). SÉANCE SPÉCIALE : CINÉ-CONCERT ÉLECTRO !<center><iframe width="420" height="315" src="//www.youtube.com/embed/w_-ilyCtRfo" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Nous sommes wirklich glüklich de projeter en musique Les Hommes le Dimanche, film vertigineux de Robert Siodmak réalisé en 1929, co-scénarisé par Billy Wilder et Fred Zinnemann. Berlin, fin des années 1920, deux hommes, deux femmes, un dimanche au bord de l'eau ; entre fiction et documentaire, le film nous donne à voir la vérité des instants éparpillés, la préciosité de l'unique jour chômé dans ce qu'il incarne de promesses et d'historicité. Pierre Desprats, musicien et performer, notamment au sein du groupe Karelle , poursuivra cette quête de l'authenticité au gré de mouvances électroniques.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-28-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 74 minutes.<br><b>Noir et Blanc</b>. <br><b>Pays :</b> Allemagne.<br> <b>Année :</b> 1929.<br> <b>Avec :</b> Erwin Splettstosser, Wolfgang von Waltershausen, Christel Ehlers.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Le week-end berlinois de cinq jeunes gens de condition modeste. Un des derniers films muets allemands et la premiere mise en scène de Robert Siodmak. </i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 8 avril 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>Les Hommes le dimanche</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Robert Siodmak et Edgar G. Ulmer</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> <a name='more'></a> <p>Bientôt...</p> Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-56208278681875821882014-03-26T09:21:00.000+01:002014-03-26T09:21:27.288+01:00Tampopo de Juzo Itami (mardi 1er avril 2014, 20h30)<center><iframe src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=19494361" style="width:480px; height:270px" frameborder="0"></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Après les westerns spaghettis, voici un western ramen. Venez (re-)découvrir un film qui donne de l'appétit.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-27-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 114 minutes.<br><b>Couleur</b>. <br><b>Pays :</b> Japon.<br> <b>Année :</b> 1985.<br> <b>Avec :</b> Tsutomu Yamazaki, Nobuko Miyamoto, Koji Yakusho .</p> <p>Rapide synopsis : <i>Une farce se tramant autour d'un restaurant de soupes de nouilles d'une jeune veuve nous fait decouvrir un Japon peu orthodoxe. Tout se renverse dans les traditions quand Goro, routier a la degaine de cow-boy, entre dans la vie de Tampopo et decide de lui montrer comment on fait une soupe de nouilles reussie. Alors que les ouvriers n'ont que dix-huit minutes pour dejeuner, Juzo Itami declare: "Les seuls plaisirs auxquels les Japonais aspirent sont la nourriture et le sexe... parfois les jeux audiovisuels..." </i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 1er avril 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>Tampopo</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Juzo Itami</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> <a name='more'></a> <p>Bientôt...</p> Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-51658329828424394852014-03-19T08:45:00.000+01:002014-03-26T15:36:56.291+01:00La Vie est immense et pleine de dangers de Denis Gheerbrant (mardi 25 mars 2014, 20h30)<center><iframe src="//player.vimeo.com/video/27241536" width="500" height="400" frameborder="0" webkitallowfullscreen mozallowfullscreen allowfullscreen></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Venez découvrir ce documentaire sur le service cancérologie de l'institut Curie. Denis Gheerbrant transmet, par sa façon de filmer, son regard original sur ces enfants qu'il a choisi de rencontrer seul avec sa caméra.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-26-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 80 minutes.<br><b>Couleur</b>. <br><b>Pays :</b> France.<br> <b>Année :</b> 1995.<br> </p> <p>Rapide synopsis : <i>La vie de Cédric et de ses amis au sein du service cancérologie de l'Institut Curie à Paris. Le réalisateur les accompagne au gré de leurs combats contre la maladie, de leurs réflexions, de leurs questions et de leurs révoltes. </i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br><br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 25 mars 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>La Vie est immense et pleine de dangers</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Denis Gheerbrant</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> </br>
Le film commence par un mal de ventre du personnage principal, Cédric, 8 ans. Celui-ci se retrouve
diagnostiqué d'un cancer et plongé dans l'univers du service de cancérologie de l'Institut Curie.
Durant les 9 mois de traitement, Denis Gheerbrant le suivra, seul avec sa caméra. </br>
<p><h4>Une genèse technique ambiguë</h4></p>
<p>Bien que Denis Gheerbrant ait suivi une formation de réalisateur autant que d'opérateur, ses
premières années à la sortie de l'IDHEC furent consacrées à un travail assez solitaire, le plus
souvent dans la rue et la photographie. Il contribue ensuite au travail d'autres réalisateurs jusqu'en
1984, mais ce n'est qu'alors qu'il recommence à faire ses propres films. Dès lors Denis se démarque
par ses sujets difficiles (Amour rue de Lappe, Question d'identité): "Je titubais parfois sous le poids
du malheur des gens que je filmais." Cela ne l'empêche pas en 1992 de se présenter à l'institut Curie
avec pour but avoué de faire un film sur ce qu'il appelle "le scandale de la mort possible d'un enfant".
Il rencontre alors Cédric qui vient d'y arriver, et qui accepte de devenir le sujet d'un documentaire.</p>
<p>Cependant Denis ne plonge pas intégralement dans une volonté de réaliser un documentaire, où
plutôt s'impose pour La vie est immense et pleine de dangers de multiples contraintes. Tout d'abord il
s'occupera seul de la prise d'image et de son, caméra sur l'épaule.</p><a name='more'></a>
<p>Ensuite, il s'impose un rythme de travail semblable à celui des infirmières, passant 40h dans le
service par semaine, et prenant des vacances à leur manière. Enfin, il utilise une camera avec micro,
en bobine 16mm. En tant qu'opérateur, il est plus que conscient que c'est plus onéreux, que ces
caméras ont une plus faible autonomie et qu'il s'enlève une grande liberté dans ses prises par rapport
à la vidéo. Il ne peut pas multiplier ses prises jusqu'à ce que chaque discours lui convienne et cela se
ressent: les mots sont considérés avec soin, réfléchis même parmi de jeunes enfants.</p>
<h4>Un cadre unique et difficile</h4>
<p>La bobine n'est pas la seule limite de ce que Denis peut faire, mais comme le reste cela contribue à
rendre La Vie est immense et pleine de dangers plus émouvante qu'un documentaire traditionnel. Là
où lors de ses débuts Denis était étonné par la facilité de ses conditions de tournage, il s'impose cette
fois l'inverse. On ressent ses limites: les personnages sont aussi réels que leur maladie, et Denis n'a
pas choisit de passer 9 mois à suivre Cédric en sachant ce qui lui arriverait. L'émotion qu'il cherche à
représenter n'est pas la mort, mais la menace qu'elle laisse planer sur le service de cancérologie. De
même, Denis est restreint par le respect des vies privées. Cédric devient alors co-réalisateur du film,
choisit jusqu'où l'on peut l'observer: c'est lui qui nomme sa maladie, qui décide de montrer les
échographies de tumeur, et surtout là où Denis et son film doivent s'arrêter. La position du spectateur
qui regarde par dessus l'épaule du réalisateur n'est elle non plus pas classique: il s'éloigne ici du
cinéma classique avec le regard-caméra, mais se rapproche par là même du publique et du sujet.</p>
<h4>Une proximité dérangeante</h4>
<p>Enfin, si tout semble être fait pour que le spectateur se sente proche des patients, il joue avec
ambiguïté sur le thème de la famille et la familiarité. Tout d'abord pour Cédric qui avoue: “Je
croyais que je pouvais me passer de mes parents mais je me suis
aperçu que je ne pouvais pas m’en passer”. Le film montre effectivement l'alternance entre l'hôpital et
les séjours chez l'enfant. Le fait que le personnel soignant soit extrêmement fugitif, relégué au "off"
tant pour l'image que le son aide à laisser une place non négligeable à la vie de Cédric. Cependant,
parallèlement Denis joue sur le temps qui s'écoule durant la maladie: bien qu'à l'hôpital il se
concentre sur des gros plans dans des lits, ne laissant apparaître qu'un patient et le séparant du
monde extérieur et son évolution, il laisse deviner l'écoulement des saisons lors des retours de
Cédric et à travers les fenêtres de l'institut. Cela coïncide avec l'évolution de Cédric perdant ses
cheveux, traversant la maladie. Alors qu'il est de plus en plus enfermé dans la maladie, entre
chambre stérile et traitement, ces plans sur l'extérieur sont ses dernières ouvertures. Mais ils ne
concernent pas seulement Cédric: ils sont aussi liés d'une part au monde extérieur du spectateur, et
par opposition, associés à la mort dès le début du film car ils accompagnent l'interview de Xavier.</p>
<p>-Pierrot.</p>
Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-76263671315310672572014-03-12T21:08:00.000+01:002014-03-26T15:54:28.582+01:00Sayat Nova, la couleur de la grenade de Sergei Paradjanov (mardi 18 mars 2014, 20h30)<center><iframe width="420" height="315" src="//www.youtube.com/embed/XtJW1WRfRg4" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Venez découvrir ce film qui ne ressemble a aucun autre. Sergei Paradjanov invente un langage pictural qu'on peut qualifier de cinéma moyenâgeux.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-25-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 78 minutes.<br><b>Couleur</b>. <br><b>Pays :</b> Russie.<br> <b>Année :</b> 1969.<br> <b>Avec :</b> Sofiko Tchiaourelli, M. Alekian, V. Galestian.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Evocation de la vie du poete armenien Sayat Nova, dont on situe l'existence entre 1717 et 1794 en une serie de plusieurs tableaux. </i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 18 mars 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>Sayat Nova, la couleur de la grenade</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Sergei Paradjanov</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3>
<p><h4>Une voix unique du bazar du cinéma</h4></p>
<p>Certains critiques de cinéma ont l’habitude fâcheuse de dire ou d’écrire des choses du genre : « Qui n’a pas vu ce film, n’a rien vu », ou bien « Qui ne connaît pas l’œuvre de ce réalisateur ne sait pas ce que le cinéma est capable de faire ». Il est toujours recommandable d’effacer cette tournure. Une tournure bête, puisqu’elle instaure une objectivité inexistante – le cinéma, c’est la diversité ! Une polyphonie, ou un bazar peut-être – que ce soit du côté de ceux qui le produisent ou de ceux qui le regardent. Bien sûr, il y a des voix ou des standards plus ou moins fascinants, plus ou moins influents. Car tout dépend, en tant que spectateurs par exemple, de nos connaissances, de nos habitudes rétiniennes. Ou simplement de notre goût et de l’ambiance. Pourtant, même en me forçant de rester modeste, je dirais que la voix de Serguei Paradjanov est tellement unique qu’il serait imprudent de ne pas l’avoir écoutée au moins une fois (ou au moins d’avoir essayé de l’écouter). Le seul moyen efficace de décrire l’œuvre paradjanovienne serait peut-être cette métaphore du bazar – un film de Paradjanov c’est aussi un bazar. <i>Sayat-Nova</i> est un tel bazar, tout en étant un film, ou se donnent rendez-vous la poésie, la peinture, la passion et la vie. Et pas seulement.</p>
<a name='more'></a>
<h4>La source historique du film</h4>
<p>Même si le film a l’air, de prime abord, d’être une biographie du poète Sayat-Nova, Paradjanov n’a jamais eu l’intention de faire un film historique au sens réaliste. C’est pour cette raison qu’il n’est pas inutile de parler, avant de parler du film, de son inspiration historique. Qui est le poète Sayat-Nova, après tout ? L’homme Sayat-Nova a bien existé : son vrai nom était Aroutine ou Haroutiom, ce qui signifie « Résurrection » en arménien. Il était né entre 1712 et 1725 à Sanahine (aujourd’hui en Arménie), non loin de Tiflis, issu de paysans modestes. Le jeune Aroutine devint apprenti tisserand, puis, grâce à son talent musical et linguistique, poète panégyrique à la cour du prince géorgien Irakli II à Tiflis. L’histoire dit que son succès comme achough, c’est-à-dire comme troubadour, était incontestable. Son nom d’artiste Sayat-Nova veut dire « Chasseur des mélodies ». Mais Sayat-Nova tomba amoureux d’une haute personnalité de la cour, probablement de la sœur d’Irakli II, la princesse Anna Batonichvili. Cette passion finit par perdre le poète. D’abord renvoyé plusieurs fois en exil, Sayat-Nova se voit forcé en 1759 par le roi de se retirer dans le monastère de Haghbad et de devenir moine. En 1795, une campagne militaire persane embrasait de nouveau la région. Sayat-Nova, voulant mettre ses enfants à l’abri des périls de la guerre, fut tué par des soldats persans. </p>
<p>Le Caucase de l’époque de Sayat-Nova, il faut l’imaginer comme un grand melting-pot déchiré par d’innombrables confrontations guerrières. Car la région, pendant le XVIIIème siècle, se trouvait sous forte influence et pression ottomane et persane. Les deux pouvoirs se la disputaient. De l’autre côté, il existait une diversité culturelle unique. Dans les rues de Tiflis, par exemple, il y avait de nombreuses d’ethnies, religions et cultures différentes : des géorgiens bien sûr, mais aussi les azéris, les arméniens, les kurdes, les juifs, les persans, les peuples du Nord caucasien. En même temps, on copiait le « lifestyle » ottoman et persan, que ce soit en imitant les vêtements, l’art ou l’artisanat oriental – ou même en adoptant, plus ou moins volontairement, la foi musulmane. La poésie orientale était particulièrement en vogue à cette époque. En lisant les vers de Sayat-Nova, le lecteur se rend tout de suite compte de l’influence arabo-persane classique : il chante de la rose et du rossignol, de l’amour de Majnoune pour Layla, de son propre amour malheureux et impossible pour la belle bien-aimée. L’amour chez Sayat-Nova est toujours fatalement mortel et meurtrier, comme dans la poésie classique arabe, persane et turque. Un autre détail intéressant est le fait que Sayat-Nova se servit de trois langues pour ses poèmes : il maîtrisait l’arménien, le géorgien et l’azéri. En plus, il savait lire le persan. Dans ce sens, Sayat-Nova est un représentant exemplaire du « mélange caucasien » de cette époque.</p>
