tag:blogger.com,1999:blog-27831282879640867852024-03-06T00:59:05.179+01:00Ciné-club de l'ENS UlmBienvenue sur le blog du ciné-club de l'ENS de Paris (45, rue d'Ulm) ! Ouverts à tous et à toutes, l'équipe du ciné-club propose chaque semaine une projection de son choix, précédée d'une présentation du film. Lors de séances spéciales, nous invitons des réalisateurs (Arnaud Desplechin, Jean-Marc Moutout), des acteurs (Jean-Marc Barr, Valérie Dréville), des producteurs (les Films du Losange) ou des critiques (Michel Ciment de Positif) pour discuter avec le public du film qui a été projeté.Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comBlogger159125tag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-20709911913827976362014-11-12T01:28:00.000+01:002014-11-12T01:28:22.743+01:00Ce site n'est plus mis à jour...... mais le ciné-club continue tous les mardis<h1><center> Pour le programme, merci de vous rendre sur notre nouveau site :<br />
<a href="http://www.cineclub.ens.fr">http://www.cineclub.ens.fr</a></center>
</h1>Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-78441432487538411502014-09-07T17:01:00.000+02:002014-09-07T19:41:03.031+02:00L'Impossible Monsieur Bébé de Howard Hawks (mardi 23 septembre 2014, 20h30)<center><iframe src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=19440187" style="width:480px; height:270px" frameborder="0"></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Pour la première séance de l'année, venez découvrir cette comédie de remariage hollywoodienne. Un film aux personnages déjantés et au tempo incontrôlable.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2014-2015/affiche-1-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 102 minutes.<br><b>Noir et Blanc</b>. <br><b>Pays :</b> Etats-Unis.<br> <b>Année :</b> 1937.<br> <b>Avec :</b> Cary Grant, Katharine Hepburn, Charles Ruggles.</p> <p>Rapide synopsis : <i>David Huxley, un paléontologue, est fiancé à sa secrétaire Alice. Susan, rencontrée lors d'une partie de golf, est également sensible au charme félin de David. Hélas, M. Bébé ne quitte pas la jeune femme d'une semelle. Enfin, d'une patte, car M. Bébé est un léopard... </i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 23 septembre 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>L impossible monsieur Bébé</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Howard Hawks</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> <a name='more'></a> <p>Bientôt...</p> Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-47637699300813560012014-06-04T08:07:00.002+02:002014-06-04T08:07:57.020+02:00La Grande ville de Satyajit Ray (mardi 10 juin 2014, 20h30)<center><iframe width="560" height="315" src="//www.youtube.com/embed/HGA8WBTvQco" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Ne manquez surtout pas le dernier film de l'année ! Pour bien commencer les vacances, départ pour l'Inde avec Satyajit Ray.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-35-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 135 minutes.<br><b>Noir et Blanc</b>. <br><b>Pays :</b> Inde.<br> <b>Année :</b> 1963.<br> <b>Avec :</b> Madhabi Mukherjee, Anil Chatterjee, Haren Chatterjee.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Subrata Mazumdar, modeste employé de banque à Calcutta, a du mal à subvenir aux besoins de sa famille. Enfreignant les traditions, sa femme Arati se décide à chercher du travail et devient représentante en porte à porte. Son mari accepte mal cette situation mais suite à un krach, il est licencié et le travail de sa femme devient d'autant plus nécessaire. C'est alors qu'une collègue anglaise d'Arati est victime d'une injustice de leur patron. Par solidarité pour elle mais au risque de perdre son propre emploi, Arati décide de prendre sa défense...</i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 10 juin 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>La Grande ville</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Satyajit Ray</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> <a name='more'></a> <p>Bientôt...</p> Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-16956765774579582522014-05-29T09:16:00.002+02:002014-05-29T09:17:16.101+02:00Le chanteur de jazz de Alan Crosland (mardi 3 juin 2014, 20h30)<center><iframe width="420" height="315" src="//www.youtube.com/embed/OSNmtClYWpo" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Venez découvrir l'un des premiers films parlants. "Attendez un peu, vous n'avez encore rien entendu."</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-36-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 88 minutes.<br><b>Noir et Blanc</b>. <br><b>Pays :</b> Etats-Unis.<br> <b>Année :</b> 1927.<br> <b>Avec :</b> Warner Oland, Al Jolson, May McAvoy.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Rabinowitz, chantre d'une synagogue, souhaite que son fils Jakie lui succede. Mais celui-ci prefere le jazz. Chasse par son pere, il devient celebre, maquille en noir, comme vedette de jazz, sous le nom de Jack Robin. </i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 3 juin 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>Le chanteur de jazz</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Alan Crosland</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> <a name='more'></a> <p>Bientôt...</p> Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-41597063692705717672014-05-23T14:42:00.001+02:002014-05-23T22:57:39.344+02:00Angèle et Tony de Alix Delaporte (mardi 27 mai 2014, 20h30)<center>
<iframe frameborder="0" src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=19182229" style="height: 270px; width: 480px;"></iframe><br /><i>Bande-annonce du film.</i></center>
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<img border="0" src="http://fr.web.img3.acsta.net/medias/nmedia/18/78/96/43/19623873.jpg" height="400" width="283" /></div>
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<b>Durée </b>: 1h27 minutes.<br /><b>Couleur</b>. <br /><b>Pays :</b> France.<br /> <b>Année :</b> 2011.<br /> <b>Avec :</b> Clotilde Hesme, Grégory Gadebois.<br />
Rapide synopsis : <i>Un port de pêche en Normandie.
Angèle a de bonnes raisons de se construire une nouvelle vie lorsqu’elle débarque dans celle de Tony, marin pêcheur en quête de sentiments.
Malgré le désir qu’il a pour elle, Tony garde ses distances. Angèle le cherche. Tony l’observe. Trop belle, trop déroutante, il ne peut croire qu’elle est là pour lui… </i><br />
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Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</div>
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Et pour résumer :</div>
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<div class="Apple-style-span" style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align: center;">
<b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 27 mai 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br />
<span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="color: orange; font-size: x-large;"><b>Angèle et Tony</b></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="color: orange; font-size: x-large;"><span style="font-size: large;"><b>de Alix Delaporte</b></span></span> </div>
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Proposition d'analyse</h3>
<a name='more'></a>Bientôt...Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07944227913752649262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-70820959415899640382014-05-07T18:53:00.000+02:002014-05-23T14:49:46.357+02:00Boxing Gym de Frederick Wiseman (mardi 13 mai 2014, 20h30)<center>
<iframe frameborder="0" src=http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=19182229" style="height: 270px; width: 480px;"></iframe><br /><i>Bande-annonce du film.</i></center>
<br />
Pour clôturer le cycle Boxe, il est temps de pratiquer. Quoi de mieux que joindre ce club de boxe à Austin, Texas, filmé dans ce documentaire de Frederick Wiseman.<br />
<div center="" class="separator" style="float: left;" text-align:="">
<img border="0" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-33-thumbnail400.jpg" height="400" width="283" /></div>
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<b>Durée </b>: 91 minutes.<br /><b>Couleur</b>. <br /><b>Pays :</b> Etats-Unis.<br /> <b>Année :</b> 2011.<br /> <b>Avec :</b> Richard Lord.<br />
Rapide synopsis : <i>Austin, Texas. Richard Lord, ancien boxeur professionnel, a fondé son club de boxe Lord's Gym, il y a seize ans. Des personnes d'origines et de classes sociales et d'âge différents s'entrainent dans ce gymnase : hommes, femmes, enfants, docteurs, avocats, juges, hommes et femmes d'affaires, immigrants, boxeurs professionnels ou aspirants professionnels côtoient de simples amateurs et des adolescent en quête de force et d'assurance.</i><br />
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Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</div>
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Et pour résumer :</div>
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<div class="Apple-style-span" style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align: center;">
<b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 13 mai 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br />
<span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="color: orange; font-size: x-large;"><b>Boxing Gym</b></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="color: orange; font-size: x-large;"><span style="font-size: large;"><b>de Frederick Wiseman</b></span></span> </div>
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<h3>
Proposition d'analyse</h3>
<a name='more'></a>Bientôt...Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-11444248829117143832014-05-15T06:40:00.000+02:002014-05-15T06:42:08.038+02:00Notre pain quotidien de Nikolhaus Geurhalter (mardi 20 mai 2014, 20h30)<center><iframe src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=18723208" style="width:480px; height:270px" frameborder="0"></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p></p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-34-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 92 minutes.<br><b>Couleur</b>. <br><b>Pays :</b> Autriche.<br> <b>Année :</b> 2007.<br> </p> <p>Rapide synopsis : <i>Pendant deux ans, Nikolaus Geyrhalter a placé sa caméra au coeur des plus grands groupes européens agricoles, nous donnant accès des zones inaccessibles. Il a filmé les employés, les lieux et les différents processus de production pour réaliser un documentaire cinéma qui interroge et implique intimement chaque spectateur.</i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 20 mai 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>Notre pain quotidien</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Nikolhaus Geurhalter</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> <a name='more'></a> <p>Bientôt...</p> Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-65433974476481953552014-04-30T07:39:00.000+02:002014-04-30T07:40:12.978+02:00Kids Return de Takeshi Kitano (mardi 6 mai 2014, 20h30)<center><iframe src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=19418174" style="width:480px; height:270px" frameborder="0"></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Pour continuer le cycle boxe, venez découvrir ce très beau film de Takeshi Kitano (L'été de Kikujiro, Hana Bi...) qui narre l'histoire de deux jeunes hommes, en perte de repères. L'un se met à la boxe, l'autre l'accompagne... pendant que leurs chemins s'éloignent. Une bande-son au rythme endiablé, signée Joe Hisaishi. A découvrir, absolument !</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-32-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 107 minutes.<br><b>Couleur</b>. <br><b>Pays :</b> Japon.<br> <b>Année :</b> 1997.<br> <b>Avec :</b> Masanobu Ando, Ken Kaneko, Leo Morimoto.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Itinéraire de deux copains d'école qui tentent de s'en sortir par l'intermédiaire de la boxe. </i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br><br><br><br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 6 mai 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>Kids Return</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Takeshi Kitano</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> <a name='more'></a> <p>Bientôt...</p> Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-31210260301354194142014-04-16T12:33:00.000+02:002014-04-23T14:56:29.851+02:00La Bataille dans le ciel de Carlos Reygadas (mardi 22 avril 2014, 20h30)<center><iframe src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=18402585" style="width:480px; height:270px" frameborder="0"></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>La Bataille dans le ciel est un exemple essentiel du cinéma mexicain contemporain. Oscillant entre réalisme viscéral et allégorie cosmique, Reygadas explore la fracture radicale entre riches et pauvres dans le Mexico d'aujourd'hui. Cette séance est organisée en partenariat avec ECLA et Artlas, et sera présentée par Daniel R. Quiles, professeur au School of the Art Institute of Chicago.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-30-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 88 minutes.<br><b>Couleur</b>. <br><b>Pays :</b> France, Belgique, Mexique, Allemagne.<br> <b>Année :</b> 2005.<br> <b>Avec :</b> Marcos Hernández, Anapola Mushkadiz, Bertha Ruiz.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Marcos, le chauffeur d'un général, est hanté par l'issue tragique d'un enlèvement d'enfant qu'il a perpétré avec sa femme. Fragilisé, il se confesse à Anna, la fille de son patron... </i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 22 avril 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>La Bataille dans le ciel</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Carlos Reygadas</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3>
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<i>Batalla en el cielo</i>, le deuxième film du réalisateur Carlos Reygadas, est un exemple essentiel du cinéma mexicain contemporain. Oscillant vertigineusement entre réalisme viscéral et allégorie cosmique, Reygadas explore la fracture radicale entre riches et pauvres dans le Mexico d'aujourd'hui. Contrairement à de précédents films portant sur la face obscure du pays, tel qu'a pu les réaliser Alejandro González Iñárritu (<i>Amores Perros</i>, 2000), l'image de Reygadas de la société contemporaine évite les leçons de morale ou de sentimentalité, alors même que la désastreuse guerre de la drogue vient de commencer et fait rage entre le gouvernement et les narcotrafiquants pour près d'une décennie. Compte tenu de son objet, la citation de Reygadas à Godard et Tarkovski n'est pas tout à fait un hommage à la critique corrosive. Financé conjointement par des producteurs français, allemands, et mexicains, c'est la collaboration internationale au service de la crise éthique: ce cri à l'aide immaculé implique les autres versants de la planète.</p>
<p>-Daniel Quiles</p>
Postdoc Artlas et Professeur en Histoire de l'art, Théorie et Critique à Chicago (School of the Art Institute).
Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-24958007054959853762014-04-23T10:00:00.001+02:002014-04-23T10:00:48.400+02:00Rocco et ses frères de Luchino Visconti (mardi 29 avril 2014, 20h30)<center><iframe src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=19180116" style="width:480px; height:270px" frameborder="0"></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>La boxe arrive au ciné-club pour un nouveau cycle musclé ! Un voyage thématique à travers l'histoire du cinéma, de Visconti à Frederick Wiseman, de la fiction au documentaire, de l'Europe au Japon, en passant, bien sûr, par les Etats-Unis. Boxeurs, cinéphiles et curieux de tous les horizons y trouveront leur compte ! Trois films pour mieux voir et comprendre quelle place un sport de combat comme la boxe, hautement photogénique, peut prendre sur grand écran.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-31-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 177 minutes.<br><b>Noir et Blanc</b>. <br><b>Pays :</b> Italie, France.<br> <b>Année :</b> 1960.<br> <b>Avec :</b> Renato Salvatori, Paolo Stoppa, Roger Hanin.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Fuyant la misère, Rosaria et ses quatre fils quittent l'Italie du Sud pour Milan où vit déjà l'aîné Vincenzo. Chacun tente de s'en sortir à sa façon. Mais l'harmonie familiale est rapidement brisée : Rocco et Simone sont tous les deux amoureux d'une jeune prostituée, Nadia.</i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 29 avril 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>Rocco et ses frères</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Luchino Visconti</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> <a name='more'></a> <p>Bientôt...</p> Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-30426878132915107922014-04-09T10:27:00.000+02:002014-04-09T10:27:09.291+02:00Tabou de Miguel Gomes (mardi 15 avril 2014, 20h30)<center><iframe src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=19427742" style="width:480px; height:270px" frameborder="0"></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Mêlant réalisme et merveilleux, Tabou est un "film de fantômes", une tragédie sentimentale qui s'est passée il y a cinquante ans, un peu avant le début de la guerre coloniale portugaise. </p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-29-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 110 minutes.<br><b>Noir et Blanc</b>. <br><b>Pays :</b> France, Portugal, Brésil, Allemagne.<br> <b>Année :</b> 2012.<br> <b>Avec :</b> Teresa Madruga, Laura Soveral, Ana Moreira.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Une vieille dame au fort tempérament, sa femme de ménage Cap-Verdienne et sa voisine dévouée à de bonnes causes partagent le même étage d'un immeuble à Lisbonne. Lorsque la première meurt, les deux autres prennent connaissance d'un épisode de son passé : une histoire d'amour et de crime dans une Afrique de film d'aventures. </i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 15 avril 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>Tabou</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Miguel Gomes</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> <a name='more'></a> <p>Bientôt...</p> Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-39540661088411035322014-04-02T05:50:00.000+02:002014-04-03T19:58:43.968+02:00Les Hommes le dimanche de Robert Siodmak et Edgar G. Ulmer (mardi 8 avril 2014, 20h30). SÉANCE SPÉCIALE : CINÉ-CONCERT ÉLECTRO !<center><iframe width="420" height="315" src="//www.youtube.com/embed/w_-ilyCtRfo" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Nous sommes wirklich glüklich de projeter en musique Les Hommes le Dimanche, film vertigineux de Robert Siodmak réalisé en 1929, co-scénarisé par Billy Wilder et Fred Zinnemann. Berlin, fin des années 1920, deux hommes, deux femmes, un dimanche au bord de l'eau ; entre fiction et documentaire, le film nous donne à voir la vérité des instants éparpillés, la préciosité de l'unique jour chômé dans ce qu'il incarne de promesses et d'historicité. Pierre Desprats, musicien et performer, notamment au sein du groupe Karelle , poursuivra cette quête de l'authenticité au gré de mouvances électroniques.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-28-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 74 minutes.<br><b>Noir et Blanc</b>. <br><b>Pays :</b> Allemagne.<br> <b>Année :</b> 1929.<br> <b>Avec :</b> Erwin Splettstosser, Wolfgang von Waltershausen, Christel Ehlers.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Le week-end berlinois de cinq jeunes gens de condition modeste. Un des derniers films muets allemands et la premiere mise en scène de Robert Siodmak. </i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 8 avril 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>Les Hommes le dimanche</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Robert Siodmak et Edgar G. Ulmer</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> <a name='more'></a> <p>Bientôt...</p> Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-71022414095546153482014-03-05T09:06:00.000+01:002014-03-26T16:00:26.630+01:00La Vraie Vie (dans les bureaux) de Jean-Louis Comolli (mardi 11 mars 2014, 20h30)<center><iframe width="640" height="390" src="http://www.editionsmontparnasse.fr/embed/j5589Y" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Le critique et documentariste Jean-Louis Comolli, ancien directeur des Cahiers du Cinéma, vient nous faire découvrir un film poignant, juste et lumineux : La Vraie Vie (dans les bureaux), 1993. Dans ce documentaire, il nous donne à entendre comme jamais le "monologue du travail contraint" dans toute son émouvante banalité.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="200" width="300" src="http://www.lussasdoc.org/medias/photos/articles/vraie-vie-dans-bureau2.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 78 minutes.<br><b>Couleur</b>. <br><b>Pays :</b> France.<br> <b>Année :</b> 1993.<br> <p>Rapide synopsis : <i>D'octobre à décembre 1992, Jean-Louis Comolli a promené sa caméra dans les locaux d'un centre de Sécurité sociale parisien, la Caisse régionale d'assurance maladie d'Ile-de-France. Essentiellement composé d'interviews, que ponctuent de longs travellings dans le dédale des couloirs et des différents services administratifs, ce passionnant reportage "in situ" donne la parole à ces employé(e)s anonymes du secteur tertiaire, qui évoquent, avec enthousiasme, humour ou amertume, leur travail et leur vie quotidienne dans les bureaux.</i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 11 mars 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>La Vraie Vie (dans les bureaux)</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Jean-Louis Comolli</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3>
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<h4>Biographie du réalisateur</h4>
<p>Jean-Louis Comolli découvre le cinéma au ciné-club d’Alger de Barthélémy Amengual. Par la suite, son arrivée à Paris, et son entrée aux Cahiers du Cinéma en 1962 (où il restera jusqu'en 1978), le politisent. C’est sous sa direction (1966-1971) – comme il le raconte dans le documentaire <i>À voir absolument (si possible)</i> (2012) - que les Cahiers se gauchisent et s’ouvrent aux « vents du monde et de la pensée » : les cinémas nationaux (le cinéma brésilien), les cinémas politiques, les mouvements sociaux et de libération nationale, les nouveaux penseurs (Roland Barthes, Michel Foucault, Jacques Lacan...), et les autres arts. Comolli est en effet un amateur éclairé de jazz : il a régulièrement collaboré à Jazz Magazine, dirigé par un autre ancien du Ciné-club d'Alger, Philippe Carles, avec lequel il a écrit Free Jazz, Black Power (1971). Depuis son départ des Cahiers, il a continué d'écrire, prolixement, sur le cinéma, pour <i>Trafic</i> ou <i>Images Documentaires</i>, et a publié de magistraux essais semi-autobiographiques chez Verdier : <i>Voir et Pouvoir</i> en 2004, <i>Cinéma contre spectacle</i> en 2009 et Corps et cadre en 2012. Il a également enseigné à la Fémis et Paris VIII.</p>