<h4>« Mais pour moi c’est devenu une vraie passion : créer une dynamique dans des images statiques. » (S. Paradjanov)</h4>
<p>La structure de <i>Sayat-Nova – La couleur de la grenade</i> est plutôt simple : en 8 chapitres, le film retrace chronologiquement l’enfance, l’âge adulte, l’amour, la souffrance, la vieillesse et la mort du poète Sayat-Nova. Les chapitres, et certaines scènes, sont introduits par des intertitres, comme dans les films muets. Jusqu’ici rien de trop particulier : un réalisateur soviétique d’origine arménienne met en scène la vie d’un artiste arménien. Des projets comparables se trouvent chez d’autres grands réalisateurs soviétiques à la même époque, par exemple Andreï Roublev de Tarkovski de 1966. Ou <i>Pirosmani</i> de 1969 de Chenguelaia, qui décrit la vie du peintre géorgien Niko Pirosmanishvili.</p>
<p>Mais, à partir de son premier chef-d’œuvre <i>Les chevaux de feu</i> de 1964, l’unique point de départ pour le langage cinématographique de Paradjanov est la peinture. Il est vrai qu’il y a beaucoup de réalisateurs « inspirés par la peinture ». Contrairement à tout autre réalisateur, Paradjanov traite l’image cinématographique <i>comme une peinture</i> : une image entourée d’un cadre. Il faut mentionner le fait que Paradjanov était aussi un artiste plastique : peut-être son œuvre artistique n’est pas moins importante que l’œuvre cinématographique. Pendant toute sa vie, même en prison, il produisit des dessins, des peintures, des collages, des boîtes, des poupées et autres « objets ». Il est donc très naturel que l’artiste-peintre ait eu de l’influence sur l’artiste-réalisateur. En 1968, pour <i>Sayat-Nova</i>, Paradjanov choisit comme source d’inspiration visuelle la peinture et les miniatures orientales du Moyen Âge, en particulier celles de la tradition arménienne et persane. Paradjanov se mit consciemment dans cette tradition qui était répandue dans tout l’Orient et qu’il poursuit dans ses films. Mais en regardant <i>Sayat-Nova</i> on pense peut-être au cinéma du début du XXème siècle ou au théâtre Kabuki : il n’y a que des cadres fixes, le jeu des acteurs est rigidement théâtral. Comme résultat il n’y aucune narrativité fluide qu’on attendrait normalement d’un film qui est censé raconter la biographie d’un personnage historique. En outre, on ne parle presque pas du tout dans ce film : la voix-off et les figures mêmes ne communiquent que rarement. Les informations décisives pour suivre le fil de l’histoire sont données dans les intertitres. Mais ces informations ne sont pas abondantes, plutôt allusives que informatives. Ils servent comme les titres de peinture : il y a une indication, mais après c’est au spectateur de déchiffrer l’image et de faire l’histoire. C’est exactement le procédé de Paradjanov dans <i>Sayat-Nova</i> : le film est composée comme une suite de peintures animées. Evidemment il s’agit d’un paradoxe : une peinture est, a priori, un rassemblement figé de couleurs. Si elle devient animée, elle devrait être un feuilletoscope, ou bien un film, peut-être une sorte de représentation théâtrale. On pense peut-être aussi aux tableaux vivants que l’âge des Lumières prisait tant. <i>Sayat-Nova</i> est dans ce sens un film paradoxal : ni tableau, ni film, ni poème, il e situe entre les deux genres. Mais ce paradoxe est au cœur de la méthode de Paradjanov, comme il expliqua dans une interview : « J’avais toujours été attiré par la peinture et je me suis habitué à considérer chaque cadre cinématographique comme un tableau indépendant. » </p>
<p> L’action directe comme telle ou l’interaction entre les personnages est ainsi absente. Les personnages de <i>Sayat-Nova</i> n’ont pas l’air de voir ni d’entendre les uns les autres : comme dans les miniatures médiévales ils agissent dans un espace opaque et figé, organisé par une force extérieure – un destin. Le spectateur n’y trouvera pas des véritables « scènes » et de dialogues. Paradjanov les laisse tomber pour se servir de la composition, du geste et de l’allégorie (terme problématique, puisqu’on pourrait aussi parler d’une symbolique). Composition est à comprendre, bien sûr, au sens pictural : répartition des figures, des objets et surtout des couleurs. Ainsi chaque scène de <i>Sayat-Nova</i> est plutôt un tableau qu’une scène au sens classique du cinéma. L’expressivité se déploie d’abord par les couleurs somptueuses, par la pure richesse picturale. Contrairement à d’autres films, l’espace reste figé et rigoureusement encadré, mais Paradjanov atteint une rare beauté visuelle et une tension hallucinante malgré l’absence de tout mouvement de la caméra. Cette beauté est d’une sensualité exceptionnelle, puisque les images, outre la pure séduction qui en émane, ont souvent une qualité presque plastique. Cette façon de composer l’image est liée aux mouvements et avant tout aux gestes qui font partie de la composition. Comme dans les miniatures orientales, Paradjanov utilise un certain répertoire de gestes dans ces scènes allégoriques. Cette dimension est aussi donnée par les intertitres. C’est au spectateur de reconnaître le sens, ou pour mieux dire, de le construire. C’est-à-dire : de re-construire pour lui-même l’histoire. Car Paradjanov ne raconte pas en racontant, il raconte en indiquant. <i>Sayat-Nova</i> est dans ce sens une sorte de charade poétique : il y a une invitation à jouer au jeu de ces images allégoriques, à découvrir leur énigme – une énigme qui se dérobe en permanence. </p>
<h4>Habent sua fata pelliculae sovieticae</h4>
<p><i>Sayat-Nova</i> est sans doute le chef-d’œuvre de Serguei Paradjanov, l’apothéose de sa « machinerie » cinématographique. En le comparant aux autres productions du cinéma de l’époque brejnévienne, même de Tarkovski, on a du mal à imaginer que ce film a jamais pu voir le jour. Naturellement, quand le film était présenté aux autorités soviétiques, celles-ci se montraient indignées au plus haut degré. Il critiquaient que <i>Sayat-Nova</i> ne montrait pas de lutte de classe, ni de conscience critique envers la réalité sociale – par contre il était trempé d’une fascination suspecte pour une époque féodale passée. Paradjanov se vit reprocher que son film était « complètement incompréhensible » et nuisible à l’art ouvrier parce qu’il fait preuve de formalisme (c’est l’art bourgeois qui est formaliste, bien sûr, et non celui de l’URSS). Paradjanov fut alors forcé d’accepter qu’une version « épurée » de son film soit faite. C’est cette version raccourcie, sous le titre de <i>Sayat-Nova</i> – La couleur de la grenade qui fera le tour des cinémas. Sont entre autres coupées des scènes ambigües qui révèlent trop d’érotisme, comme des femmes nues dans un bain et la relation entre <i>Sayat-Nova</i> et le prince. Sont en plus coupées d’autres parties qui, selon le fameux bon sens des fonctionnaires soviétiques, représenteraient un danger politique. Après la sortie du film dans les cinémas moscovites en 1970/71, Paradjanov reçoit néanmoins le feu vert pour une adaptation des contes de Hans Christian Andersen. Mais soudain, en 1973, le vent tourne, et Paradjanov se retrouve devant un tribunal. Il serait trop long de raconter ici tous les déboires de Paradjanov avec la justice soviétique. Disons, pour résumer, que « l’affaire Paradjanov » finira par l’incarcération pour de prétendus délits de « forcement aux actes homosexuels » et de « propagation de matériaux pornographiques » (entre autres pour avoir montré à des amis un « stylo pornographique »). Les années 1974 à 1977, Paradjanov les passa dans une prison « à régime sévère » à Dniepropetrovsk. Suivra une époque de chômage et de silence qu’il passera à Tiflis, en vivant plutôt mal que bien. Mais avec l’avènement d’Edouard Chevardnadzé au poste du premier secrétaire du PC géorgien, le climat culturel change. C’est grâce à Chevardnadzé que, par exemple, Tengiz Abouladzé a la possibilité de réaliser sa vision sur l’époque stalinienne, Le repentir, et que Paradjanov reçoive en 1984 la permission de tourner <i>La légende de la Forteresse de Souram</i> – 15 ans après son premier projet cinématographique.</p>
<p>Malgré sa mutilation postérieure, <i>Sayat-Nova</i> a conservé sa force et sa beauté splendides. Il est vrai : des scènes importantes et incomparables ont été coupées ou même perdues. Mais peut-être faudrait-il penser à un ancien manuscrit avec des miniatures somptueuses, dont une partie était perdue au cours des siècles : les pages qui ont survécu au tourbillon de l’histoire ne sont pas moins magnifiques.</p>
<p>-Viktor.</p>Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-71022414095546153482014-03-05T09:06:00.000+01:002014-03-26T16:00:26.630+01:00La Vraie Vie (dans les bureaux) de Jean-Louis Comolli (mardi 11 mars 2014, 20h30)<center><iframe width="640" height="390" src="http://www.editionsmontparnasse.fr/embed/j5589Y" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Le critique et documentariste Jean-Louis Comolli, ancien directeur des Cahiers du Cinéma, vient nous faire découvrir un film poignant, juste et lumineux : La Vraie Vie (dans les bureaux), 1993. Dans ce documentaire, il nous donne à entendre comme jamais le "monologue du travail contraint" dans toute son émouvante banalité.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="200" width="300" src="http://www.lussasdoc.org/medias/photos/articles/vraie-vie-dans-bureau2.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 78 minutes.<br><b>Couleur</b>. <br><b>Pays :</b> France.<br> <b>Année :</b> 1993.<br> <p>Rapide synopsis : <i>D'octobre à décembre 1992, Jean-Louis Comolli a promené sa caméra dans les locaux d'un centre de Sécurité sociale parisien, la Caisse régionale d'assurance maladie d'Ile-de-France. Essentiellement composé d'interviews, que ponctuent de longs travellings dans le dédale des couloirs et des différents services administratifs, ce passionnant reportage "in situ" donne la parole à ces employé(e)s anonymes du secteur tertiaire, qui évoquent, avec enthousiasme, humour ou amertume, leur travail et leur vie quotidienne dans les bureaux.</i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 11 mars 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>La Vraie Vie (dans les bureaux)</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Jean-Louis Comolli</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3>
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<h4>Biographie du réalisateur</h4>
<p>Jean-Louis Comolli découvre le cinéma au ciné-club d’Alger de Barthélémy Amengual. Par la suite, son arrivée à Paris, et son entrée aux Cahiers du Cinéma en 1962 (où il restera jusqu'en 1978), le politisent. C’est sous sa direction (1966-1971) – comme il le raconte dans le documentaire <i>À voir absolument (si possible)</i> (2012) - que les Cahiers se gauchisent et s’ouvrent aux « vents du monde et de la pensée » : les cinémas nationaux (le cinéma brésilien), les cinémas politiques, les mouvements sociaux et de libération nationale, les nouveaux penseurs (Roland Barthes, Michel Foucault, Jacques Lacan...), et les autres arts. Comolli est en effet un amateur éclairé de jazz : il a régulièrement collaboré à Jazz Magazine, dirigé par un autre ancien du Ciné-club d'Alger, Philippe Carles, avec lequel il a écrit Free Jazz, Black Power (1971). Depuis son départ des Cahiers, il a continué d'écrire, prolixement, sur le cinéma, pour <i>Trafic</i> ou <i>Images Documentaires</i>, et a publié de magistraux essais semi-autobiographiques chez Verdier : <i>Voir et Pouvoir</i> en 2004, <i>Cinéma contre spectacle</i> en 2009 et Corps et cadre en 2012. Il a également enseigné à la Fémis et Paris VIII.</p>
<p>Si l'on excepte un premier documentaire remarquable sur les élections législatives à Asnières de juin 1968, co-réalisé avec André S. Labarthe, Les Deux Marseillaises, son travail de critique commence par mener Comolli à la fiction. Il y interroge l'engagement politique de gauche, comme dans La Cecilia (1976) ou L'ombre Rouge (1981). C'est seulement en 1987, avec le tournage de Tabarka, que Comolli "découvre enfin l’émotion majeure de filmer ses contemporains en documentaire, c’est-à-dire dans leur fiction et pas seulement dans la mienne" (Voir et Pouvoir). Il ne s'arrêtera plus : parmi une filmographie prolifique, on peut distinguer tout un pan de son œuvre consacrée à la politique (La Série Marseillaise (1989-2008), Tous pour un! (1988), L'affaire Sofri (2001), etc.) et en particulier au front national (Jeux de rôles à Carpentras (1998)), et un autre à la société humaine et en particulier au travail humain sous ses formes créatives comme aliénantes (Naissance d'un hôpital (1991), La Vraie Vie (dans les bureaux) (1993), etc.). </p>
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Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-74375075832541185712014-02-26T08:28:00.000+01:002014-03-05T15:39:12.625+01:00Artémis, cœur d'artichaut de Hubert Viel (mardi 4 mars, 20h30)<center><iframe width="480" height="270" src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=19536402" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Venez découvrir un film plein de fraîcheur en présence du réalisateur et d'un(e) membre de son équipe. La discussion sera co-animée par Antoine Héraly du Septième Continent.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-23-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 64 minutes.<br><b>Couleur</b>. <br><b>Pays :</b> France.<br> <b>Année :</b> 2013.<br> <b>Avec : Frédérique Barré, Noémie Rosset, Hubert Viel</b> .</p> <p>Rapide synopsis : <i>Un passage dans la vie d'Artémis, déesse lunaire parachutée dans le monde contemporain. Etudiante en lettres solitaire et mélancolique, sa vie bascule quand elle rencontre l'exubérante nymphe Kalie. Histoire d'une amitié foudroyante.</i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 4 mars 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>Artémis, cœur d'artichaut</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Hubert Viel</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> </br>
<h4>D’ORTIES ET D’EAU FRAICHES</h4>
<p>Après avoir loué la déesse de la Chasse, le poète grec Callimaque a rendu les armes en 240 avant Jésus-Christ. Trois millénaires plus tard, Hubert Viel, authentique Hermès de la narration, décide de bousculer la jeune femme dans son indolence neurasthénique, de l’extirper de son enlisement dans la quotidienneté ; car, comme chacun sait, « <i>l’éternité c’est long, surtout vers la fin</i> » (Plusieurs individus sont soupçonnés d’avoir commis ce trait d’esprit. Pour des motifs écologiques, nous ne pourrons pas tous les nommer ici et préférons donc n’en nommer aucun. Cependant, si vous en êtes l’auteur, n’hésitez pas à nous le signaler). Pour le messager omniscient des pauses narratives, il s’agit donc de reprendre en main la destinée d’Artémis, je dirais même plus, caméra au poing. </p>
<p>Un matin, un jardin. Super 8 lancé, Super Viel s’exprime : le mythe peut retrouver son cours. Il suffit qu’Artémis ouvre sa fenêtre pour que le relais narratif s’opère : nous resterons de son côté, à quelques exceptions près, le narrateur étant trop occupé pour endosser son rôle à temps plein, puisqu’à l’instar d’Artémis, il a plusieurs cordes à son arc : scénario, production et composition de la bande son , douce dérive psychédélique. Artémis s’émancipera peu à peu du rôle qu’elle pensait devoir accomplir : vierge effarouchée, dédaignant le commun des mortels à l’exception des enfants et des animaux, ne jurant que par les orties séchées, elle rencontre la nymphette Kalie, « <i>inconnue aux mœurs étranges mais sympathique </i>», et s’autorise une virée hors de Caen pour vivre une nouvelle matière à <i>Hymnes</i>, laquelle instaure dans la diégèse du film une ligne d’harmonie délectable entre cinéma de chambre et cinéma de plein air.</p>
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<p>« <i>Un film se résume trop souvent à du voyeurisme enrobé dans de belles images </i>» déplorera le narracteur à la fin du film. À l’heure du diktat de la Full HD, d’un lissage presque général des images et visages, le choix du Super 8 apparaît d’emblée comme l’instauration d’une temporalité mythique -la durée d’une bobine…-, de la promesse d’un retour à l’origine. Mais, ne nous méprenons pas : ici, nulle nostalgie, l’essence de l’image cinématographique réside bien en l’<i>instant</i>, quelque part entre l’anecdote ludique (une poignée de vers grouillant dans la main d’Artémis) et le désir de suspension (une canne à pêche gracieusement lancée au ralenti). Cependant, le choix du support ne pourrait à lui seul porter l’intérêt du film : si le grain de l’image confère un charme certain, cela vaut aussi pour Artémis et Kalie qui en ont certainement « un » (au moins), de grain, et ce qui leur confère de juste épaisseur. Grain(s) sablonneux d’une plage qui devient l’espace possible d’un cocktail des genres, grains immémoriaux échappés d’un décor où Jacques Rozier aurait mis yeux et pieds, grain(s) d’humanité où les actrices et leurs personnages (à moins que ce ne soit le contraire), Artémis-Frédérique Barré et Kalie-Noémie Rosset, dépassent le rôle préconçu des jeunes filles françaises, du moins tel que le décriait Ingmar Bergman , pour que se noue avant tout le récit authentique d’une amitié fulgurante, loin d’une série de portraits poseurs. </p>
<p><b><i><center>« Les « dieux » qui sont là s’en vont, ils ne nous veulent pas parmi eux, près d’eux, ils ne veulent pas de nous. » </br> BAILLY Jean-Christophe, Le Versant animal.</b></i></center></p>
<p>La mythologie finit par s’évanouir dans un semblant de réel, non par insolence facile ou tentation de désuétude, mais bien par trop plein d’humanité, par magnétisme envers le duo féminin, leur présence immanente, la complétude de la fébrilité d’Artémis et l’explosivité de Kalie. Elles sont portées et porteuses d’un ton réjouissant, que l’on pourrait nommer burlesque lyrique, et qui, sans nous conduire au septième ciel olympien, nous plonge du côté le plus généreux du septième art: une forme réjouissante de bricolage, du côté des « Artisans du Film », un goût limpide du montage et du pouvoir cinégénique des orties. Alors oui, après tout, on peut nous « <i>laisser imaginer tout ce que nous voudrons </i>» une fois le mot FIN posé. </p>
<p>Les orties fanées finiront par retrouver leur couleur. Pas la peine d’aller à la chasse à la taupe pour avoir les yeux en face des trous. Salut, Artémis, je t’aimais bien.</p>
<p>-Claire Allouche.</p>
Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-90753407893563530202014-02-19T06:07:00.002+01:002014-02-19T06:07:53.294+01:00La Mauvaise éducation de Pedro Almodovar (mardi 25 février, 20h30)<center><iframe src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=18362273" style="width:480px; height:270px" frameborder="0"></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Mardi 25 février, le ciné-club donne carte blanche à l'Hômonerie. Leur choix ? La Mauvaise éducation de Pedro Almodovar (2003). Un film fort et poignant, avec Gael Garcia Bernal. Projection suivie d'une discussion.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-22-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 110 minutes.<br><b>Couleur</b>. <br><b>Pays :</b> Espagne.<br> <b>Année :</b> 2004.<br> <b>Avec :</b> Gael García Bernal, Fele Martínez, Javier Cámara.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Deux garçons, Ignacio et Enrique, découvrent l'amour, le cinéma et la peur dans une école religieuse au début des années soixante. Le père Manolo, directeur de l'institution et professeur de littérature, est témoin et acteur de ces premières découvertes. Les trois personnages se reverront deux autres fois, à la fin des années 70 et en 1980. Cette deuxième rencontre marquera la vie et la mort de l'un d'entre eux.</i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 25 février, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>La Mauvaise éducation</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Pedro Almodóvar</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> <a name='more'></a> <p>Bientôt...</p> Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-15411217998570990852014-02-11T23:30:00.000+01:002014-02-12T04:31:00.331+01:00No de Pablo Larraín (mardi 18 février 2014, 20h30)<center><iframe src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=19470217" style="width:480px; height:270px" frameborder="0"></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Chili, 1988 ou comment la publicité entre dans l'histoire, et contribue à la chute du dictateur Pinochet. Sorti en 2013, ce film de Pablo Larrain a remporté le prix du film de fiction pour l’histoire du temps présent 2013, à l'occasion des Rendez-vous de l'histoire de Blois. Un débat suivra avec Christian Delage, directeur de l'Institut d'histoire du temps présent, Anne Perotin Dumon, chercheuse à l'IHTP et historienne spécialiste de l'Amérique latine, et Jean-Marie Génard, responsable cinéma des Rendez-Vous de l'Histoire de Blois.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-21-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 117 minutes.<br><b>Couleur, Noir et Blanc</b>. <br><b>Pays :</b> Chili, USA.<br> <b>Année :</b> 2013.<br> <b>Avec :</b> Gael García Bernal, Antonia Zegers, Alfredo Castro.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Chili, 1988. Lorsque le dictateur chilien Augusto Pinochet, face à la pression internationale, consent à organiser un référendum sur sa présidence, les dirigeants de l'opposition persuadent un jeune et brillant publicitaire, René Saavedra, de concevoir leur campagne. Avec peu de moyens, mais des méthodes innovantes, Saavedra et son équipe construisent un plan audacieux pour libérer le pays de l'oppression, malgré la surveillance constante des hommes de Pinochet. </i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 18 février 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>No</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Pablo Larraín</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> <a name='more'></a> <p>Bientôt...</p> Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-21984268194025341322014-02-04T23:30:00.000+01:002014-03-02T14:00:39.928+01:00La Maison de la rue Troubnaïa de Boris Barnet (mardi 11 février 2014, 20h30)<center><iframe width="420" height="315" src="//www.youtube.com/embed/5hnCAULjlG8" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Une heure muette, mais une heure pleinement musicale. Paracha quitte sa campagne lointaine et débarque à Moscou avec son oie. Elle atterrit, un peu malgré elle, dans un immeule haut en couleurs, où les mouvements des uns et des autres participent d’une véritable chorégraphie du quotidien. Paracha se fait royalement exploiter par un coiffeur de l’immeuble et découvre les joies du syndicat comme alternative à sa situation. Mais c’était sans compter l’existence d’une homonyme… Le film oscille entre une symphonie urbaine au rythme effréné et un film en studio où l’on en finit pas de dévaler les escaliers. En présence d’Eugénie Zvonkine, maître de conférences à l’Université Paris VIII, spécialiste du cinéma soviétique.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-20-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 64 minutes.<br><b>Noir et Blanc</b>. <br><b>Pays :</b> Russie.<br> <b>Année :</b> 1928.<br> <b>Avec :</b> Vera Mareckaja, Vladimir Vogel, Elena Tiapkina.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Une jeune provinciale debarque a Moscou et rencontre un jeune homme de son village. Il l'amène dans son immeuble, celui de la rue Troubnaïa. Elle y est aussitôt recueillie et exploitée par le coiffeur Golikov... </i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 11 février 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>La Maison de la rue Troubnaïa</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Boris Barnet</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3>
</br><h4>La « maison », microcosme d’une cinétique urbaine</h4>
<p><i><center>« Ce qui inspire le désir nostalgique de Moscou, ce n’est pas seulement la neige avec son éclat d’étoile la nuit et ses cristaux comme des fleurs le jour. C’est aussi le ciel. Car l’horizon des vastes plaines pénètre toujours dans la ville entre des toits humiliés. C’est seulement vers le soir qu’il devient invisible. Mais alors la crise du logement à Moscou produit son effet le plus étonnant. Si l’on parcourt les rues en flânant au premier crépuscule, on voit presque chaque fenêtre dans les grandes et les petites maisons brillamment éclairées. Si la clarté qui s’en échappait n’était pas si irrégulière on croirait être en présence d’une illumination. »</center></i>BENJAMIN Walter, « Moscou », in Sens unique, Enfance Berlinoise, Paysages urbains, Éd. Maurice Nadeau, 1998, p 274.</p>
<p>
<h4>Tout est affaire de décor</h4>
<p>Paracha, jeune fille qui a grandi dans la campagne profonde, arrive à Moscou pour y tenter sa chance. C’est en tout cas ce que nous dit tout honnête synopsis au sujet du quatrième film de Boris Barnet. Pourtant, les premières minutes de La maison de la rue Troubnaia annoncent à peine la venue de son personnage principal. Ironie du sort : pour tout bagage, Paracha possède l’adresse de « la maison de la rue Troubnaia » (ou de la « place », selon les traductions) mais elle ne la trouve pas ; les moscovites lui donnent des informations contradictoires, un jeu de fondus perd le spectateur au passage. Alors, où se trouve cette « maison » ? Quelque part dans la ville ou seulement dans l’imaginaire cinématographique ? </p>
<p>Le décor préexiste doublement à Paracha, il apparaît comme la genèse de toute tentation de narration. La maison de la rue Troubnaia, avant même d’être une première image, est annoncée sur grand écran par un carton : le film a été tourné dans les studios Mejrabpom-Rouss en 1928. Ce n’est pas anodin : la Mejrabpom-Rouss, pleinement active entre 1924 et 1938, est le point de convergence entre le Secours ouvrier international et la vieille compagnie Rouss . Boris Barnet détourne les codes du « film de propagande » et ose faire du syndicalisme l’objet d’un dénouement inattendu, empreint de dérision contestataire. Il convoque ainsi le contexte politique tout en le distanciant. Dès lors, <i>La Maison de la rue Troubnaia</i> pose la question du « vivre ensemble » plus globalement. Dans les mêmes années, Walter Benjamin écrivait : «<i> Le bolchévisme a aboli la vie privée. L’administration, l’activité politique, la presse sont si puissantes qu’il ne reste plus du tout de temps pour s’occuper des choses qui ne coïncident pas avec elles. Il ne reste plus d’espace non plus. Des appartements qui jadis accueillaient une seule famille dans leurs cinq à huit pièces en abritent maintenant souvent huit. On pénètre par la porte d’entrée dans une petite ville. Plus souvent encore sur un champ de bataille. On peut buter dès l’entrée des lits. C’est le bivouac entre quatre murs, et la plupart du temps le maigre mobilier n’est que le résidu de possessions petites-bourgeoises qui paraissent beaucoup plus accablantes encore, maintenant que la pièce est misérablement meublée. </i>»
<i>Du carton au lieu, de l’écran au décor, donc ; d’emblée La maison de la rue Troubnaia annonce un jeu d’échelles, lequel est soutenu avec virtuosité par un découpage dynamique, une variation d’angles de prises de vue, et donne ainsi l’aperçu exhaustif, l’exploitation jusqu’à épuisement, de toutes les possibilités offertes par un studio, du plan de coupe à la plongée. Difficile de ne pas voir dans le décor coupé du Tombeur de ces dames (1961) de Jerry Lewis la réminiscence du film de Barnet. En effet, la cage d’escalier est la métonymie du décor de la « maison » et le réalisateur joue de la compartimentation sur un mode chorégraphique : la cohabitation de ladite maison se réalise selon un « bail(llet) » rythmique, où les mouvements se répondent autant qu’ils se complètent. Après avoir posé les étages plan par plan, Barnet laisse la caméra dévaler les escaliers. </i>