<p>Si l'on excepte un premier documentaire remarquable sur les élections législatives à Asnières de juin 1968, co-réalisé avec André S. Labarthe, Les Deux Marseillaises, son travail de critique commence par mener Comolli à la fiction. Il y interroge l'engagement politique de gauche, comme dans La Cecilia (1976) ou L'ombre Rouge (1981). C'est seulement en 1987, avec le tournage de Tabarka, que Comolli "découvre enfin l’émotion majeure de filmer ses contemporains en documentaire, c’est-à-dire dans leur fiction et pas seulement dans la mienne" (Voir et Pouvoir). Il ne s'arrêtera plus : parmi une filmographie prolifique, on peut distinguer tout un pan de son œuvre consacrée à la politique (La Série Marseillaise (1989-2008), Tous pour un! (1988), L'affaire Sofri (2001), etc.) et en particulier au front national (Jeux de rôles à Carpentras (1998)), et un autre à la société humaine et en particulier au travail humain sous ses formes créatives comme aliénantes (Naissance d'un hôpital (1991), La Vraie Vie (dans les bureaux) (1993), etc.). </p>
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Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-76263671315310672572014-03-12T21:08:00.000+01:002014-03-26T15:54:28.582+01:00Sayat Nova, la couleur de la grenade de Sergei Paradjanov (mardi 18 mars 2014, 20h30)<center><iframe width="420" height="315" src="//www.youtube.com/embed/XtJW1WRfRg4" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Venez découvrir ce film qui ne ressemble a aucun autre. Sergei Paradjanov invente un langage pictural qu'on peut qualifier de cinéma moyenâgeux.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-25-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 78 minutes.<br><b>Couleur</b>. <br><b>Pays :</b> Russie.<br> <b>Année :</b> 1969.<br> <b>Avec :</b> Sofiko Tchiaourelli, M. Alekian, V. Galestian.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Evocation de la vie du poete armenien Sayat Nova, dont on situe l'existence entre 1717 et 1794 en une serie de plusieurs tableaux. </i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 18 mars 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>Sayat Nova, la couleur de la grenade</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Sergei Paradjanov</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3>
<p><h4>Une voix unique du bazar du cinéma</h4></p>
<p>Certains critiques de cinéma ont l’habitude fâcheuse de dire ou d’écrire des choses du genre : « Qui n’a pas vu ce film, n’a rien vu », ou bien « Qui ne connaît pas l’œuvre de ce réalisateur ne sait pas ce que le cinéma est capable de faire ». Il est toujours recommandable d’effacer cette tournure. Une tournure bête, puisqu’elle instaure une objectivité inexistante – le cinéma, c’est la diversité ! Une polyphonie, ou un bazar peut-être – que ce soit du côté de ceux qui le produisent ou de ceux qui le regardent. Bien sûr, il y a des voix ou des standards plus ou moins fascinants, plus ou moins influents. Car tout dépend, en tant que spectateurs par exemple, de nos connaissances, de nos habitudes rétiniennes. Ou simplement de notre goût et de l’ambiance. Pourtant, même en me forçant de rester modeste, je dirais que la voix de Serguei Paradjanov est tellement unique qu’il serait imprudent de ne pas l’avoir écoutée au moins une fois (ou au moins d’avoir essayé de l’écouter). Le seul moyen efficace de décrire l’œuvre paradjanovienne serait peut-être cette métaphore du bazar – un film de Paradjanov c’est aussi un bazar. <i>Sayat-Nova</i> est un tel bazar, tout en étant un film, ou se donnent rendez-vous la poésie, la peinture, la passion et la vie. Et pas seulement.</p>
<a name='more'></a>
<h4>La source historique du film</h4>
<p>Même si le film a l’air, de prime abord, d’être une biographie du poète Sayat-Nova, Paradjanov n’a jamais eu l’intention de faire un film historique au sens réaliste. C’est pour cette raison qu’il n’est pas inutile de parler, avant de parler du film, de son inspiration historique. Qui est le poète Sayat-Nova, après tout ? L’homme Sayat-Nova a bien existé : son vrai nom était Aroutine ou Haroutiom, ce qui signifie « Résurrection » en arménien. Il était né entre 1712 et 1725 à Sanahine (aujourd’hui en Arménie), non loin de Tiflis, issu de paysans modestes. Le jeune Aroutine devint apprenti tisserand, puis, grâce à son talent musical et linguistique, poète panégyrique à la cour du prince géorgien Irakli II à Tiflis. L’histoire dit que son succès comme achough, c’est-à-dire comme troubadour, était incontestable. Son nom d’artiste Sayat-Nova veut dire « Chasseur des mélodies ». Mais Sayat-Nova tomba amoureux d’une haute personnalité de la cour, probablement de la sœur d’Irakli II, la princesse Anna Batonichvili. Cette passion finit par perdre le poète. D’abord renvoyé plusieurs fois en exil, Sayat-Nova se voit forcé en 1759 par le roi de se retirer dans le monastère de Haghbad et de devenir moine. En 1795, une campagne militaire persane embrasait de nouveau la région. Sayat-Nova, voulant mettre ses enfants à l’abri des périls de la guerre, fut tué par des soldats persans. </p>
<p>Le Caucase de l’époque de Sayat-Nova, il faut l’imaginer comme un grand melting-pot déchiré par d’innombrables confrontations guerrières. Car la région, pendant le XVIIIème siècle, se trouvait sous forte influence et pression ottomane et persane. Les deux pouvoirs se la disputaient. De l’autre côté, il existait une diversité culturelle unique. Dans les rues de Tiflis, par exemple, il y avait de nombreuses d’ethnies, religions et cultures différentes : des géorgiens bien sûr, mais aussi les azéris, les arméniens, les kurdes, les juifs, les persans, les peuples du Nord caucasien. En même temps, on copiait le « lifestyle » ottoman et persan, que ce soit en imitant les vêtements, l’art ou l’artisanat oriental – ou même en adoptant, plus ou moins volontairement, la foi musulmane. La poésie orientale était particulièrement en vogue à cette époque. En lisant les vers de Sayat-Nova, le lecteur se rend tout de suite compte de l’influence arabo-persane classique : il chante de la rose et du rossignol, de l’amour de Majnoune pour Layla, de son propre amour malheureux et impossible pour la belle bien-aimée. L’amour chez Sayat-Nova est toujours fatalement mortel et meurtrier, comme dans la poésie classique arabe, persane et turque. Un autre détail intéressant est le fait que Sayat-Nova se servit de trois langues pour ses poèmes : il maîtrisait l’arménien, le géorgien et l’azéri. En plus, il savait lire le persan. Dans ce sens, Sayat-Nova est un représentant exemplaire du « mélange caucasien » de cette époque.</p>
<h4>« Mais pour moi c’est devenu une vraie passion : créer une dynamique dans des images statiques. » (S. Paradjanov)</h4>
<p>La structure de <i>Sayat-Nova – La couleur de la grenade</i> est plutôt simple : en 8 chapitres, le film retrace chronologiquement l’enfance, l’âge adulte, l’amour, la souffrance, la vieillesse et la mort du poète Sayat-Nova. Les chapitres, et certaines scènes, sont introduits par des intertitres, comme dans les films muets. Jusqu’ici rien de trop particulier : un réalisateur soviétique d’origine arménienne met en scène la vie d’un artiste arménien. Des projets comparables se trouvent chez d’autres grands réalisateurs soviétiques à la même époque, par exemple Andreï Roublev de Tarkovski de 1966. Ou <i>Pirosmani</i> de 1969 de Chenguelaia, qui décrit la vie du peintre géorgien Niko Pirosmanishvili.</p>
<p>Mais, à partir de son premier chef-d’œuvre <i>Les chevaux de feu</i> de 1964, l’unique point de départ pour le langage cinématographique de Paradjanov est la peinture. Il est vrai qu’il y a beaucoup de réalisateurs « inspirés par la peinture ». Contrairement à tout autre réalisateur, Paradjanov traite l’image cinématographique <i>comme une peinture</i> : une image entourée d’un cadre. Il faut mentionner le fait que Paradjanov était aussi un artiste plastique : peut-être son œuvre artistique n’est pas moins importante que l’œuvre cinématographique. Pendant toute sa vie, même en prison, il produisit des dessins, des peintures, des collages, des boîtes, des poupées et autres « objets ». Il est donc très naturel que l’artiste-peintre ait eu de l’influence sur l’artiste-réalisateur. En 1968, pour <i>Sayat-Nova</i>, Paradjanov choisit comme source d’inspiration visuelle la peinture et les miniatures orientales du Moyen Âge, en particulier celles de la tradition arménienne et persane. Paradjanov se mit consciemment dans cette tradition qui était répandue dans tout l’Orient et qu’il poursuit dans ses films. Mais en regardant <i>Sayat-Nova</i> on pense peut-être au cinéma du début du XXème siècle ou au théâtre Kabuki : il n’y a que des cadres fixes, le jeu des acteurs est rigidement théâtral. Comme résultat il n’y aucune narrativité fluide qu’on attendrait normalement d’un film qui est censé raconter la biographie d’un personnage historique. En outre, on ne parle presque pas du tout dans ce film : la voix-off et les figures mêmes ne communiquent que rarement. Les informations décisives pour suivre le fil de l’histoire sont données dans les intertitres. Mais ces informations ne sont pas abondantes, plutôt allusives que informatives. Ils servent comme les titres de peinture : il y a une indication, mais après c’est au spectateur de déchiffrer l’image et de faire l’histoire. C’est exactement le procédé de Paradjanov dans <i>Sayat-Nova</i> : le film est composée comme une suite de peintures animées. Evidemment il s’agit d’un paradoxe : une peinture est, a priori, un rassemblement figé de couleurs. Si elle devient animée, elle devrait être un feuilletoscope, ou bien un film, peut-être une sorte de représentation théâtrale. On pense peut-être aussi aux tableaux vivants que l’âge des Lumières prisait tant. <i>Sayat-Nova</i> est dans ce sens un film paradoxal : ni tableau, ni film, ni poème, il e situe entre les deux genres. Mais ce paradoxe est au cœur de la méthode de Paradjanov, comme il expliqua dans une interview : « J’avais toujours été attiré par la peinture et je me suis habitué à considérer chaque cadre cinématographique comme un tableau indépendant. » </p>