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<h4>Sur de bons rails… De tram et de travelling</h4>
<p><i><center>« Un trajet en tram reproduit aussi en raccourci cette expérience de l’histoire mondiale dans la nouvelle Russie : comment une activité technique et une forme primitive d’existence s’entremêlent totalement. »</center></i>BENJAMIN Walter, « Moscou », in Sens unique, Enfance Berlinoise, Paysages urbains, Éd. Maurice Nadeau, 1998, p 254.</p>
<p>Un éloge de la prouesse rythmique de <i>La maison de la rue Troubnaia</i> reviendrait à enfoncer des portes ouvertes ; il est toutefois tentant de relever que la dimension burlesque se joue précisément là où le rythme déraille, dès l’arrivée de Paracha, laquelle est à contre-temps de la frénésie urbaine, au point d’engendrer, dès son arrivée, un arrêt sur image. Ainsi, la structure du film repose sur le hiatus entre décor de studio et décor en extérieur, entre une mécanique domestique et une cinétique urbaine, lesquelles ne cessent de se contaminer mutuellement dès que la jeune Paracha passe le seuil de la « maison ». </p>
<p>Dès lors, le scénario, objet de communion de cinq plumes (Bella Zorich, Anatolii Mariengof, Vadim Schershenevich, Viktor Chklovski, Nicolai Erdman), apparaît comme une partition, principe d’écriture prôné par le cinéaste et théoricien Lev Koulechov . C’est d’ailleurs lui qui a initié Boris Barnet au cinéma, à l’époque où le réalisateur de La maison de la rue Troubnaia n’était pas encore un homme de plateau mais un homme du ring . Boxe ou cinéma, l’essentiel est de garder le rythme et de viser juste. Si Boris Barnet ne semblait pas pleinement revendiquer une appartenance aux expérimentations formalistes du VGIK (« Je ne suis pas, je n’ai jamais été un homme de théories. J’ai toujours pris mon matériel dans la vie quotidienne. » dira-t-il plus tard), il est néanmoins tentant de mettre en regard des aspects de La Maison de la rue Troubnaia avec certaines des idées développées par Lev Koulechov dans ses textes, notamment celles qui concernent la relation d’interdépendance entre espace et montage. </p>
<p>En 1920, dans son manifeste <i>La bannière du cinématographe</i>, Lev Koulechov écrit : <i>« Le montage permet tout particulièrement d’approfondir un fait surprenant de la création cinématographique : l’espace terrestre crée et l’indépendance, dans le temps de la prise de vue, des parties composant une scène, liées entre elles par l’unité de temps de l’action. </i>» Cinq ans plus tard, il rédige un éloge du décorateur: <i>« L’essence réside dans la créativité du réalisateur et du décorateur : chaque chose est fondée sur la composition. Pour réaliser un film, le cinéaste doit prendre les fragments filmés séparément, désordonnés et dissociés et composer avec eux un seul tout, il doit juxtaposer ces moments séparés en une séquence avantageuse, intégrale et rythmique exactement comme un enfant construit un mot entier ou une phrase à partir de lettres séparées. » </i> Le cinéaste, à travers ses choix, se doit donc de « faire habiter les plans ».</p>
<p>Mais c’est peut-être encore davantage dans l’idée vertovienne que <i>« toute l’énergie, tous les moyens, toutes les connaissances des lois de l’espace et du temps applicables à l’art doivent être orientées dans le sens le plus intrinsèquement lié à la vie de notre époque. </i>» , que les deux hommes se retrouvent vivement et empiriquement. Vers la fin de sa vie, Boris Barnet reconnaissait que <i>« mon ambition a été aussi de montrer les hommes dans la vie contemporaine. Je n’ai ni pu, ni voulu, attendre aussi longtemps pour m’y risquer. Mais je me demande si je vivrai encore assez longtemps pour peindre vraiment l’homme. » </i> Dans La Maison de la rue Troubnaia, le cinéaste dénonce les dérives de nouveaux riches, à travers le personnage du coiffeur Golikov qui exploite Paracha, devenue femme de ménage, rase-poussière intime des murs et du parquet. </p>
<p>Et c’est à grands coups de ciseaux, en montant, littéralement et au sens figuré, que Barnet contre-attaque les injustices ; pas de victoire populaire sans une dose décente de rire. </p>
<p>-Claire Allouche</p>
Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-22957374091294985952014-01-28T16:47:00.000+01:002014-01-29T19:35:34.008+01:00En Construccion de Jose Luis Guerin (mardi 4 février 2014, 20h30)<center><iframe width="560" height="315" src="//www.youtube.com/embed/qmkxIw9EybI" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Des immeubles du Barrio Chino de Barcelone tombent un à un. Ses habitants sont amenés à vivre dans un "non-temps", suspendus entre un passé mythique, lequel ressurgit contre toute attente, et un futur vague et assurément terne. C'est dans cette "vie dans le creux" le réalisateur espagnol José Luis Guerin s'immisce et nous embarque. Son documentaire "qui n'en est pas tout à fait un" explore avec une minutie vivante et vivifiante les récits des habitants, leurs souvenirs et leurs espoirs, à l'heure où les murs brisés permettent une véritable mise à nu. Nicolas Thévenin, co-créateur de la revue Répliques, qui consacrait son deuxième numéro à José Luis Guerin (notamment), animera une discussion à l'issue du film.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-19-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 125 minutes.<br><b>Couleur</b>. <br><b>Pays :</b> Espagne.<br> <b>Année :</b> 2008.<br> <b>Avec :</b> Juana Rodríguez Molina, Iván Guzmán Jiménez, Juan López.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Dans un quartier populaire de la ville de Barcelone, au cours de travaux de réhabilitation, il est construit un immeuble de résidence. La caméra s'attache à comprendre et connaître au travers de cette construction immobilière les habitants de ce quartier : les jeunes qui jouent au football, un vieux marin, un commis de travaux, un couple de jeunes à la dérive. Ce film nous montre comment la mutation du paysage urbain implique une modification du paysage humain d'un quartier. </i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 4 février 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>En Construccion</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Jose Luis Guerin</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3>
<br/>
<p><h4>Quartier / Habitants = Ré (novation + miniscences)</h4></p>
<br/>
<p><b>« J’aimerais qu’il existe des lieux stables, immobiles, intangibles, intouchés et presque intouchables, immuables, enracinés ; des lieux qui seraient des références, des points de départ, des sources. »</b> </p>
<p>Georges Pérec, <i>L’espace (suite et fin)</i></p>
<br/>
<p>S’en remettre à Georges Pérec pour entrer dans <i>En construcción</i>, ce n’est pas jeter un pavé dans la mare, cela revient tout au plus à enlever une brique du quartier Chino de Barcelone où José Luis Guerin a tourné. La démarche de José Luis Guerin apparaît comme celle inverse (au sens ‘mathématique’, « 1/x », et non d’opposition) de <i>La Vie mode d’emploi</i> (1978) de Georges Pérec. En effet, si le réalisateur tâche de « construire » un espace où parole et mémoire sont solidaires, à travers un goût prononcé pour l’exhaustivité et la recherche formelle, le mariage entre hyper documentation et éclosion de fiction, le rapport au « décor » les distingue. Dans En construcción, les appartements n’apparaissent pas en coupe pour des motivations esthétiques : c’est l’état de fait, car il semble bien qu’ici, dans le barrio Chino, on détruit plus qu’on ne bâtit. C’est du moins le point de vue adopté par le montage : nous ne verrons finalement qu’un seul appartement rénové, froid et sans âme, à la fin du film, alors même que les murs qui tombent donnent leur rythme au déroulement des journées. La structure du film est animée par cette tension entre disparition et résurgence, « montage et démontage », au sens le plus littéral du terme, puisque José Luis Guerin et son équipe entamaient le processus de postproduction en parallèle du tournage, respectant ainsi le précepte bressonien : « <i>Monte ton film au fur et à mesure que tu tournes. Il se forme des noyaux (de force, de sécurité) auxquels s’accroche tout le reste. </i>»
<a name='more'></a> </p>
<p><h4>Regarde les murs tomber</h4></p>
<p>Ainsi, le titre choisi par José Luis Guerin vient désamorcer l’idée d’un film à la dramaturgie toute tracée, à la temporalité installée. <i>En construcción</i> est un film « en cours », un « work in progress ». Le réalisateur lui-même établit, au-delà de leur concordance temporelle dans le film, une analogie entre la réalisation d’un film et un chantier immobilier , dans ce qu’ils impliquent tous deux de mouvement et d’adaptation. De plus, les deux sont des œuvres de commande au long cours ; <i>En construcción</i> est né dans le cadre de l’Université Pompeu Fabra où José Luis Guerin enseigne et le projet s’est étalé sur trois ans. José Luis Guerin a vécu avec les habitants du barrio Chino et considère son film comme « le résultat de ‘vivre avec’ » . </p>
<p>D’ailleurs, concours de circonstances ou simple penchant commun pour les grands ensembles, Mercedes Alvarez, la monteuse du film, qui fut étudiante de Guerin, réalise dix ans plus tard <i>Mercado de futuros </i>(2011) (« Marché d’avenirs ») où elle explore la folie fiévreuse des agences immobilières espagnoles, leurs projets urbains démesurés comme autant de dénis du passé. Encore une fois, le titre en dit long sur l’inscription temporelle du film : le marché ne remet pas au goût du jour l’idée d’un présent « au long cours », aussi le film repose sur les images virtuelles vendues toute la journée. Dès lors, « habiter » n’apparaît plus comme un fait tangible, ancré dans le quotidien, mais comme un projet sans cesse reporté. </p>
<p>Dans <i>En construcción</i>, le suivi méticuleux, qui confère la sensation de l’écoulement « d’un temps réel », n’aboutit néanmoins pas à la création d’un film descriptif et linéaire. D’une part, l’œuvre que José Luis Guerin construit depuis 1983 avec <i>Los motivos de Berta</i> est protéiforme, réalisant successivement ou mélangeant « fiction, essai, journal, lettres, notes » . De ce point de vue, <i>En construcción</i> apparaît comme la somme de cet inventaire, au nom d’une exhaustivité de thèmes qui s’approprient chacun un style propre : nous sont donnés à voir l’intimité de quelques habitants, le travail sur le chantier, quelques vagabondages dans les alentours et les vibrations des murs. D’autre part, <i>En construcción</i> se révèle être une recherche rythmique sans cesse renouvelée. Malgré la récurrence de certains plans (l’horloge-mirador qui nous donne à penser que « ici, l’espace est tout car le temps n’anime plus la mémoire. » , le quotidien du chantier…), le montage du film de Guerin explore une ‘cinétique de l’inertie’, met images et sons au service des derniers soupçons de mouvements, qu’il s’agisse d’un simple faisceau lumineux ou d’une grue qui sort de son état stationnaire. Les « portraits de vivants » , leurs récits et leurs dialogues, viennent secouer les matières brutes des bâtiments mutiques. La séquence finale va dans ce sens : le jeune couple, que l’on connaissait jusque là affalé dans un lit, s’échappe enfin du quartier, court dans la rue, s’arrête et reprend, face à nous. </p>
<p><b>« Le film désire cette humanité et l’exalte : maçon espagnol lunatique (Santiago), ouvrier marocain marxiste (Abdel), jeune tapineuse amoureuse de son jules (Juana et Ivan), vieux mythomane qui transforme sa pauvreté en richesse (Antonio, l’ancien marin. Il s’agit ici, encore, d’affabuler le monde pour rester, contre la morbidité technocratique, du seul côté qui vaille : celui de la vie. Comme le dit, dans le film, une passante devant l’excavation d’ossements mis au jour par le chantier : « On vit sur des cadavres et on ne le sait pas. »</b> </p>
<p>Jacques Mandelbaum, « Le monde rêvé de José Luis Guerin », <i>Le Monde</i>, 10/09/2008</p>
<p> <h4>"On vit sur des cadavres et on ne le sait pas" </h4></p>
<p>Dans <i>En construcción</i>, une distinction s’opère entre « les habitants » et « les vivants », de même que José Luis Guerin joue de la profondeur de champ, des farandoles de fenêtres, ou de tout type de cadre double. </p>
<p>« Même l’habitation solitaire reste ici une habitation sociale. En effet, c’est le sol qui, chez les sédentaires, médiatise la présence sociale. » La pensée de l’anthropologue de l’habitation George-Hubert de Radkowski est illustrée au pied de la lettre dans le film de José Luis Guerin. Alors même que les travaux de rénovation se poursuivent à quelques mètres de là, des archéologues, six pieds sous terre, découvrent des ossements datant probablement d’avant Jésus Christ, véritable réveil matin de plusieurs millénaires. Sol friable, ‘déconjugaison’ des temps : les habitants du quartier s’attroupent et n’en reviennent pas d’avoir été si longtemps voisins de leurs probables ancêtres. Ils vivaient « sur », voilà que la terre s’ouvre et ils se retrouvent « avec ». Ironie du sort, c’est une prétendue « maison » qui attire tous les regards, prétendue maison qui n’est autre qu’un gros morceau de pierre taillée. « Et on finit tous dans le même trou » s’exclame l’une des passantes. Les vestiges se présentent comme la projection du futur. Rénover rimerait avec vanité ?</p>
<p>Dans son dernier long-métrage, <i>Recuerdos de una mañana </i>(2011) (“Souvenirs d’un matin”), José Luis Guerin réalise une enquête saisissante dans son propre quartier après la défenestration de son voisin violoniste. Guerin l’incarne à travers une nature morte d’objets emblématiques, vanité cette fois-ci explicitée. Spectateurs habitant entre ciel et terre, sommes-nous simples locataires ? </p>
<p>-Claire.</p>
Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-42259814332302738512014-01-23T16:48:00.000+01:002014-01-24T12:32:38.802+01:00Les Apprentis de Pierre Salvadori (mardi 28 janvier 2014, 20h30)<center><iframe src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=19414098" style="width:480px; height:270px" frameborder="0"></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Pour le premier cycle de la nouvelle année, le ciné-club propose de faire avec vous un état des lieux: "chacun cherche son toit" ou l'occasion d'explorer en trois films l'interaction entre personnages et habitation. Nous vous invitons chaleureusement à notre pendaison de crémaillère le 28/01 à 20h30 avec la projection des APPRENTIS (1995) de Pierre Salvadori, en sa présence. Le film sera suivi d'une discussion avec le réalisateur. C'est donc doublement l'occasion de découvrir les mésaventures d'Antoine (François Cluzet) et Fred (Guillaume Depardieu), colocataires malgré eux dans un appartement qui ne leur appartient pas. Pour tout bagage, ils portent les maux d'un siècle finissant, tentant tant bien que mal de composer avec les petits désagréments de l'existence. LES APPRENTIS est une comédie qui explore la tendresse là où tout ne pourrait être qu'amertume et s'inscrit ainsi, avec une grande sensibilité, dans la lignée des aventures d'Antoine Doinel ! de François Truffaut.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-18-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 95 minutes.<br><b>Couleur</b>. <br><b>Pays :</b> France.<br> <b>Année :</b> 1995.<br> <b>Avec :</b> François Cluzet, Guillaume Depardieu, Judith Henry.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Antoine est un écrivain raté et dépressif. Fred ne fait pas grand-chose de sa vie et semble s'en contenter. Tous deux partagent un appartement et vivent de petites combines foireuses. Les aventures et surtout mésaventures de ces deux copains un brin loosers, leur permettront de s'apercevoir que l'amitié est bien la plus grande des richesses.</i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 28 janvier 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>Les Apprentis</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Pierre Salvadori</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3>
</br></br>
<p>
<center><b>Premier film du cycle « Chacun cherche son toit » :
<br />L’appartement qui ne leur appartenait pas</b></p>
<p><b>«<i> Habiter un lieu, est-ce se l’approprier ? Qu’est-ce que s’approprier un lieu ? À partir de quand un lieu devient-il vraiment le vôtre ? Est-ce quand on a mis à tremper ses trois paires de chaussettes dans une bassine de matière plastique rose ? Est-ce quand on s’est fait réchauffer des spaghetti au-dessus d’un camping gaz ? Est-ce quand on a utilisé tous les cintres dépareillés de l’armoire-penderie ? </i>»</b></br>Georges Pérec, <i>Espèces d’espaces</i> </p>
</br><b>«<i> Heureuse est la maison qui abrite un ami. Il se peut même qu’on la construise, telle une charmille en fête ou une arche joyeuse, pour ne l’accueillir que durant une seule journée. Plus heureux encore est celui qui, sachant la solennité de cette relation, en honore la loi. </i>»</b></br>Ralph Waldo Emerson
</center>
<p>Tout commence par une porte qui ne s’ouvre pas. Antoine (François Cluzet), petit brun sec, index enfoncé sur la sonnette, refuse obstinément cette barrière inerte entre lui et Valérie, la femme qui l’a quitté. Changement de palier, changement de porte, deux ouvertures légèrement décalées : Fred (Guillaume Depardieu), grand dadais blond, silhouette inconnue pour Antoine, joue le majordome de circonstance, puis, une pièce plus loin, un temps plus tard, Benoît, propriétaire endimanché et américanisé, accepte d’offrir l’asile à son ami Antoine, pour « une nuit ou deux », avant de reprendre l’avion. « <i>T’as qu’à prendre la chambre du fond.</i> » Fondus en porte à porte, la voix d’Antoine en off inonde ce petit coin de bois vert ; trois ans se sont écoulés et l’on passe enfin de l’autre côté. « <i>La porte démontre de façon décisive que séparer et relier sont les deux aspects d’un même acte. </i>» écrivait Georg Simmel un siècle plus tôt. La porte nous sépare d’un écoulement tangible du temps mais relie derrière elle deux êtres qui seront bientôt des inséparables, autant dire, de drôles d’oiseaux.</p>
<p>La séquence d’ouverture des <i>Apprentis</i> nous donne le plan du film : à une relation humaine déçue répond une solidarité inattendue, le besoin de se retrouver soi-même se corrèle à l’affranchissement du « chez soi », les petites tragédies de l’existence se donnent à palper sur le ton de l’humour. D’emblée, <i>Les Apprentis</i> s’annonce comme « <i>un film ami qui capte le large spectre du dérisoire humain, du rire aux larmes et retour. </i>» Que la visite commence ! <a name='more'></a>
<p><h4>La Providence, agence de colocation </h4></p>
<p>Antoine et Fred, qui pourraient être les enfants naturels de leurs homonymes Doinel et Moreau, n’avaient a priori aucune raison de se fréquenter, encore moins de vivre ensemble, alors, difficile d’envisager une amitié. Le partage d’un même toit et des mêmes plats de pâtes pendant trois ans fait tomber les murs de la pudeur. «<i> Combien de temps ça dure la familiarité, l'intimité avec quelqu'un qu'on ne voit plus?</i> » dit Antoine au sujet de Valérie. La question se pose à l’inverse : à partir de quand ça commence la familiarité, l’intimité, avec quelqu’un que l’on voit tous les jours sans l’avoir vraiment choisi ? Le « chez soi » ne pouvant prétendre, pour eux, à être synonyme de propriété personnelle, il se mue en espace relationnel. Comme le rappelle Jean-Paul Flamand , l’appartement est littéralement ce qui est ‘à part’, composante fragmentaire de l’immeuble et unité coupé des autres. Aussi, les jeux de porte, qui donnent au film un rythme effréné, que le montage soutien en faisant presque « claquer » l’enchaînement des plans, donne à humaniser cet espace, à le transformer en bulle mi-poisseuse mi-chaleureuse. </p>
<p><center><b>« Bon j'ai l'impression qu'il reste encore quelques affaires appartenant aux anciens locataires mais je vous propose de visiter malgré tout afin que vous ayez un aperçu des lieux. Donc nous avons une entrée avec fenêtre sur cour, un vaste salon qui donne sur une première chambre à laquelle on accède également par le couloir. Nous revoilà dans l'entrée qui donne également sur une deuxième chambre sur cour, plus vaste; 25 m2, lumineuse. »</p>[Discours de l’agente immobilière]</b>
</center>
<p>Pour « ne pas vivre seul », -comme dit la chanson -, Antoine et Fred envisagent le déménagement sans changement de configuration ; ils essaient de vivre encore un peu ensemble. Vivre à deux, c’est doubler le dénominateur d’une existence trop solitaire qui couperait définitivement des mouvements du monde mais c’est aussi doubler le potentiel d’incertitudes. Néanmoins, l’apprentissage commun de Fred et Antoine bascule de manière irréversible lorsqu’il y a changement de serrure, au moment où l’amitié n’a plus de lieu pour s’éprouver au quotidien. Une fois l’appartement quitté, Fred et Antoine font l’expérience d’un douloureux retour au monde. La précarité, qui avait au moins le mérite d’être définitive, perd de sa petite splendeur éternelle. Leur amitié les avait prémunis de quelques aléas de la vie en société : et voilà que leurs trajectoires avortées les écraseraient presque. C’est sur cette ligne que la première visite d’appartement est mise en scène : Fred découvre avec stupeur que les appartements parisiens bon marché sont dédiés aux « <i>pauvres qui ont de grosses économies</i> », Antoine qui ne rêve que « <i>d’un trois pièces avec Valérie</i> » se rêve alors dramaturge à succès. C’est alors que les nerfs d’Antoine lâchent, ce qui l’amène à faire un passage en maison de repos plutôt que dans un nouveau studio. Pour Fred, c’est le retour en arrière, le domicile parental, « <i>repeindre le débarras, laver la R5, ranger la remise</i> ». </p>
<p>À la sortie du film, Laurent Roth posait cette question : « <i>Ainsi, le mouvement du film est-il donné par cette instabilité immobilière qui est assurément le trait le plus juste de la galère moderne : comment faire des projets de vie quand le cadre lui-même n’est pas donné ? </i>» </p>
<p><h4>Se construire de toutes pièces</h4></p>
<p>« <i>Agnès, t’as un minitel ? </i>». Au-delà du charme irrésistible de ce type de répliques caduques, <i>Les Apprentis</i> apparaît comme un film générationnel qui exacerbe les angoisses existentielles de la fin du siècle dernier, comme «<i> une chronique de la petite galère moderne</i> » . La pente est douce amère, comme une descente d’escaliers en skis improvisée, de nuit. Les déambulations de deux chics types paumés, naufragés du petit matin, amis partageant un même lit, étaient déjà symptomatiques des années 80, notamment dans <i>Extérieur Nuit</i> (1980) de Jacques Bral, testament mouvant de son temps. Les années 90 semblent être animées par une volonté plus affirmée de sonder la mélancolie à travers le fait de vivre en société, la difficulté à prendre part à la « communauté des hommes », à l’heure où le mot « homme » résonne si faiblement dans le tohu-bohu de la capitale. « <i>C’est bien le même matériau humain qui turlupine Pierre Salvadori et travaille ses deux films : la coalition des solitudes contre l’âpreté des jours, le pari désespéré sur l’humour, l’amour et l’amitié comme seules issues possibles à la tragédie existentielle.</i> » </p>
<p>Plutôt que de nous donner à voir une série de visites sans lendemain, Pierre Salvadori fait des <i>Apprentis</i> un lieu de l’amitié immuable. Une séquence est particulièrement signifiante. Antoine rend visite à Sylvie, une ex copine qui se prépare à emménager chez son nouveau copain, lequel devrait arriver d’un moment à l’autre dans l’appartement. Cependant, face à l’idée de devoir sacrifier du temps pur d’amitié pour une heure de plus en compagnie de son concubin ‘à venir’, Sylvie se liquéfie, et les deux amis se réfugient dans un carton vide lorsque ledit compagnon débarque. « <i>On se croirait dans l’une de tes pièces !</i> » lance Sylvie à Antoine. Il s’agit d’une allusion aux œuvres théâtrales qu’Antoine gribouille sans réelle conviction, sans que l’on sache s’il en vient à bout. Mais, prise au pied de la lettre, cette réplique accorde enfin un « espace » à Antoine, un carton sans fioriture dans lequel on peut entrer à deux, pour peu qu’on le veuille. Après avoir habité des lieux qui ne lui appartenaient pas, Antoine se voit accordé le titre de « logeur tout terrain ». Ce bout de carton, c’est autant le symbole d’une précarité <i>ad eternam</i>, une précarité comme seul élément de fixité, que sa finale libération mentale, lui dont la mise à nu a été synonyme de fragilisation à outrance. Après une phase de dépression, Antoine trouve ainsi un soupçon de résolution dans la dialectique « habiter et vivre ». <i>Les Apprentis</i> s’achève en extérieur, sur un banc public sans amoureux qui se bécotent ; la résurgence de l’amitié confère un dernier éclat lumineux. </p>
<p>Deux films français contemporains des <i>Apprentis</i> abordent également la conjonction d’une neurasthénie générale à des questions profondément sociales. En 1995 sort également <i>L’Âge des possibles</i> de Pascale Ferran, film choral « hyper générationnel » où onze personnages d’une moyenne d’âge de vingt-cinq ans composent avec la vie à un moment où l’horizon des possibles de l’existence tend à ressembler à un encéphalogramme plat. La caméra nous fait butiner d’appartement en appartement, comme autant de bulles d’existence sur le point d’éclater. «<i> Aujourd’hui, tout le monde a peur. De pas trouver de travail. De perdre son travail. De mettre des enfants au monde dans un monde qui a peur. De ne pas avoir d’enfants à temps. Peur de s’engager. D’attraper une maladie. De passer à côté de la vie. D’aimer trop. Ou trop peu. Ou mal. Ou pas du tout. </i>» nous dit-on en prélude. En 1998, Jean-Claude Guiguet réalise <i>Les Passagers</i>. Le film ne tient qu’à une ligne… de tram, microcosme où se frôlent les trajectoires de vie des passagers. Nous mettons du temps à franchir le seuil du premier appartement, le film s’attachant à creuser l’exacerbation de questions existentielles dans la sphère sociale. La séquence finale, magistrale, est tournée dans un « non lieu », une pièce noire, où les personnages tutoient tour à tour le spectateur pour lui demander « où est passé l’homme », et s’il existera encore demain. « <i>Votre bonheur est ailleurs </i>» dit l’agente immobilière des <i>Apprentis</i>, sur un ton de compassion. Dans ces trois films, les personnages sont confrontés à la difficulté de se sentir « hommes » dans une ère où le « chez soi » spirituel apparaît comme superfétatoire, où l’authenticité des relations humaines est altérée par un perpétuel désir de rentabilité, où les élans d’accomplissement se retrouvent enfermés entre quatre murs. Et vivre « pour soi avec les autres », c’est se retrouver « à part », avec ou sans appartement. Trois films, qui, en adoptant chacun une structure narrative et un ton propres, nous amènent à repenser notre « passage ici-bas », volets clos ou fenêtres grandes ouvertes. </p>
<p>Dans <i>L’Amitié</i>, Ralph Waldo Emerson écrit que «<i> nous avons bien plus de tendresse qu’on ne le dit </i>». Et c’est cette tendresse-là que Pierre Salvadori entretient à travers ses personnages qui vaut aux <i>Apprentis</i> son incorruptible authenticité, cette magie résolument juste dans la mise en scène des relations humaines. Une fois qu’Antoine quitte la maison de repos, une scène éclair apporte à nouveau un peu de lumière : il s’endort sur l’épaule d’une inconnue, dans le métro. Dans le cadre d’un projet artistique, « <i>I felt like I know you </i>», la new-yorkaise George Ferrandi a expérimenté la chose en feignant à répétition ce simple geste d’abandon. Elle explique qu’elle voulait briser l’espace social et rétablir un soupçon de contact humain, dans des lieux qui n’ont plus rien de « commun » . Comme si vivre en société revenait, finalement, à jouir du statut de « colocataire permanent du commun des mortels ». Après avoir vu <i>Les Apprentis</i>, un film qui vous habite pour longtemps, à nous de faire sauter les verrous !</p>
<p>-Claire Allouche.</p>
Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-90814310500874929002014-01-14T22:50:00.001+01:002014-01-24T11:10:20.125+01:00Chronique d'un été de Jean Rouch, Edgar Morin (mardi 21 janvier 2014, 20h30)<center><iframe width="420" height="315" src="//www.youtube.com/embed/dhmAVJ4_x0Y?rel=0" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Êtes-vous heureux ? <br>Si cette question trouvera pour vous sa réponse après la séance du Ciné-Club, c'est bien parce que vous aurez entendu Jean Rouch et Edgar Morin la poser dans <i>Chronique d'un été</i>. <br>Au fil de l'été 1960, le cinéaste-anthropologue et le sociologue arpentent Paris et, au gré des rencontres, cherchent à capter l'essence de l' "air du temps". Film incontournable du cinéma-vérité, d'une influence notable sur les jeunes Turcs de la Nouvelle Vague, il est encore éclatant d'actualité… Et résonne finalement une question et une seule : qu'est-ce qu'être humain ? <br>Céline Gailleurd et Olivier Bohler, réalisateurs du documentaire <i>Edgar Morin, l'image absorbe le monde</i> (en tournage, Nocturne Productions) seront présents pour une discussion à partir de projection d'extraits à l'issue de la séance. </p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-16-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 90 minutes.<br><b>Noir & Blanc</b>. <br><b>Pays :</b> France.<br> <b>Année :</b> 1961.<br> <b>Avec :</b> Régis Debray, Marceline Loridan-Ivens, Marilu Parolini.</p> <p>Rapide synopsis : <i><i>Paris, été 1960, Edgar Morin et Jean Rouch interviewent des parisiens sur la façon dont ils se débrouillent avec la vie. Première question : êtes-vous heureux ? Les thèmes abordés sont variés : l'amour, le travail, les loisirs, la culture, le racisme etc. Le film est également un questionnement sur le cinéma documentaire : cinéma-vérité et cinéma-mensonge. Quel personnage jouons-nous devant une caméra et dans la vie ?</i></i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 21 janvier 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>Chronique d un été</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Jean Rouch, Edgar Morin</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3>
</br>
<center><b><i>« Si toute la vie complexe de bien des gens s’écoule inconsciemment,
c’est comme si cette vie n’avait pas lieu. »</i></b> </br>CHKLOVSKI Victor, <i>L’Art comme procédé</i>, Éd. Allia, Paris, 2008.</center>
</br>
<h4>L'été, d'où vient -il ?</h4>
<p>Paris, 1960. Premier été d’une décennie nouvelle. Deux jeunes hommes, -« jeunes » si l’on considère que l’âge se lit dans l’éclat du regard-, partagent leur saison entre un vaste appartement peuplé de bouteilles vides et les rues grouillantes de passants pressés. Ils s’appellent Edgar Morin et Jean Rouch. Alors même qu’ils fréquentent tous deux le CNRS, ils se sont rencontrés au Jury du Festival de Film Ethnographique et Sociologique de Florence un an plus tôt. En 1960, le sociologue Edgar Morin a trente-neuf ans et déjà plusieurs ouvrages à son actif, parmi lesquels <i>Le Cinéma ou l’Homme imaginaire</i> (1956, Éd. de Minuit) et <i>Les Stars</i> (1957, Éd. Le Seuil). Jean Rouch, quarante-trois ans au compteur, a déjà réalisé une quinzaine de courts-métrages en Afrique, dont le plus marquant est sans doute <i>Les Maîtres Fous</i> (1955). La pratique de la transe fait vaciller l’objectif de la caméra et la dernière occurrence de la voix-off questionne autant le statut d’Européen que la place du spectateur . L’expérimentation d’une forme cinématographique en adéquation totale avec les mouvements des hommes qu’il filme est au cœur de ses deux premiers longs-métrages : <i>Moi, un noir</i> (1957), où de jeunes Nigériens s’expriment spontanément en off sur le montage image de leurs pérégrinations dans Treishville, et <i>La Pyramide humaine</i> (1960), où les élèves d’un lycée d’Abidjan (dont Landry et Nadine, que l’on retrouve dans <i>Chronique d’un été</i>) jouent des rôles proches de leur réalité, pour questionner, dans un élan d’authenticité, l’amitié possible entre Français et Africains. <a name='more'></a> Le cinéma de Jean Rouch annonce un nouvel horizon des possibles cinématographique qui ne manquera pas d’inspirer les Jeunes Turcs de la Nouvelle Vague. Dans <i>Les Cahiers du cinéma</i> en 1961, Michel Delahaye fait part de son admiration sur plus de dix pages et conclut ainsi son texte : «<i> Un cinéma est né, où vie et film se renvoient leur image, du même au même et du même à l’autre. Rouch n’a eu l’ambition ni de refléter, ni de recréer le réel ; simplement, il a su l’accepter dans sa complexité, accepter le reflet du film sur le film et la réintégration de ce reflet composite dans le film.</i> » Voilà qui pourrait faire office de synopsis de <i>Chronique d’un été</i>. </p>
<p><h4>Comment vis-tu : toi, ici, maintenant ?</h4></p>
<p>Paris, 1960, disions-nous. Les juke-boxes rutilants, les cafés fumants, … Autant d’images éculées que l’on pourrait s’attendre à retrouver dans un film où il est question de capter l’air du temps. Mais ce ne sont ni les manifestations de la jeunesse, ni les instants vainement éparpillés qui intéressent Jean Rouch et Edgar Morin. Leur curiosité intellectuelle et humaine les mènent vers un « <i>cinéma qui permet d’entendre la parole </i>», quitte à ce que celle-ci fissure l’image de prospérité des Trente Glorieuses. </p>
<p>Cette parole est l’affaire de trois temps qui ne cessent de s’entremêler. <b>Premier temps</b> : le recueil de la parole d’inconnus, par le biais de micros-trottoirs, menés consciencieusement par Nadine et Marceline. Pour susciter une réaction personnelle et existentielle, Edgar Morin, qui s’intéressait aux conditions de vie matérielles et morales des parisiens, avait initialement envisagé la récurrence d’un : « <i>Comment tu débrouilles avec la vie ?</i> », lequel s’est mué en le légendaire « <i>Êtes-vous/Es-tu heureux ?</i> ». <b>Deuxième temps</b> : le suivi pas à pas, en un été temps réduit, de quelques trajectoires de vie, notamment celles d’Angelo, tourneur chez Renault, Marilou, secrétaire (… aux <i>Cahiers du cinéma</i> !), Landry, Ivoirien, bachelier depuis peu, Jean-Pierre et Régis (Debray !), étudiants en philosophie… ainsi que Nadine et Marceline, qui voient ainsi les points d’interrogation changer de direction. <b>Troisième temps</b> : la parole analysée, laquelle engendre un moment de repli, suspend le film en cours pour mieux en assurer l’avancée.</p>
<p>Ce troisième temps est l’affaire des première et dernière séquences où Edgar Morin et Jean Rouch s’expriment sur leurs aspirations et déceptions, mais aussi d’un repas bien arrosé où la question de l’Algérie surgit sans crier gare, et surtout, de la séance de projection d’images du film auxquelles réagissent les différents « protagonistes ». Cette séquence est cruciale pour deux raisons au moins. D’une part, cette séquence exploite l’un des fondements méthodologiques de l’anthropologie visuelle, à savoir faire réagir le sujet à sa propre image, dans son environnement propre. Cela n’est pas anodin, puisqu’il s’agit du premier long-métrage tourné par Jean Rouch « hors Afrique » ; l’art du cinématographe n’a pas plus de mystères à Treishville qu’à Paris… Et l’expérience du « moi » est dépendante de l’expérience de « l’autre », qu’il soit d’un autre continent… ou d’un autre écran. D’autre part, il s’agit d’une « méta-séquence », puisque les personnages que nous connaissions jusque là à travers le filtre de la captation de leur quotidien et de leur parole, mettent cette familiarité entre parenthèses, le temps d’en parler. Dans <i>Le Cinéma ou l’homme imaginaire</i>, Edgar Morin abordait déjà le cinéma comme lieu privilégié et intrinsèque à l’expérience du double, l’amenant à parler de « l’alter ego et de l’ego alter » . Autant dire qu’il s’agit d’un point de rencontre et de tension entre le film regardé et le film regardant ; pour reprendre la formule aphoristique de Serge Daney, force est d’admettre qu’à ce moment précis, <i>Chronique d’un été</i> est « <i>un film qui nous regarde</i> » . Cette idée peut même nous amener à ajouter un exposant à la dimension réflexive de la séquence, puisque nous, humbles spectateurs, regardons les personnages se regarder et être regardés. « <i>Tutoyer le spectateur</i> » , telle était l’ambition explicitée par Edgar Morin ; nous qui croyions suivre Angelo à son insu depuis une heure, voilà qu’il nous regarde droit dans les yeux, conscient de son image qu’il vient de voir projetée. Cette séquence jette résolument le trouble sur la concordance des temps : les « personnages » ont-ils vu la même chose que nous, à savoir le montage de la première heure du film montée ? Ou ont-ils assisté à une projection de rushes, dont nous n’aurons pas connaissance ? Dès lors, que vaut leur parole, surtout, que dit-elle ? Alors que, jusque là, le film semblait être constitué d’un amoncellement d’instants consciencieusement captés et montés, cette séquence apparaît comme une mise à distance avec l’apparente évidence du défilement des images. </p>
<p><h4>Renouveau formel, impact générationnel</h4></p>
<p>La condition ouvrière, la société de classes, la guerre d’Algérie, la décolonisation de l’Afrique subsaharienne, l’absence de liberté dans la vie professionnelle, … autant de thèmes abordés dans <i>Chronique d’un été</i> qui auraient bien valu qu’Edgar Morin sous-titre le film <i>L’Esprit du temps</i>. Le co-réalisateur reconnaît que la réussite du film, « <i>c’est son historicité </i>» . Historicité d’autant plus manifeste qu’elle ne passe pas par une voix-off ajoutée en postproduction, mais par l’éloge perpétuel de l’événement « en cours ». Regard à l’affût, Jean Rouch initie une nouvelle matérialisation de caméra-stylo, laquelle avait été théorisée par Alexandre Astruc quinze ans plus tôt : « <i>Je prends des notes et mon carnet de notes s’appelle une caméra. Au cours d’un été crucial (en politique nationale et internationale) ma caméra a noté la vie, les réactions, la recherche du bonheur de quelques parisiens.</i> » Aussi, le mouvement impliqué par la démarche formelle de <i>Chronique d’un été</i> est indissociable d’une émancipation technique. En effet, si certains films du cinéma-direct et de la Nouvelle Vague ont permis un allègement des caméras et la possibilité de tourner en extérieur plus facilement, ils n’ont pas assuré la synchronisation de l’image et du son pour autant. Michel Brault, pionnier du cinéma-direct canadien et opérateur sur <i>Chronique d’un été</i> inaugure pour l’occasion un prototype de caméra 16 mm ultra-légère (la Coutant-Mathot) avec prise de son synchrone, le Nagra ; Jean Rouch dira de lui qu’il a « <i>inventé la caméra qui marche</i> » . De ce parti pris de tournage découle une esthétique « <i>comme la vie même</i> » , pour reprendre les termes de Jean Rouch, considéré par Morin comme un « <i>scaphandrier qui plonge dans un milieu réel (…) qui accepte la maladresse, l’absence de relief du son, l’imperfection de l’image. En acceptant de perdre une esthétique formelle, il découvre des terres vierges, une vie qui possède en elle-même ses secrets esthétiques. </i>» </p>
<p>« <i>Ce qu’il faut interroger précisément, c’est ce phénomène étonnant où l’illusion de réalité est inséparable de la conscience qu’elle est réellement une illusion, sans pour autant que cette conscience tue le sentiment de réalité.</i> » Le parti pris esthétique repose ainsi sur l’aventure qui consiste à descendre dans la rue (le dernier photogramme est d’ailleurs un trottoir mouillé…) et se prolonge dans les choix de montage. Nous pouvons effectivement noter une volonté de ne pas lisser les faits et d’adopter rythme et style propres à chaque personnage, chaque situation, qui, à l’échelle de la totalité du film, nous font frôler la discordance et l’arythmie, une forme d’impureté structurelle qui fait corps avec les méandres de l’existence. Certes, <i>Chronique d’un été</i> est un film qui laisse la parole se déployer : mais l’ambition est avant tout de nous immerger dans une parcelle de flux quotidien. En atteste la séquence en usine, où chaque plan est coupé avant que le geste ne se répète, sans un mot. <i>Chronique d’un été</i> est un éloge de l’ellipse, un film qui en contient une infinité : parce que les dix-sept heures de rushes (même si seules six étaient véritablement viables selon Edgar Morin) offraient une quantité phénoménale de combinaisons mais aussi parce que chaque moment filmé suscite l’attrait du hors champ. Il s’agit d’une véritable archéologie du présent sans que le curseur qui sépare le tournage du montage soit rendu visible. </p>
<p>Par ailleurs, il est important de noter que, si les Jeunes Turcs de la Nouvelle Vague font de la <i>Politique des auteurs</i> la condition <i>sine qua non</i> d’appréciation des films, Jean Rouch et Edgar Morin se présentent davantage en tant qu’expérimentateurs soucieux d’inclure les propositions de leur entourage au processus créatif qu’en tant que metteurs en scène forts de leur personnalité (idée qu’il faut toutefois nuancer à la lumière du colossal travail de montage impliqué par les dix-sept heures de rushes accumulées). Ainsi, Jean Rouch ne manque pas de déléguer son statut d’anthropologue au jeune Landry, promu ethnologue officiel de la Croisette l’espace de quelques plans. Sur proposition de Rouch et Morin, Marceline met elle-même en scène la lettre à son père , passage d’autant plus fort qu’il n’est pas tout à fait synchrone, et que la caméra effectue pour dernier mouvement un travelling anti-Kapo , opérant un hiatus poignant entre une parole de plus en plus intime et une silhouette qui rétrécit, entre cheminement de la pensée intérieure et avancée dans des lieux communs. </p>
<p><h4>Humain, jamais trop humain</h4></p>
<center><p align="right"><b>CHŒUR : « Homme ! il est d’autres hommes</br>
Échange avec l’homme</br>
La parole amicale</br>
Et le cri de combat. »</b></br>
DESNOS Robert, « Cantate pour l’inauguration du musée de l’Homme », in <i>Fortunes</i>.</p>
« <i><b>Un homme, aujourd’hui, qu’est-ce qu’un homme ? </b></i>»
</br>Un invité à la table de Rouch et Morin</center></br>
<p>C’est dans une allée déserte du Musée de l’Homme, traversée par la lumière de fin d’été, que Jean Rouch et Edgar Morin « font le point final » de leur <i>Chronique</i>.