<p> L’action directe comme telle ou l’interaction entre les personnages est ainsi absente. Les personnages de <i>Sayat-Nova</i> n’ont pas l’air de voir ni d’entendre les uns les autres : comme dans les miniatures médiévales ils agissent dans un espace opaque et figé, organisé par une force extérieure – un destin. Le spectateur n’y trouvera pas des véritables « scènes » et de dialogues. Paradjanov les laisse tomber pour se servir de la composition, du geste et de l’allégorie (terme problématique, puisqu’on pourrait aussi parler d’une symbolique). Composition est à comprendre, bien sûr, au sens pictural : répartition des figures, des objets et surtout des couleurs. Ainsi chaque scène de <i>Sayat-Nova</i> est plutôt un tableau qu’une scène au sens classique du cinéma. L’expressivité se déploie d’abord par les couleurs somptueuses, par la pure richesse picturale. Contrairement à d’autres films, l’espace reste figé et rigoureusement encadré, mais Paradjanov atteint une rare beauté visuelle et une tension hallucinante malgré l’absence de tout mouvement de la caméra. Cette beauté est d’une sensualité exceptionnelle, puisque les images, outre la pure séduction qui en émane, ont souvent une qualité presque plastique. Cette façon de composer l’image est liée aux mouvements et avant tout aux gestes qui font partie de la composition. Comme dans les miniatures orientales, Paradjanov utilise un certain répertoire de gestes dans ces scènes allégoriques. Cette dimension est aussi donnée par les intertitres. C’est au spectateur de reconnaître le sens, ou pour mieux dire, de le construire. C’est-à-dire : de re-construire pour lui-même l’histoire. Car Paradjanov ne raconte pas en racontant, il raconte en indiquant. <i>Sayat-Nova</i> est dans ce sens une sorte de charade poétique : il y a une invitation à jouer au jeu de ces images allégoriques, à découvrir leur énigme – une énigme qui se dérobe en permanence. </p>
<h4>Habent sua fata pelliculae sovieticae</h4>
<p><i>Sayat-Nova</i> est sans doute le chef-d’œuvre de Serguei Paradjanov, l’apothéose de sa « machinerie » cinématographique. En le comparant aux autres productions du cinéma de l’époque brejnévienne, même de Tarkovski, on a du mal à imaginer que ce film a jamais pu voir le jour. Naturellement, quand le film était présenté aux autorités soviétiques, celles-ci se montraient indignées au plus haut degré. Il critiquaient que <i>Sayat-Nova</i> ne montrait pas de lutte de classe, ni de conscience critique envers la réalité sociale – par contre il était trempé d’une fascination suspecte pour une époque féodale passée. Paradjanov se vit reprocher que son film était « complètement incompréhensible » et nuisible à l’art ouvrier parce qu’il fait preuve de formalisme (c’est l’art bourgeois qui est formaliste, bien sûr, et non celui de l’URSS). Paradjanov fut alors forcé d’accepter qu’une version « épurée » de son film soit faite. C’est cette version raccourcie, sous le titre de <i>Sayat-Nova</i> – La couleur de la grenade qui fera le tour des cinémas. Sont entre autres coupées des scènes ambigües qui révèlent trop d’érotisme, comme des femmes nues dans un bain et la relation entre <i>Sayat-Nova</i> et le prince. Sont en plus coupées d’autres parties qui, selon le fameux bon sens des fonctionnaires soviétiques, représenteraient un danger politique. Après la sortie du film dans les cinémas moscovites en 1970/71, Paradjanov reçoit néanmoins le feu vert pour une adaptation des contes de Hans Christian Andersen. Mais soudain, en 1973, le vent tourne, et Paradjanov se retrouve devant un tribunal. Il serait trop long de raconter ici tous les déboires de Paradjanov avec la justice soviétique. Disons, pour résumer, que « l’affaire Paradjanov » finira par l’incarcération pour de prétendus délits de « forcement aux actes homosexuels » et de « propagation de matériaux pornographiques » (entre autres pour avoir montré à des amis un « stylo pornographique »). Les années 1974 à 1977, Paradjanov les passa dans une prison « à régime sévère » à Dniepropetrovsk. Suivra une époque de chômage et de silence qu’il passera à Tiflis, en vivant plutôt mal que bien. Mais avec l’avènement d’Edouard Chevardnadzé au poste du premier secrétaire du PC géorgien, le climat culturel change. C’est grâce à Chevardnadzé que, par exemple, Tengiz Abouladzé a la possibilité de réaliser sa vision sur l’époque stalinienne, Le repentir, et que Paradjanov reçoive en 1984 la permission de tourner <i>La légende de la Forteresse de Souram</i> – 15 ans après son premier projet cinématographique.</p>
<p>Malgré sa mutilation postérieure, <i>Sayat-Nova</i> a conservé sa force et sa beauté splendides. Il est vrai : des scènes importantes et incomparables ont été coupées ou même perdues. Mais peut-être faudrait-il penser à un ancien manuscrit avec des miniatures somptueuses, dont une partie était perdue au cours des siècles : les pages qui ont survécu au tourbillon de l’histoire ne sont pas moins magnifiques.</p>
<p>-Viktor.</p>Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-51658329828424394852014-03-19T08:45:00.000+01:002014-03-26T15:36:56.291+01:00La Vie est immense et pleine de dangers de Denis Gheerbrant (mardi 25 mars 2014, 20h30)<center><iframe src="//player.vimeo.com/video/27241536" width="500" height="400" frameborder="0" webkitallowfullscreen mozallowfullscreen allowfullscreen></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Venez découvrir ce documentaire sur le service cancérologie de l'institut Curie. Denis Gheerbrant transmet, par sa façon de filmer, son regard original sur ces enfants qu'il a choisi de rencontrer seul avec sa caméra.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-26-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 80 minutes.<br><b>Couleur</b>. <br><b>Pays :</b> France.<br> <b>Année :</b> 1995.<br> </p> <p>Rapide synopsis : <i>La vie de Cédric et de ses amis au sein du service cancérologie de l'Institut Curie à Paris. Le réalisateur les accompagne au gré de leurs combats contre la maladie, de leurs réflexions, de leurs questions et de leurs révoltes. </i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br><br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 25 mars 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>La Vie est immense et pleine de dangers</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Denis Gheerbrant</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> </br>
Le film commence par un mal de ventre du personnage principal, Cédric, 8 ans. Celui-ci se retrouve
diagnostiqué d'un cancer et plongé dans l'univers du service de cancérologie de l'Institut Curie.
Durant les 9 mois de traitement, Denis Gheerbrant le suivra, seul avec sa caméra. </br>
<p><h4>Une genèse technique ambiguë</h4></p>
<p>Bien que Denis Gheerbrant ait suivi une formation de réalisateur autant que d'opérateur, ses
premières années à la sortie de l'IDHEC furent consacrées à un travail assez solitaire, le plus
souvent dans la rue et la photographie. Il contribue ensuite au travail d'autres réalisateurs jusqu'en
1984, mais ce n'est qu'alors qu'il recommence à faire ses propres films. Dès lors Denis se démarque
par ses sujets difficiles (Amour rue de Lappe, Question d'identité): "Je titubais parfois sous le poids
du malheur des gens que je filmais." Cela ne l'empêche pas en 1992 de se présenter à l'institut Curie
avec pour but avoué de faire un film sur ce qu'il appelle "le scandale de la mort possible d'un enfant".