</br></br>
- JEAN ROUCH : Nous avons voulu faire un film d’amour… Et c’est finalement un film de réactions, pas forcément sympathiques.
</br>
- EDGAR MORIN : Oui, c’est la difficulté de communiquer quelque chose…
<p>La difficulté, oui, de donner à voir en une heure et demie toutes les nuances de l’appartenance à la « communauté des hommes »… Face à la déception des deux meneurs de jeu, on peut considérer <i>Chronique</i> comme un film à refaire, perpétuellement, d’un été l’autre. On peut le considérer comme un objet qui déborde de son cadre, l’excroissance prometteuse d’un art jeune de cent dix-huit ans qui n’en finira pas de s’accorder au présent, des deux côtés de l’écran. «<i> Le cinéma ne peut-il être un des moyens de briser cette membrane qui nous isole chacun les uns des autres dans le métro ou dans la rue, dans l’escalier de l’immeuble ? </i>» </p>
L’art pourrait donc résolument être ce qui rend la vie plus intéressante que l’art. Heureux ?
</br></br>-Claire Allouche.
Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-77576329399583053352014-01-07T22:54:00.001+01:002014-01-16T15:47:38.162+01:00L'Amour est plus froid que la mort de Rainer Werner Fassbinder (mardi 14 janvier 2014, 20h30)<center><iframe src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=19354954" style="width:480px; height:270px" frameborder="0"></iframe> <br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>À (re)voir : le premier long-métrage de Rainer Werner Fassbinder ! Ce film
de gangsters tout à fait atypique contient déjà tous les sujets du grand réalisateur allemand : l’amour, la douleur et les enjeux du pouvoir. Résultat : un mélange étonnant de genres, flottant entre film de gangsters,théâtralité et nouvelle vague à l'allemande.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-17-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 88 minutes.<br><b>Noir & Blanc</b>. <br><b>Pays :</b> Allemagne.<br> <b>Année :</b> 1969.<br> <b>Avec :</b> Rainer Werner Fassbinder, Hanna Schygulla, Ulli Lommel.</p> <p>Rapide synopsis : <i><i>Franz, qui a refusé de rejoindre un groupe criminel, est poursuivi par un gangster répondant au nom de Bruno. Bientôt, les deux hommes deviennent amis et se partagent la même femme, Johanna. Mais celle-ci se lasse rapidement de Bruno et le dénonce à la police alors qu'il s'apprête à braquer une banque.</i></i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 14 janvier 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>L'Amour est plus froid que la mort</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Rainer Werner Fassbinder</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3>
<p><h4>Une histoire de gangsters à la recherche d’un peu de bonheur</h4></p>
<p>Le <i>plot</i> du premier long-métrage de Rainer Werner Fassbinder peut faire penser à un film banal de gangsters. Franz, joué par Fassbinder lui-même, arrive de la prison chez sa petite amie Joanna – premier grand rôle de cinéma de Hannah Schygulla – qui travaille comme prostituée et dont il est le maquereau. Dans la ville où les deux vivent, opère le « Syndicat » : une sorte de mafia avec une puissance remarquable qui veut forcer Franz à adhérer à leurs rangs. Comme celui-ci ne se laisse pas convaincre, les chefs du « Syndicat » décident d’envoyer le killer Bruno comme appât. Bruno, joué par un Ulli Lommel prenant des airs alain-deloniens, a la mission de commettre des crimes qu’on imputera ensuite à Franz – et qui, face à la police, devra chercher du soutien auprès du « Syndicat ». Mais avec l’arrivée de Bruno dans la vie de Franz et Joanna se forme un ménage à trois problématique : Franz se sent attiré par le fragile Bruno ; Joanna, par contre, supporte mal la présence de Bruno qui lui semble déranger le couple qu’elle forme avec Franz. Néanmoins, les trois « travaillent » ensemble, – jusqu’à élaborer le plan de braquer une banque…</p><a name='more'></a>
<p>Mais Fassbinder détourne et distord, surtout par la mise en scène, les clichés qu’il trouvait dans les films classiques d’action avec gangsters ou dans les westerns. En ce sens, le film est un produit éclectique. Le spectateur s’aperçoit aussi très vite du fait que <i>L’amour est plus froid que la mort</i> ne s’intéresse pas trop à <i>l’action</i> au sens classique des films du genre. La violence, bien qu’elle soit très présente, ne joue pas, en tout cas, un rôle trop important. Ce qui compte, par contre, sont les caractères des personnages : leurs sentiments, leurs relations, leurs expressions verbales ou petits gestes qui démontrent leur être intime. Fassbinder raconte une histoire de gangsters à la recherche d’un peu de bonheur : qu’ils y prennent des poses petit-bourgeoises est juste un de nombreux paradoxes qu’on trouve exprimés dans ce film. </p>
<p><b>« Celui qui a vraiment besoin de faire des films, il les fera malgré tout, n’importe comment – mais il les tournera. Moi, j’ai aussi commencé comme ça, je veux dire quant à <i>L’amour est plus froid que la mort</i> : avec rien. »</b> interview avec Fassbinder</p>
<p>En 1969, Fassbinder a 24 ans. Il a déjà produit trois courts-métrages, il travaille comme comédien et metteur en scène au théâtre, en vivant par de petits boulots, et il a collaboré entre autres à de projets de Jean-Marie Straub, à l’époque installé à Munich. Un jeune homme obsédé par le cinéma et le théâtre, hanté par une idée : tourner un film – un vrai film ! Mais on ne peut pas dire qu’il a déjà eu des véritables succès publics, et ses moyens financiers sont très restreints. En somme, un artiste-bohème peu connu de la scène munichoise de la fin des années 60. La capitale bavaroise, il ne faut pas oublier cela, est à l’époque un grand centre de la production cinématographique allemande. Fassbinder va très souvent au cinéma, regardant une multiplicité de films divers. Il racontera plus tard qu’il était allé voir <i>Le Cuncho</i>, un western-« spaghetti » typique du genre, ensemble avec Ulli Lommel. En sortant ils auraient discuté et décidé qu’il fallait absolument faire un film, pour de vrai, sans trop attendre. Et ce film-projet s’appellera : <i>L’amour est plus froid que la mort</i>.
<p>Cela n’a pas été facile, mais à la fin, Fassbinder y est arrivé : il a trouvé, en cherchant par-ci par-là, entre autre en demandant à sa mère, assez d’argent pour commencer à tourner le film dont il rêve depuis longtemps. Ce n’est pas l’abondance, puisque le budget ne dépasse pas les 100.000 Mark. Un critique de cinéma constatera à la suite qu’un tel budget aurait été utilisé dans toute autre production sous la rubrique « pourboires et autres frais ». <i>L’amour est plus froid que la mort</i> sera tourné en 24 jours seulement à Munich sur des lieux originaux. Fassbinder et son équipe manquent de tout : de temps, de moyens financiers et techniques, et en plus ils constatent qu’il ne possèdent pas encore le savoir-faire souverain. Fassbinder, par exemple, se met à apprendre le montage lui-même parce qu’il ne peut pas payer un monteur professionnel pour l’aider. Mais ils se débrouillent, parfois bien, parfois pis, et l’œuvre finie sera enfin admise à être projetée à l’occasion de la Berlinale de 1969.
<p><h4>Un film très beau et très simple ?</h4></p>
<p>Beaucoup a été dit sur les influences de Fassbinder en général et sur celles de L’amour est plus froid que la mort en particulier. Le personnage de Bruno semble être un hommage, sinon copie, au rôle d’Alain Delon dans <i>Le samouraï</i> de Melville. C’est vrai que le cinéma français représentait une influence importante du jeune Fassbinder. La dédicace du film contient ainsi les noms de Rohmer, Chabrol, Straub – et « Lino et Cuncho ». Fassbinder adorait le cinéma de la nouvelle vague française, en particulier celui de Rohmer et Chabrol : <i>Le signe du lion</i> représentait par exemple pour lui un film-clé. Fassbinder connaissait très bien le travail artistique de Straub, et celui-ci avait laissé à Fassbinder une séquence cinématographique qu’on retrouve dans <i>L’amour est plus froid que la mort</i> : c’est la longue séquence nocturne sur la Landsberger Straße, lieu connu de prostitution à Munich. Lino et Cuncho ne sont pas des personnalités réelles mais les personnages principaux du western-« spaghetti » <i>El Cuncho</i> mentionné plus haut (où ils s’appellent correctement, dans la version allemande, Niño et Chuncho). </p>
<p>Le cinéma intellectualisé et critique d’un Chabrol coexiste donc dans l’imaginaire de Fassbinder avec les héros simples et sur-virils du western. On pourrait penser à la couverture du <i>Sgt. Pepper</i> des Beatles : mélange de <i>pop culture</i> avec une culture fortement intellectualisée. Car <i>L’amour est plus froid que la mort</i> est censé raconter beaucoup plus qu'une simple histoire de gangsters, bien qu’il se serve de certains poncifs des genres de la culture de masse. Le film est au fond une critique des sentiments humains, comme Fassbinder expliquait dans un interview peu après la première du film en 1969 :
« Sans l’amour, il n’y aurait pas de violence. La violence naît par l’abus d’amour ; c’est l’amour qui veut avoir toujours de droits de propriété ; un amour donc qui est plus froid que la mort. […] Mon film est un film contre les sentiments. Car je crois qu’on peut abuser tous les sentiments et que, en effet, ils sont vraiment abusés. »</p>
<p>A partir de ce raisonnement, Fassbinder poursuit une recherche stylistique très particulière. Le but est évidemment d’éviter une identification avec les personnages et d’inciter le spectateur à la réflexion. Franz, Joanna, Bruno : ils sont tous très compliqués comme personnages, très paradoxes – et surtout profondément tristes. Franz et Joanna aiment l’ordre et la propriété. Franz ne s’assoit qu’après avoir mis un petit drap sur la place où il se mettra. Joanna, quand elle est à la maison, fait figure d’une bonne femme de ménage, en s’occupant de la cuisine et du bien-être de son bon Franz à qui elle tient fermement. On dirait un couple petit-bourgeois, s’ils ne vivaient pas de prostitution et diverses délinquances. Et puis Bruno : un killer ambitieux, mais fragile et sensible, sinon sentimental. En plus, les acteurs jouent d’une manière qui fait penser à des représentations théâtrales, notamment du théâtre brechtien, ce qui leur donne un certain air de maniérisme et rigidité. Drôles de gangsters. On y cherchera longtemps des signes de héroïsme, de grandeur ou de « vraie » passion.</p>
<p><h4>L’inerte, le blanc et le vide</h4></p>
<p>La caméra ne bouge que très peu ou seulement lentement : les plans sont le plus souvent peu agités, à quelques exceptions. Comme le jeu des acteurs, le travail de la caméra fait penser à des scènes théâtrales figées plutôt qu’à un film. A ce caractère statique des images s’ajoute que la couleur prédominante du film est le blanc. C’est la blancheur des espaces vides, du ciel ensoleillée, des murs arides ou de la peau nue de Joanna : une blancheur crue et froide, quoiqu’elle puisse avoir une certaine attirance. Il y a très peu de décors dans le film, même les intérieurs ont un air désertique. L’inerte, le blanc et le vide constituent un trias visuel et font naître une impression déconcertante, menaçante et parfois presque douloureuse. Un film tournant autour d’un deuil, d’une tristesse. Et même s’il est évident que l’histoire joue à Munich, en Allemagne des années 60, les personnages semblent loin de cette réalité terrestre concrète. Peut-être comme s’ils étaient enfermés dans leurs propres espaces mentaux. Car même quand ils se touchent, ou dans des moments de tendresse ou désir : il n’y a jamais de véritable communion, puisque chacun ne représente pour l’autre qu’un certain phantasme qu’il faut former et contrôler. C’est-à-dire aussi : ils sont devenus des phantasmes les uns pour les autres parce qu’il ne représentent que de moyens les un pour les autres – des moyens pour obtenir un peu de sécurité, un peu d’amour, un peu de bonheur. La longue scène dans le supermarché en est révélateur : entourés par les produits, Bruno et Joanna se sentent enfin bien, peut-être même heureux. Une promenade en paix, accompagnée par de petits vols et par des séquences du <i>Rosenkavalier</i> de Strauss. Il y a même de l’innocence dans cette scène. Dès que les hommes se rencontrent entre eux, le jeu des relations et du pouvoir recommence : l’amour n’est qu’un des éléments de ces jeux de pouvoir.
<p>Evidemment, <i>L’amour est plus froid que la mort</i> est aussi un film sur l’aliénation. Un sujet auquel s’intéressaient presque tous les jeunes réalisateurs allemands à l’époque et que Fassbinder traitera dans beaucoup de ses films postérieurs. <i>L’amour est plus froid que la mort</i> est son premier essai de problématiser l’être humain comme perdu dans une aliénation plus ou moins souple mais incontournable, suivant précisément sa propre logique destructive. Mais dans son approche artistique et théorique, Fassbinder fait surtout penser à son contemporain Roland Klick : tous les deux voulaient faire des films très beaux et en même temps très simples, comme Fassbinder se prônait de l’avoir essayé avec son premier long-métrage. Ils voulaient faire du cinéma au sens emphatique du mot : cela est important à savoir, puisque d’autres réalisateurs à l’époque, comme Alexander Kluge notamment, produisaient et demandaient un cinéma critiquo-intellectuel, donnant beaucoup d’espace à l’abstraction et au théorique, et se souciant très peu du grand public. Avec une certaine distance, il est possible de constater que Fassbinder n’est pas parvenu à son but avec <i>L’amour est plus froid que la mort</i>. Le film se présente dans ce sens comme un film échoué – ce que lui-même constatait à maintes reprises plus tard. L’œuvre n’attirait pas beaucoup de monde et le succès économique dont avait rêvé son réalisateur restait une chimère. Pour le grand public, <i>L’amour est plus froid que la mort</i> a été toujours trop stylisé, trop paradoxe, bref trop hiératique. La scène étudiante, malgré l’esprit de ‘68 de l’époque, le méprenait pour une mauvaise copie des films d’action commerciaux. Malgré des critiques plutôt favorables, le film a toujours souffert d’une certaine sous-estimation. Et il serait difficile de nier que les éléments disparates du film ne semblent pas capables de s’unifier dans une véritable totalité. En effet ce sera Klick, quatre ans plus tard, avec son sulfureux <i>Supermarkt</i>, qui tournera <i>le</i> film allemand sur le milieu des gangsters et desperados urbains, hanté par la recherche d’un petit bout de bonheur. C’est sans doute ce film qui sera, à la fois et véritablement, très simple et très beau, en traitant un sujet comparable.</p>
<p><i>L’amour est plus froid que la mort</i> est néanmoins un film fort, porté par un entrain unique liant agressivité, crudité et acerbité que ne possèdent que les œuvres de jeunesse. Un film amer, malgré certains côtés ludiques. Un film bellement échoué : puisque les parties constituent ici plus que le tout. Peut-être a-t-on toujours sous-estimé ce film parce qu’on prêtait trop d’attention à ses défauts et à ses manques, dus aussi aux circonstances défavorables de tournage. Par contre, il serait mieux de comprendre <i>L’amour est plus froid que la mort</i> comme une subversion ou réarrangement d’éléments. Comme une mélange éclectique donc, mais une mélange éclectique étonnant, avec sa logique propre.</p>
<p>-Viktor.</p>
Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-48259588760245382572013-12-18T00:00:00.000+01:002014-01-16T15:54:05.541+01:00Sa Majesté des mouches de Peter Brook (mardi 7 janvier 2014, 20h30)<center><iframe src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=19427209" style="width:480px; height:270px" frameborder="0"></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>La nouvelle année du ciné-club commence fort avec l'adaptation cinématographique du roman de William Golding, Sa Majesté des mouches. Fidèle à l'oeuvre originale, Peter Brook nous en offre une vision poignante par sa réflexion sur la société humaine et touchante par sa description des personnages mis en scène.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-15-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 92 minutes.<br><b>Noir & Blanc</b>. <br><b>Pays :</b> UK.<br> <b>Année :</b> 1965.<br> <b>Avec :</b> James Aubrey, Tom Chapin, Hugh Edwards.</p> <p>Rapide synopsis : <i><i>Pendant la Seconde Guerre mondiale, un avion transportant des garçons issus de la haute société anglaise, envoyés par leurs parents en Australie pendant le Blitz, s'écrase sur une île déserte. Seuls les enfants survivent. Livrés à eux-mêmes dans une nature sauvage et paradisiaque, les enfants tentent de s'organiser en reproduisant les schémas sociaux qui leur ont été inculqués. Mais leur groupe vole en éclats et laisse place à une organisation tribale, sauvage et violente bâtie autour d'un chef charismatique. La civilisation disparaît au profit d'un retour à un état proche de l'animal que les enfants les plus fragiles ou les plus raisonnables paieront de leur vie.</i></i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 7 janvier 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>Sa Majesté des mouches</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Peter Brook</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3>
<h4>De l'écrit à l'écran</h4>
<p>Adapter un roman au cinéma est toujours une entreprise difficile. Peter Brook en a fait l'expérience pour son adaptation à l'écran de Sa Majesté des mouches de William Golding. Le roman raconte le naufrage d'un avion évacuant des écoliers anglais pendant la guerre et leur survie sur une île déserte, glissement de la civilisation vers la sauvagerie. Le vœu de Peter Brook était de réaliser un film au budget très réduit, sur le modèle de la nouvelle vague en France, condition selon lui nécessaire pour garder une grande liberté sur sa production et ainsi pouvoir saisir l'essence du roman et atteindre une forme d'universalité dans le message délivré. Selon ses propres mots, "le livre de Golding est une histoire de l'homme abrégée". Cependant, continue-t-il, "l'histoire de la réalisation du film est un condensé de l'histoire du cinéma, avec tous les pièges, tentations et déceptions qu'on rencontre aux différents stades d'une production".</p>
<br><a name='more'></a>
<p>Peter Brook débute la construction du scénario avec Sam Spiegel, producteur hollywoodien. Ce dernier a une conception du projet totalement différente de celle de Brook, et le pousse à augmenter le budget et à modifier de façon importante le scénario. Il était notamment question de mettre en scène une longue expédition à travers l'île, de faire des écoliers des ressortissants américains, ou encore d'introduire des jeunes filles dans le scénario. Voyant le film lui échapper au fil des désaccords avec Spiegel, Brook quitte le projet, qui est mis au placard. Une année passe, et Brook trouve un nouveau producteur, Lewis Allen, avec qui il rachète les droits du film et trouve des financements. Sûr de sa liberté artistique, Brook peut alors débuter véritablement son film.</p>
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<p>La majeure partie du budget étant alloué au rachat des droits, Brook rencontre quelques difficultés matérielles.
D’abord il doit trouver une île proche pour tourner le film. Il s'agira de l'île de Vieques, à côté de Porto Rico, ce qui l'amènera à engager des acteurs britanniques vivant aux États-Unis pour réduire les coûts de transports. Seul l'acteur jouant Piggy vient d'Angleterre, trouvaille miraculeuse à moins de deux semaines avant le début du tournage.</p>
<p>Brook doit également constituer une équipe technique peu rémunérée, composée donc de personnes n'ayant jamais travaillé sur un film. Par exemple le caméraman, Thomas Hollyman, est un photographe, qui est donc familier avec les questions de cadrage et d'exposition, mais qui n'a aucune expérience en ce qui concerne les mouvements de caméra et les problèmes de raccord. Il devra découvrir lui-même le métier au fur et à mesure du tournage. Le noir et blanc est préféré à la couleur, pour une raison de coût, mais également afin de restituer une tonalité sobre, de mise lorsque l'on narre un mythe de la création de l'homme. De plus, sur l'île, les prises sont multipliées car il est impossible de visionner les rushes.</p>
<p>Le fait que des enfants soient le sujet du film demande aussi une attention particulière. Pour s'occuper d’eux entre les scènes, ce sont tout simplement leurs mères qui sont engagées. Mais ce qui préoccupe le plus Brook, c’est de faire s’exprimer ces enfants, qui ne sont pas des acteurs nés, à l’exception des deux ou trois personnages principaux. Il choisit de laisser une grande part au naturel, afin de saisir des émotions réelles et non feintes, comme la scène du repas où les acteurs, à jeun, se sont vus donner la viande du porc sans aucune autre consigne que de manger. La caméra capture alors la spontanéité, le regard d'un enfant qui a faim, sans artifice. C'est ce naturel que privilégie Brook, afin d'échapper à la raideur et la maladresse d'un enfant qui ne sait pas jouer l'acteur. Ce choix est une réussite, et l’on est émerveillé de constater la richesse et la complexité des émotions contenues dans le regard de l’enfant qui vient toucher le marin salvateur.</p>
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<p>C'est précisément là que réside la force émotionnelle du film : la violence, la cruauté des uns et la tristesse, la sensibilité des autres dont le spectateur est témoin sont réelles, et la mise à l'écran de cette réalité crée un lien plus fort entre l'œuvre et le public que le roman ne peut le permettre. La fiction n'en est plus une, mais s’ancre dans le réel par la transmission d’émotions, et le spectateur voit dans ce mythe une traduction du monde réel dont l'exactitude est confondante. En sens inverse, Peter Brook, qui a vu le comportement d’un groupe d'enfants sur une île, témoigne de la part de réel et de réalisme qui existe dans l’œuvre originale : "La seule erreur dans la fable de Golding, c'est le temps qu'il faut pour tomber dans la sauvagerie. L'action de son livre se déroule sur à peu près trois mois. Je suis convaincu que, si le bouchon que constitue la présence continuelle d'adultes [sur le tournage] sautait, toute la catastrophe aurait lieu en trois ou quatre jours".</p>
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<h4>"The rules are the only thing we've got" -Ralph</h4>
<p>Cette catastrophe, l'émergence de la loi du plus fort au sein d'une société organisée, est annoncée dès les premières minutes du film qui, à l'aide d'une série de photographies accompagnées de bruitages, montre la société des adultes mise en danger par la guerre, loi du plus fort à l'échelle internationale. Les enfants sont évacués pour les protéger des conséquences de la bestialité humaine, mais seulement pour se voir rattrapés par cette bestialité, qu'ils abritent eux-mêmes en leur cœur. Tout au long du film, la prise du pouvoir de la sauvagerie se manifeste dans l'évolution de l'habillement des enfants : à partir du moment où Jack ordonne au chœur de retirer leur cape, les corps se dénuderont peu à peu avant de se voir couverts de peintures, symbolisant par le contact au minéral le retour à la nature d'êtres qui en étaient tenus éloignés par leur éducation. Ce retour à un état primitif de civilisation est également présent dans la musique, qui passe du Kyrie eleison harmonieux et d'un thème mélodieux joué par des flûtes à un concert cacophonique de percussions et à des cris de guerre. Il se matérialise enfin dans l’oubli d'éléments constitutifs de leur éducation, comme le montre la double scène où le personnage de Percival décline son identité : la première fois sans hésitation, prénom, nom, adresse et téléphone, et la seconde fois moins assurée, et interrompue par un trou de mémoire, signe que le mouvement des enfants hors de la civilisation s’accompagne d’une fuite hors de ces enfants de leur éducation, pourtant stricte dans les écoles anglaises.</p>
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<p>Seuls trois garçons tentent de s'opposer à ce mouvement : Ralph, Piggy et Simon, incarnations respectives de la démocratie, de la loi et de la raison.</p>
<p>Simon, tout d'abord, est un personnage marqué par sa pureté, son innocence. D'un naturel très calme, on le voit contempler la nature et les animaux, savant éclairé en construction. Il est le porteur de la vérité : d'une part lorsqu'il fait face à la tête de porc (nommée sa Majesté des mouches) et qu'il semble percevoir la marche de l'histoire, qu'il semble réaliser ce qui va se produire, et d'autre part lorsqu'il découvre que le monstre dont ils ont peur est le corps d'un parachutiste et tente d’en informer ses camarades. Simon est le dernier rempart contre l'ignorance et la crainte, qui se voit détruire par l'ignorance et la crainte, laissant place à un monde où les croyances les plus absurdes ont le pas sur la raison.</p>
<p>Ralph, ensuite, aurait toute sa place à Athènes au cinquième siècle, convoquant l'assemblée des citoyens sur la Pnyx, organisant le vote pour élire un dirigeant, et distribuant les tâches à chacun pour le bien-vivre commun. La conque symbolise cette république en construction, objet qui rassemble et qui donne le pouvoir de la parole lors des assemblées.</p>
<p>Enfin, le garant de la République est Piggy, véritable magistrat qui collecte les noms des rescapés du naufrage, rappelle à tous les règles de la vie en société et garde la conque. Il possède également un deuxième objet d'importance pour la société insulaire : ses lunettes qui permettent d'allumer le feu nécessaire pour cuire la viande, mais surtout pour attirer l'attention d'avions ou de bateaux passant à proximité, leur seul lien possible avec le monde extérieur. Piggy détient la puissance de la parole, seule arme qu'il a pour se défendre face aux moqueries, ce qui fait de lui l'ambassadeur de la civilisation. Alors que les enfants tombent dans l'écueil de la violence muette, il est toujours capable de mettre des mots sur les choses et de les expliquer, que ce soit pour exposer l'origine du nom de son village ou pour analyser le meurtre de Simon. Lorsque Piggy disparaît, la conque est également détruite, double signe que le point de non-retour est ici atteint : la violence a définitivement pris le pas sur la loi, le geste a définitivement supplanté le verbe.</p>
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<p>Cette violence atteint son paroxysme à la toute fin du film, où survient un deus ex machina : le retour de la civilisation, ceinte d'un uniforme d'un blanc impeccable, accompagnée d'une musique rythmée, où dominent les cuivres. Le dernier plan avant le générique, gros plan très touchant sur Ralph, est un véritable appel au spectateur : si Ralph a échoué à conserver les règles de vie en société sur l'île, il a néanmoins pu être sauvé. On ne peut alors que s'interroger sur l'autre côté du miroir, présenté au début du film : face à la barbarie de la guerre, existe-t-il une autorité capable d'imposer la paix à tous ? Et le cas échéant, est-on condamné à partager l'échec de Ralph et être le témoin impuissant de la ruine du monde ?</p>
-Raphaël Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.com