Il rencontre alors Cédric qui vient d'y arriver, et qui accepte de devenir le sujet d'un documentaire.</p>
<p>Cependant Denis ne plonge pas intégralement dans une volonté de réaliser un documentaire, où
plutôt s'impose pour La vie est immense et pleine de dangers de multiples contraintes. Tout d'abord il
s'occupera seul de la prise d'image et de son, caméra sur l'épaule.</p><a name='more'></a>
<p>Ensuite, il s'impose un rythme de travail semblable à celui des infirmières, passant 40h dans le
service par semaine, et prenant des vacances à leur manière. Enfin, il utilise une camera avec micro,
en bobine 16mm. En tant qu'opérateur, il est plus que conscient que c'est plus onéreux, que ces
caméras ont une plus faible autonomie et qu'il s'enlève une grande liberté dans ses prises par rapport
à la vidéo. Il ne peut pas multiplier ses prises jusqu'à ce que chaque discours lui convienne et cela se
ressent: les mots sont considérés avec soin, réfléchis même parmi de jeunes enfants.</p>
<h4>Un cadre unique et difficile</h4>
<p>La bobine n'est pas la seule limite de ce que Denis peut faire, mais comme le reste cela contribue à
rendre La Vie est immense et pleine de dangers plus émouvante qu'un documentaire traditionnel. Là
où lors de ses débuts Denis était étonné par la facilité de ses conditions de tournage, il s'impose cette
fois l'inverse. On ressent ses limites: les personnages sont aussi réels que leur maladie, et Denis n'a
pas choisit de passer 9 mois à suivre Cédric en sachant ce qui lui arriverait. L'émotion qu'il cherche à
représenter n'est pas la mort, mais la menace qu'elle laisse planer sur le service de cancérologie. De
même, Denis est restreint par le respect des vies privées. Cédric devient alors co-réalisateur du film,
choisit jusqu'où l'on peut l'observer: c'est lui qui nomme sa maladie, qui décide de montrer les
échographies de tumeur, et surtout là où Denis et son film doivent s'arrêter. La position du spectateur
qui regarde par dessus l'épaule du réalisateur n'est elle non plus pas classique: il s'éloigne ici du
cinéma classique avec le regard-caméra, mais se rapproche par là même du publique et du sujet.</p>
<h4>Une proximité dérangeante</h4>
<p>Enfin, si tout semble être fait pour que le spectateur se sente proche des patients, il joue avec
ambiguïté sur le thème de la famille et la familiarité. Tout d'abord pour Cédric qui avoue: “Je
croyais que je pouvais me passer de mes parents mais je me suis
aperçu que je ne pouvais pas m’en passer”. Le film montre effectivement l'alternance entre l'hôpital et
les séjours chez l'enfant. Le fait que le personnel soignant soit extrêmement fugitif, relégué au "off"
tant pour l'image que le son aide à laisser une place non négligeable à la vie de Cédric. Cependant,
parallèlement Denis joue sur le temps qui s'écoule durant la maladie: bien qu'à l'hôpital il se
concentre sur des gros plans dans des lits, ne laissant apparaître qu'un patient et le séparant du
monde extérieur et son évolution, il laisse deviner l'écoulement des saisons lors des retours de
Cédric et à travers les fenêtres de l'institut. Cela coïncide avec l'évolution de Cédric perdant ses
cheveux, traversant la maladie. Alors qu'il est de plus en plus enfermé dans la maladie, entre
chambre stérile et traitement, ces plans sur l'extérieur sont ses dernières ouvertures. Mais ils ne
concernent pas seulement Cédric: ils sont aussi liés d'une part au monde extérieur du spectateur, et
par opposition, associés à la mort dès le début du film car ils accompagnent l'interview de Xavier.</p>
<p>-Pierrot.</p>
Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-56208278681875821882014-03-26T09:21:00.000+01:002014-03-26T09:21:27.288+01:00Tampopo de Juzo Itami (mardi 1er avril 2014, 20h30)<center><iframe src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=19494361" style="width:480px; height:270px" frameborder="0"></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Après les westerns spaghettis, voici un western ramen. Venez (re-)découvrir un film qui donne de l'appétit.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-27-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 114 minutes.<br><b>Couleur</b>. <br><b>Pays :</b> Japon.<br> <b>Année :</b> 1985.<br> <b>Avec :</b> Tsutomu Yamazaki, Nobuko Miyamoto, Koji Yakusho .</p> <p>Rapide synopsis : <i>Une farce se tramant autour d'un restaurant de soupes de nouilles d'une jeune veuve nous fait decouvrir un Japon peu orthodoxe. Tout se renverse dans les traditions quand Goro, routier a la degaine de cow-boy, entre dans la vie de Tampopo et decide de lui montrer comment on fait une soupe de nouilles reussie. Alors que les ouvriers n'ont que dix-huit minutes pour dejeuner, Juzo Itami declare: "Les seuls plaisirs auxquels les Japonais aspirent sont la nourriture et le sexe... parfois les jeux audiovisuels..." </i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 1er avril 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>Tampopo</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Juzo Itami</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> <a name='more'></a> <p>Bientôt...</p> Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-74375075832541185712014-02-26T08:28:00.000+01:002014-03-05T15:39:12.625+01:00Artémis, cœur d'artichaut de Hubert Viel (mardi 4 mars, 20h30)<center><iframe width="480" height="270" src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=19536402" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Venez découvrir un film plein de fraîcheur en présence du réalisateur et d'un(e) membre de son équipe. La discussion sera co-animée par Antoine Héraly du Septième Continent.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-23-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 64 minutes.<br><b>Couleur</b>. <br><b>Pays :</b> France.<br> <b>Année :</b> 2013.<br> <b>Avec : Frédérique Barré, Noémie Rosset, Hubert Viel</b> .</p> <p>Rapide synopsis : <i>Un passage dans la vie d'Artémis, déesse lunaire parachutée dans le monde contemporain. Etudiante en lettres solitaire et mélancolique, sa vie bascule quand elle rencontre l'exubérante nymphe Kalie. Histoire d'une amitié foudroyante.</i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 4 mars 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>Artémis, cœur d'artichaut</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Hubert Viel</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> </br>
<h4>D’ORTIES ET D’EAU FRAICHES</h4>
<p>Après avoir loué la déesse de la Chasse, le poète grec Callimaque a rendu les armes en 240 avant Jésus-Christ. Trois millénaires plus tard, Hubert Viel, authentique Hermès de la narration, décide de bousculer la jeune femme dans son indolence neurasthénique, de l’extirper de son enlisement dans la quotidienneté ; car, comme chacun sait, « <i>l’éternité c’est long, surtout vers la fin</i> » (Plusieurs individus sont soupçonnés d’avoir commis ce trait d’esprit. Pour des motifs écologiques, nous ne pourrons pas tous les nommer ici et préférons donc n’en nommer aucun. Cependant, si vous en êtes l’auteur, n’hésitez pas à nous le signaler). Pour le messager omniscient des pauses narratives, il s’agit donc de reprendre en main la destinée d’Artémis, je dirais même plus, caméra au poing. </p>
<p>Un matin, un jardin. Super 8 lancé, Super Viel s’exprime : le mythe peut retrouver son cours. Il suffit qu’Artémis ouvre sa fenêtre pour que le relais narratif s’opère : nous resterons de son côté, à quelques exceptions près, le narrateur étant trop occupé pour endosser son rôle à temps plein, puisqu’à l’instar d’Artémis, il a plusieurs cordes à son arc : scénario, production et composition de la bande son , douce dérive psychédélique. Artémis s’émancipera peu à peu du rôle qu’elle pensait devoir accomplir : vierge effarouchée, dédaignant le commun des mortels à l’exception des enfants et des animaux, ne jurant que par les orties séchées, elle rencontre la nymphette Kalie, « <i>inconnue aux mœurs étranges mais sympathique </i>», et s’autorise une virée hors de Caen pour vivre une nouvelle matière à <i>Hymnes</i>, laquelle instaure dans la diégèse du film une ligne d’harmonie délectable entre cinéma de chambre et cinéma de plein air.</p>
<a name='more'></a>
<p>« <i>Un film se résume trop souvent à du voyeurisme enrobé dans de belles images </i>» déplorera le narracteur à la fin du film. À l’heure du diktat de la Full HD, d’un lissage presque général des images et visages, le choix du Super 8 apparaît d’emblée comme l’instauration d’une temporalité mythique -la durée d’une bobine…-, de la promesse d’un retour à l’origine. Mais, ne nous méprenons pas : ici, nulle nostalgie, l’essence de l’image cinématographique réside bien en l’<i>instant</i>, quelque part entre l’anecdote ludique (une poignée de vers grouillant dans la main d’Artémis) et le désir de suspension (une canne à pêche gracieusement lancée au ralenti). Cependant, le choix du support ne pourrait à lui seul porter l’intérêt du film : si le grain de l’image confère un charme certain, cela vaut aussi pour Artémis et Kalie qui en ont certainement « un » (au moins), de grain, et ce qui leur confère de juste épaisseur. Grain(s) sablonneux d’une plage qui devient l’espace possible d’un cocktail des genres, grains immémoriaux échappés d’un décor où Jacques Rozier aurait mis yeux et pieds, grain(s) d’humanité où les actrices et leurs personnages (à moins que ce ne soit le contraire), Artémis-Frédérique Barré et Kalie-Noémie Rosset, dépassent le rôle préconçu des jeunes filles françaises, du moins tel que le décriait Ingmar Bergman , pour que se noue avant tout le récit authentique d’une amitié fulgurante, loin d’une série de portraits poseurs. </p>
<p><b><i><center>« Les « dieux » qui sont là s’en vont, ils ne nous veulent pas parmi eux, près d’eux, ils ne veulent pas de nous. » </br> BAILLY Jean-Christophe, Le Versant animal.</b></i></center></p>
<p>La mythologie finit par s’évanouir dans un semblant de réel, non par insolence facile ou tentation de désuétude, mais bien par trop plein d’humanité, par magnétisme envers le duo féminin, leur présence immanente, la complétude de la fébrilité d’Artémis et l’explosivité de Kalie. Elles sont portées et porteuses d’un ton réjouissant, que l’on pourrait nommer burlesque lyrique, et qui, sans nous conduire au septième ciel olympien, nous plonge du côté le plus généreux du septième art: une forme réjouissante de bricolage, du côté des « Artisans du Film », un goût limpide du montage et du pouvoir cinégénique des orties. Alors oui, après tout, on peut nous « <i>laisser imaginer tout ce que nous voudrons </i>» une fois le mot FIN posé. </p>
<p>Les orties fanées finiront par retrouver leur couleur. Pas la peine d’aller à la chasse à la taupe pour avoir les yeux en face des trous. Salut, Artémis, je t’aimais bien.</p>
<p>-Claire Allouche.</p>
Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-21984268194025341322014-02-04T23:30:00.000+01:002014-03-02T14:00:39.928+01:00La Maison de la rue Troubnaïa de Boris Barnet (mardi 11 février 2014, 20h30)<center><iframe width="420" height="315" src="//www.youtube.com/embed/5hnCAULjlG8" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Une heure muette, mais une heure pleinement musicale. Paracha quitte sa campagne lointaine et débarque à Moscou avec son oie. Elle atterrit, un peu malgré elle, dans un immeule haut en couleurs, où les mouvements des uns et des autres participent d’une véritable chorégraphie du quotidien. Paracha se fait royalement exploiter par un coiffeur de l’immeuble et découvre les joies du syndicat comme alternative à sa situation. Mais c’était sans compter l’existence d’une homonyme… Le film oscille entre une symphonie urbaine au rythme effréné et un film en studio où l’on en finit pas de dévaler les escaliers. En présence d’Eugénie Zvonkine, maître de conférences à l’Université Paris VIII, spécialiste du cinéma soviétique.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-20-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 64 minutes.<br><b>Noir et Blanc</b>. <br><b>Pays :</b> Russie.<br> <b>Année :</b> 1928.<br> <b>Avec :</b> Vera Mareckaja, Vladimir Vogel, Elena Tiapkina.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Une jeune provinciale debarque a Moscou et rencontre un jeune homme de son village. Il l'amène dans son immeuble, celui de la rue Troubnaïa. Elle y est aussitôt recueillie et exploitée par le coiffeur Golikov... </i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 11 février 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>La Maison de la rue Troubnaïa</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Boris Barnet</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3>
</br><h4>La « maison », microcosme d’une cinétique urbaine</h4>
<p><i><center>« Ce qui inspire le désir nostalgique de Moscou, ce n’est pas seulement la neige avec son éclat d’étoile la nuit et ses cristaux comme des fleurs le jour. C’est aussi le ciel. Car l’horizon des vastes plaines pénètre toujours dans la ville entre des toits humiliés. C’est seulement vers le soir qu’il devient invisible. Mais alors la crise du logement à Moscou produit son effet le plus étonnant. Si l’on parcourt les rues en flânant au premier crépuscule, on voit presque chaque fenêtre dans les grandes et les petites maisons brillamment éclairées. Si la clarté qui s’en échappait n’était pas si irrégulière on croirait être en présence d’une illumination. »</center></i>BENJAMIN Walter, « Moscou », in Sens unique, Enfance Berlinoise, Paysages urbains, Éd. Maurice Nadeau, 1998, p 274.</p>
<p>
<h4>Tout est affaire de décor</h4>
<p>Paracha, jeune fille qui a grandi dans la campagne profonde, arrive à Moscou pour y tenter sa chance. C’est en tout cas ce que nous dit tout honnête synopsis au sujet du quatrième film de Boris Barnet. Pourtant, les premières minutes de La maison de la rue Troubnaia annoncent à peine la venue de son personnage principal. Ironie du sort : pour tout bagage, Paracha possède l’adresse de « la maison de la rue Troubnaia » (ou de la « place », selon les traductions) mais elle ne la trouve pas ; les moscovites lui donnent des informations contradictoires, un jeu de fondus perd le spectateur au passage. Alors, où se trouve cette « maison » ? Quelque part dans la ville ou seulement dans l’imaginaire cinématographique ? </p>
<p>Le décor préexiste doublement à Paracha, il apparaît comme la genèse de toute tentation de narration. La maison de la rue Troubnaia, avant même d’être une première image, est annoncée sur grand écran par un carton : le film a été tourné dans les studios Mejrabpom-Rouss en 1928. Ce n’est pas anodin : la Mejrabpom-Rouss, pleinement active entre 1924 et 1938, est le point de convergence entre le Secours ouvrier international et la vieille compagnie Rouss . Boris Barnet détourne les codes du « film de propagande » et ose faire du syndicalisme l’objet d’un dénouement inattendu, empreint de dérision contestataire. Il convoque ainsi le contexte politique tout en le distanciant. Dès lors, <i>La Maison de la rue Troubnaia</i> pose la question du « vivre ensemble » plus globalement. Dans les mêmes années, Walter Benjamin écrivait : «<i> Le bolchévisme a aboli la vie privée. L’administration, l’activité politique, la presse sont si puissantes qu’il ne reste plus du tout de temps pour s’occuper des choses qui ne coïncident pas avec elles. Il ne reste plus d’espace non plus. Des appartements qui jadis accueillaient une seule famille dans leurs cinq à huit pièces en abritent maintenant souvent huit. On pénètre par la porte d’entrée dans une petite ville. Plus souvent encore sur un champ de bataille. On peut buter dès l’entrée des lits. C’est le bivouac entre quatre murs, et la plupart du temps le maigre mobilier n’est que le résidu de possessions petites-bourgeoises qui paraissent beaucoup plus accablantes encore, maintenant que la pièce est misérablement meublée. </i>»
<i>Du carton au lieu, de l’écran au décor, donc ; d’emblée La maison de la rue Troubnaia annonce un jeu d’échelles, lequel est soutenu avec virtuosité par un découpage dynamique, une variation d’angles de prises de vue, et donne ainsi l’aperçu exhaustif, l’exploitation jusqu’à épuisement, de toutes les possibilités offertes par un studio, du plan de coupe à la plongée. Difficile de ne pas voir dans le décor coupé du Tombeur de ces dames (1961) de Jerry Lewis la réminiscence du film de Barnet. En effet, la cage d’escalier est la métonymie du décor de la « maison » et le réalisateur joue de la compartimentation sur un mode chorégraphique : la cohabitation de ladite maison se réalise selon un « bail(llet) » rythmique, où les mouvements se répondent autant qu’ils se complètent. Après avoir posé les étages plan par plan, Barnet laisse la caméra dévaler les escaliers. </i>
<a name='more'></a>
<h4>Sur de bons rails… De tram et de travelling</h4>
<p><i><center>« Un trajet en tram reproduit aussi en raccourci cette expérience de l’histoire mondiale dans la nouvelle Russie : comment une activité technique et une forme primitive d’existence s’entremêlent totalement. »</center></i>BENJAMIN Walter, « Moscou », in Sens unique, Enfance Berlinoise, Paysages urbains, Éd. Maurice Nadeau, 1998, p 254.</p>
<p>Un éloge de la prouesse rythmique de <i>La maison de la rue Troubnaia</i> reviendrait à enfoncer des portes ouvertes ; il est toutefois tentant de relever que la dimension burlesque se joue précisément là où le rythme déraille, dès l’arrivée de Paracha, laquelle est à contre-temps de la frénésie urbaine, au point d’engendrer, dès son arrivée, un arrêt sur image. Ainsi, la structure du film repose sur le hiatus entre décor de studio et décor en extérieur, entre une mécanique domestique et une cinétique urbaine, lesquelles ne cessent de se contaminer mutuellement dès que la jeune Paracha passe le seuil de la « maison ». </p>
<p>Dès lors, le scénario, objet de communion de cinq plumes (Bella Zorich, Anatolii Mariengof, Vadim Schershenevich, Viktor Chklovski, Nicolai Erdman), apparaît comme une partition, principe d’écriture prôné par le cinéaste et théoricien Lev Koulechov . C’est d’ailleurs lui qui a initié Boris Barnet au cinéma, à l’époque où le réalisateur de La maison de la rue Troubnaia n’était pas encore un homme de plateau mais un homme du ring . Boxe ou cinéma, l’essentiel est de garder le rythme et de viser juste. Si Boris Barnet ne semblait pas pleinement revendiquer une appartenance aux expérimentations formalistes du VGIK (« Je ne suis pas, je n’ai jamais été un homme de théories. J’ai toujours pris mon matériel dans la vie quotidienne. » dira-t-il plus tard), il est néanmoins tentant de mettre en regard des aspects de La Maison de la rue Troubnaia avec certaines des idées développées par Lev Koulechov dans ses textes, notamment celles qui concernent la relation d’interdépendance entre espace et montage. </p>
<p>En 1920, dans son manifeste <i>La bannière du cinématographe</i>, Lev Koulechov écrit : <i>« Le montage permet tout particulièrement d’approfondir un fait surprenant de la création cinématographique : l’espace terrestre crée et l’indépendance, dans le temps de la prise de vue, des parties composant une scène, liées entre elles par l’unité de temps de l’action. </i>» Cinq ans plus tard, il rédige un éloge du décorateur: <i>« L’essence réside dans la créativité du réalisateur et du décorateur : chaque chose est fondée sur la composition. Pour réaliser un film, le cinéaste doit prendre les fragments filmés séparément, désordonnés et dissociés et composer avec eux un seul tout, il doit juxtaposer ces moments séparés en une séquence avantageuse, intégrale et rythmique exactement comme un enfant construit un mot entier ou une phrase à partir de lettres séparées. » </i> Le cinéaste, à travers ses choix, se doit donc de « faire habiter les plans ».</p>
<p>Mais c’est peut-être encore davantage dans l’idée vertovienne que <i>« toute l’énergie, tous les moyens, toutes les connaissances des lois de l’espace et du temps applicables à l’art doivent être orientées dans le sens le plus intrinsèquement lié à la vie de notre époque. </i>» , que les deux hommes se retrouvent vivement et empiriquement. Vers la fin de sa vie, Boris Barnet reconnaissait que <i>« mon ambition a été aussi de montrer les hommes dans la vie contemporaine. Je n’ai ni pu, ni voulu, attendre aussi longtemps pour m’y risquer. Mais je me demande si je vivrai encore assez longtemps pour peindre vraiment l’homme. » </i> Dans La Maison de la rue Troubnaia, le cinéaste dénonce les dérives de nouveaux riches, à travers le personnage du coiffeur Golikov qui exploite Paracha, devenue femme de ménage, rase-poussière intime des murs et du parquet. </p>
<p>Et c’est à grands coups de ciseaux, en montant, littéralement et au sens figuré, que Barnet contre-attaque les injustices ; pas de victoire populaire sans une dose décente de rire. </p>
<p>-Claire Allouche</p>
Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-90753407893563530202014-02-19T06:07:00.002+01:002014-02-19T06:07:53.294+01:00La Mauvaise éducation de Pedro Almodovar (mardi 25 février, 20h30)<center><iframe src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=18362273" style="width:480px; height:270px" frameborder="0"></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Mardi 25 février, le ciné-club donne carte blanche à l'Hômonerie. Leur choix ? La Mauvaise éducation de Pedro Almodovar (2003). Un film fort et poignant, avec Gael Garcia Bernal. Projection suivie d'une discussion.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-22-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 110 minutes.<br><b>Couleur</b>. <br><b>Pays :</b> Espagne.<br> <b>Année :</b> 2004.<br> <b>Avec :</b> Gael García Bernal, Fele Martínez, Javier Cámara.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Deux garçons, Ignacio et Enrique, découvrent l'amour, le cinéma et la peur dans une école religieuse au début des années soixante. Le père Manolo, directeur de l'institution et professeur de littérature, est témoin et acteur de ces premières découvertes. Les trois personnages se reverront deux autres fois, à la fin des années 70 et en 1980. Cette deuxième rencontre marquera la vie et la mort de l'un d'entre eux.</i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 25 février, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>La Mauvaise éducation</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Pedro Almodóvar</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> <a name='more'></a> <p>Bientôt...</p> Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-15411217998570990852014-02-11T23:30:00.000+01:002014-02-12T04:31:00.331+01:00No de Pablo Larraín (mardi 18 février 2014, 20h30)<center><iframe src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=19470217" style="width:480px; height:270px" frameborder="0"></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Chili, 1988 ou comment la publicité entre dans l'histoire, et contribue à la chute du dictateur Pinochet. Sorti en 2013, ce film de Pablo Larrain a remporté le prix du film de fiction pour l’histoire du temps présent 2013, à l'occasion des Rendez-vous de l'histoire de Blois. Un débat suivra avec Christian Delage, directeur de l'Institut d'histoire du temps présent, Anne Perotin Dumon, chercheuse à l'IHTP et historienne spécialiste de l'Amérique latine, et Jean-Marie Génard, responsable cinéma des Rendez-Vous de l'Histoire de Blois.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-21-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 117 minutes.<br><b>Couleur, Noir et Blanc</b>. <br><b>Pays :</b> Chili, USA.<br> <b>Année :</b> 2013.<br> <b>Avec :</b> Gael García Bernal, Antonia Zegers, Alfredo Castro.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Chili, 1988. Lorsque le dictateur chilien Augusto Pinochet, face à la pression internationale, consent à organiser un référendum sur sa présidence, les dirigeants de l'opposition persuadent un jeune et brillant publicitaire, René Saavedra, de concevoir leur campagne. Avec peu de moyens, mais des méthodes innovantes, Saavedra et son équipe construisent un plan audacieux pour libérer le pays de l'oppression, malgré la surveillance constante des hommes de Pinochet. </i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 18 février 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>No</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Pablo Larraín</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3> <a name='more'></a> <p>Bientôt...</p> Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-22957374091294985952014-01-28T16:47:00.000+01:002014-01-29T19:35:34.008+01:00En Construccion de Jose Luis Guerin (mardi 4 février 2014, 20h30)<center><iframe width="560" height="315" src="//www.youtube.com/embed/qmkxIw9EybI" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Des immeubles du Barrio Chino de Barcelone tombent un à un. Ses habitants sont amenés à vivre dans un "non-temps", suspendus entre un passé mythique, lequel ressurgit contre toute attente, et un futur vague et assurément terne. C'est dans cette "vie dans le creux" le réalisateur espagnol José Luis Guerin s'immisce et nous embarque. Son documentaire "qui n'en est pas tout à fait un" explore avec une minutie vivante et vivifiante les récits des habitants, leurs souvenirs et leurs espoirs, à l'heure où les murs brisés permettent une véritable mise à nu. Nicolas Thévenin, co-créateur de la revue Répliques, qui consacrait son deuxième numéro à José Luis Guerin (notamment), animera une discussion à l'issue du film.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-19-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 125 minutes.<br><b>Couleur</b>. <br><b>Pays :</b> Espagne.<br> <b>Année :</b> 2008.<br> <b>Avec :</b> Juana Rodríguez Molina, Iván Guzmán Jiménez, Juan López.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Dans un quartier populaire de la ville de Barcelone, au cours de travaux de réhabilitation, il est construit un immeuble de résidence. La caméra s'attache à comprendre et connaître au travers de cette construction immobilière les habitants de ce quartier : les jeunes qui jouent au football, un vieux marin, un commis de travaux, un couple de jeunes à la dérive. Ce film nous montre comment la mutation du paysage urbain implique une modification du paysage humain d'un quartier. </i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 4 février 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>En Construccion</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Jose Luis Guerin</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3>
<br/>
<p><h4>Quartier / Habitants = Ré (novation + miniscences)</h4></p>
<br/>
<p><b>« J’aimerais qu’il existe des lieux stables, immobiles, intangibles, intouchés et presque intouchables, immuables, enracinés ; des lieux qui seraient des références, des points de départ, des sources. »</b> </p>
<p>Georges Pérec, <i>L’espace (suite et fin)</i></p>
<br/>
<p>S’en remettre à Georges Pérec pour entrer dans <i>En construcción</i>, ce n’est pas jeter un pavé dans la mare, cela revient tout au plus à enlever une brique du quartier Chino de Barcelone où José Luis Guerin a tourné. La démarche de José Luis Guerin apparaît comme celle inverse (au sens ‘mathématique’, « 1/x », et non d’opposition) de <i>La Vie mode d’emploi</i> (1978) de Georges Pérec. En effet, si le réalisateur tâche de « construire » un espace où parole et mémoire sont solidaires, à travers un goût prononcé pour l’exhaustivité et la recherche formelle, le mariage entre hyper documentation et éclosion de fiction, le rapport au « décor » les distingue. Dans En construcción, les appartements n’apparaissent pas en coupe pour des motivations esthétiques : c’est l’état de fait, car il semble bien qu’ici, dans le barrio Chino, on détruit plus qu’on ne bâtit. C’est du moins le point de vue adopté par le montage : nous ne verrons finalement qu’un seul appartement rénové, froid et sans âme, à la fin du film, alors même que les murs qui tombent donnent leur rythme au déroulement des journées. La structure du film est animée par cette tension entre disparition et résurgence, « montage et démontage », au sens le plus littéral du terme, puisque José Luis Guerin et son équipe entamaient le processus de postproduction en parallèle du tournage, respectant ainsi le précepte bressonien : « <i>Monte ton film au fur et à mesure que tu tournes. Il se forme des noyaux (de force, de sécurité) auxquels s’accroche tout le reste. </i>»
<a name='more'></a> </p>
<p><h4>Regarde les murs tomber</h4></p>
<p>Ainsi, le titre choisi par José Luis Guerin vient désamorcer l’idée d’un film à la dramaturgie toute tracée, à la temporalité installée. <i>En construcción</i> est un film « en cours », un « work in progress ». Le réalisateur lui-même établit, au-delà de leur concordance temporelle dans le film, une analogie entre la réalisation d’un film et un chantier immobilier , dans ce qu’ils impliquent tous deux de mouvement et d’adaptation. De plus, les deux sont des œuvres de commande au long cours ; <i>En construcción</i> est né dans le cadre de l’Université Pompeu Fabra où José Luis Guerin enseigne et le projet s’est étalé sur trois ans. José Luis Guerin a vécu avec les habitants du barrio Chino et considère son film comme « le résultat de ‘vivre avec’ » . </p>
<p>D’ailleurs, concours de circonstances ou simple penchant commun pour les grands ensembles, Mercedes Alvarez, la monteuse du film, qui fut étudiante de Guerin, réalise dix ans plus tard <i>Mercado de futuros </i>(2011) (« Marché d’avenirs ») où elle explore la folie fiévreuse des agences immobilières espagnoles, leurs projets urbains démesurés comme autant de dénis du passé. Encore une fois, le titre en dit long sur l’inscription temporelle du film : le marché ne remet pas au goût du jour l’idée d’un présent « au long cours », aussi le film repose sur les images virtuelles vendues toute la journée. Dès lors, « habiter » n’apparaît plus comme un fait tangible, ancré dans le quotidien, mais comme un projet sans cesse reporté. </p>
<p>Dans <i>En construcción</i>, le suivi méticuleux, qui confère la sensation de l’écoulement « d’un temps réel », n’aboutit néanmoins pas à la création d’un film descriptif et linéaire. D’une part, l’œuvre que José Luis Guerin construit depuis 1983 avec <i>Los motivos de Berta</i> est protéiforme, réalisant successivement ou mélangeant « fiction, essai, journal, lettres, notes » . De ce point de vue, <i>En construcción</i> apparaît comme la somme de cet inventaire, au nom d’une exhaustivité de thèmes qui s’approprient chacun un style propre : nous sont donnés à voir l’intimité de quelques habitants, le travail sur le chantier, quelques vagabondages dans les alentours et les vibrations des murs. D’autre part, <i>En construcción</i> se révèle être une recherche rythmique sans cesse renouvelée. Malgré la récurrence de certains plans (l’horloge-mirador qui nous donne à penser que « ici, l’espace est tout car le temps n’anime plus la mémoire. » , le quotidien du chantier…), le montage du film de Guerin explore une ‘cinétique de l’inertie’, met images et sons au service des derniers soupçons de mouvements, qu’il s’agisse d’un simple faisceau lumineux ou d’une grue qui sort de son état stationnaire. Les « portraits de vivants » , leurs récits et leurs dialogues, viennent secouer les matières brutes des bâtiments mutiques. La séquence finale va dans ce sens : le jeune couple, que l’on connaissait jusque là affalé dans un lit, s’échappe enfin du quartier, court dans la rue, s’arrête et reprend, face à nous. </p>
<p><b>« Le film désire cette humanité et l’exalte : maçon espagnol lunatique (Santiago), ouvrier marocain marxiste (Abdel), jeune tapineuse amoureuse de son jules (Juana et Ivan), vieux mythomane qui transforme sa pauvreté en richesse (Antonio, l’ancien marin. Il s’agit ici, encore, d’affabuler le monde pour rester, contre la morbidité technocratique, du seul côté qui vaille : celui de la vie. Comme le dit, dans le film, une passante devant l’excavation d’ossements mis au jour par le chantier : « On vit sur des cadavres et on ne le sait pas. »</b> </p>
<p>Jacques Mandelbaum, « Le monde rêvé de José Luis Guerin », <i>Le Monde</i>, 10/09/2008</p>
<p> <h4>"On vit sur des cadavres et on ne le sait pas" </h4></p>
<p>Dans <i>En construcción</i>, une distinction s’opère entre « les habitants » et « les vivants », de même que José Luis Guerin joue de la profondeur de champ, des farandoles de fenêtres, ou de tout type de cadre double. </p>
<p>« Même l’habitation solitaire reste ici une habitation sociale. En effet, c’est le sol qui, chez les sédentaires, médiatise la présence sociale. » La pensée de l’anthropologue de l’habitation George-Hubert de Radkowski est illustrée au pied de la lettre dans le film de José Luis Guerin. Alors même que les travaux de rénovation se poursuivent à quelques mètres de là, des archéologues, six pieds sous terre, découvrent des ossements datant probablement d’avant Jésus Christ, véritable réveil matin de plusieurs millénaires. Sol friable, ‘déconjugaison’ des temps : les habitants du quartier s’attroupent et n’en reviennent pas d’avoir été si longtemps voisins de leurs probables ancêtres. Ils vivaient « sur », voilà que la terre s’ouvre et ils se retrouvent « avec ». Ironie du sort, c’est une prétendue « maison » qui attire tous les regards, prétendue maison qui n’est autre qu’un gros morceau de pierre taillée. « Et on finit tous dans le même trou » s’exclame l’une des passantes. Les vestiges se présentent comme la projection du futur. Rénover rimerait avec vanité ?</p>
<p>Dans son dernier long-métrage, <i>Recuerdos de una mañana </i>(2011) (“Souvenirs d’un matin”), José Luis Guerin réalise une enquête saisissante dans son propre quartier après la défenestration de son voisin violoniste. Guerin l’incarne à travers une nature morte d’objets emblématiques, vanité cette fois-ci explicitée. Spectateurs habitant entre ciel et terre, sommes-nous simples locataires ? </p>
<p>-Claire.</p>
Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-42259814332302738512014-01-23T16:48:00.000+01:002014-01-24T12:32:38.802+01:00Les Apprentis de Pierre Salvadori (mardi 28 janvier 2014, 20h30)<center><iframe src="http://www.allocine.fr/_video/iblogvision.aspx?cmedia=19414098" style="width:480px; height:270px" frameborder="0"></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Pour le premier cycle de la nouvelle année, le ciné-club propose de faire avec vous un état des lieux: "chacun cherche son toit" ou l'occasion d'explorer en trois films l'interaction entre personnages et habitation. Nous vous invitons chaleureusement à notre pendaison de crémaillère le 28/01 à 20h30 avec la projection des APPRENTIS (1995) de Pierre Salvadori, en sa présence. Le film sera suivi d'une discussion avec le réalisateur. C'est donc doublement l'occasion de découvrir les mésaventures d'Antoine (François Cluzet) et Fred (Guillaume Depardieu), colocataires malgré eux dans un appartement qui ne leur appartient pas. Pour tout bagage, ils portent les maux d'un siècle finissant, tentant tant bien que mal de composer avec les petits désagréments de l'existence. LES APPRENTIS est une comédie qui explore la tendresse là où tout ne pourrait être qu'amertume et s'inscrit ainsi, avec une grande sensibilité, dans la lignée des aventures d'Antoine Doinel ! de François Truffaut.</p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-18-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 95 minutes.<br><b>Couleur</b>. <br><b>Pays :</b> France.<br> <b>Année :</b> 1995.<br> <b>Avec :</b> François Cluzet, Guillaume Depardieu, Judith Henry.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Antoine est un écrivain raté et dépressif. Fred ne fait pas grand-chose de sa vie et semble s'en contenter. Tous deux partagent un appartement et vivent de petites combines foireuses. Les aventures et surtout mésaventures de ces deux copains un brin loosers, leur permettront de s'apercevoir que l'amitié est bien la plus grande des richesses.</i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 28 janvier 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>Les Apprentis</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Pierre Salvadori</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3>
</br></br>
<p>
<center><b>Premier film du cycle « Chacun cherche son toit » :
<br />L’appartement qui ne leur appartenait pas</b></p>
<p><b>«<i> Habiter un lieu, est-ce se l’approprier ? Qu’est-ce que s’approprier un lieu ? À partir de quand un lieu devient-il vraiment le vôtre ? Est-ce quand on a mis à tremper ses trois paires de chaussettes dans une bassine de matière plastique rose ? Est-ce quand on s’est fait réchauffer des spaghetti au-dessus d’un camping gaz ? Est-ce quand on a utilisé tous les cintres dépareillés de l’armoire-penderie ? </i>»</b></br>Georges Pérec, <i>Espèces d’espaces</i> </p>
</br><b>«<i> Heureuse est la maison qui abrite un ami. Il se peut même qu’on la construise, telle une charmille en fête ou une arche joyeuse, pour ne l’accueillir que durant une seule journée. Plus heureux encore est celui qui, sachant la solennité de cette relation, en honore la loi. </i>»</b></br>Ralph Waldo Emerson
</center>
<p>Tout commence par une porte qui ne s’ouvre pas. Antoine (François Cluzet), petit brun sec, index enfoncé sur la sonnette, refuse obstinément cette barrière inerte entre lui et Valérie, la femme qui l’a quitté. Changement de palier, changement de porte, deux ouvertures légèrement décalées : Fred (Guillaume Depardieu), grand dadais blond, silhouette inconnue pour Antoine, joue le majordome de circonstance, puis, une pièce plus loin, un temps plus tard, Benoît, propriétaire endimanché et américanisé, accepte d’offrir l’asile à son ami Antoine, pour « une nuit ou deux », avant de reprendre l’avion. « <i>T’as qu’à prendre la chambre du fond.</i> » Fondus en porte à porte, la voix d’Antoine en off inonde ce petit coin de bois vert ; trois ans se sont écoulés et l’on passe enfin de l’autre côté. « <i>La porte démontre de façon décisive que séparer et relier sont les deux aspects d’un même acte. </i>» écrivait Georg Simmel un siècle plus tôt. La porte nous sépare d’un écoulement tangible du temps mais relie derrière elle deux êtres qui seront bientôt des inséparables, autant dire, de drôles d’oiseaux.</p>
<p>La séquence d’ouverture des <i>Apprentis</i> nous donne le plan du film : à une relation humaine déçue répond une solidarité inattendue, le besoin de se retrouver soi-même se corrèle à l’affranchissement du « chez soi », les petites tragédies de l’existence se donnent à palper sur le ton de l’humour. D’emblée, <i>Les Apprentis</i> s’annonce comme « <i>un film ami qui capte le large spectre du dérisoire humain, du rire aux larmes et retour. </i>» Que la visite commence ! <a name='more'></a>
<p><h4>La Providence, agence de colocation </h4></p>
<p>Antoine et Fred, qui pourraient être les enfants naturels de leurs homonymes Doinel et Moreau, n’avaient a priori aucune raison de se fréquenter, encore moins de vivre ensemble, alors, difficile d’envisager une amitié. Le partage d’un même toit et des mêmes plats de pâtes pendant trois ans fait tomber les murs de la pudeur. «<i> Combien de temps ça dure la familiarité, l'intimité avec quelqu'un qu'on ne voit plus?</i> » dit Antoine au sujet de Valérie. La question se pose à l’inverse : à partir de quand ça commence la familiarité, l’intimité, avec quelqu’un que l’on voit tous les jours sans l’avoir vraiment choisi ? Le « chez soi » ne pouvant prétendre, pour eux, à être synonyme de propriété personnelle, il se mue en espace relationnel. Comme le rappelle Jean-Paul Flamand , l’appartement est littéralement ce qui est ‘à part’, composante fragmentaire de l’immeuble et unité coupé des autres. Aussi, les jeux de porte, qui donnent au film un rythme effréné, que le montage soutien en faisant presque « claquer » l’enchaînement des plans, donne à humaniser cet espace, à le transformer en bulle mi-poisseuse mi-chaleureuse. </p>
<p><center><b>« Bon j'ai l'impression qu'il reste encore quelques affaires appartenant aux anciens locataires mais je vous propose de visiter malgré tout afin que vous ayez un aperçu des lieux. Donc nous avons une entrée avec fenêtre sur cour, un vaste salon qui donne sur une première chambre à laquelle on accède également par le couloir. Nous revoilà dans l'entrée qui donne également sur une deuxième chambre sur cour, plus vaste; 25 m2, lumineuse. »</p>[Discours de l’agente immobilière]</b>
</center>
<p>Pour « ne pas vivre seul », -comme dit la chanson -, Antoine et Fred envisagent le déménagement sans changement de configuration ; ils essaient de vivre encore un peu ensemble. Vivre à deux, c’est doubler le dénominateur d’une existence trop solitaire qui couperait définitivement des mouvements du monde mais c’est aussi doubler le potentiel d’incertitudes. Néanmoins, l’apprentissage commun de Fred et Antoine bascule de manière irréversible lorsqu’il y a changement de serrure, au moment où l’amitié n’a plus de lieu pour s’éprouver au quotidien. Une fois l’appartement quitté, Fred et Antoine font l’expérience d’un douloureux retour au monde. La précarité, qui avait au moins le mérite d’être définitive, perd de sa petite splendeur éternelle. Leur amitié les avait prémunis de quelques aléas de la vie en société : et voilà que leurs trajectoires avortées les écraseraient presque. C’est sur cette ligne que la première visite d’appartement est mise en scène : Fred découvre avec stupeur que les appartements parisiens bon marché sont dédiés aux « <i>pauvres qui ont de grosses économies</i> », Antoine qui ne rêve que « <i>d’un trois pièces avec Valérie</i> » se rêve alors dramaturge à succès. C’est alors que les nerfs d’Antoine lâchent, ce qui l’amène à faire un passage en maison de repos plutôt que dans un nouveau studio. Pour Fred, c’est le retour en arrière, le domicile parental, « <i>repeindre le débarras, laver la R5, ranger la remise</i> ». </p>
<p>À la sortie du film, Laurent Roth posait cette question : « <i>Ainsi, le mouvement du film est-il donné par cette instabilité immobilière qui est assurément le trait le plus juste de la galère moderne : comment faire des projets de vie quand le cadre lui-même n’est pas donné ? </i>» </p>
<p><h4>Se construire de toutes pièces</h4></p>
<p>« <i>Agnès, t’as un minitel ? </i>». Au-delà du charme irrésistible de ce type de répliques caduques, <i>Les Apprentis</i> apparaît comme un film générationnel qui exacerbe les angoisses existentielles de la fin du siècle dernier, comme «<i> une chronique de la petite galère moderne</i> » . La pente est douce amère, comme une descente d’escaliers en skis improvisée, de nuit. Les déambulations de deux chics types paumés, naufragés du petit matin, amis partageant un même lit, étaient déjà symptomatiques des années 80, notamment dans <i>Extérieur Nuit</i> (1980) de Jacques Bral, testament mouvant de son temps. Les années 90 semblent être animées par une volonté plus affirmée de sonder la mélancolie à travers le fait de vivre en société, la difficulté à prendre part à la « communauté des hommes », à l’heure où le mot « homme » résonne si faiblement dans le tohu-bohu de la capitale. « <i>C’est bien le même matériau humain qui turlupine Pierre Salvadori et travaille ses deux films : la coalition des solitudes contre l’âpreté des jours, le pari désespéré sur l’humour, l’amour et l’amitié comme seules issues possibles à la tragédie existentielle.</i> » </p>
<p>Plutôt que de nous donner à voir une série de visites sans lendemain, Pierre Salvadori fait des <i>Apprentis</i> un lieu de l’amitié immuable. Une séquence est particulièrement signifiante. Antoine rend visite à Sylvie, une ex copine qui se prépare à emménager chez son nouveau copain, lequel devrait arriver d’un moment à l’autre dans l’appartement. Cependant, face à l’idée de devoir sacrifier du temps pur d’amitié pour une heure de plus en compagnie de son concubin ‘à venir’, Sylvie se liquéfie, et les deux amis se réfugient dans un carton vide lorsque ledit compagnon débarque. « <i>On se croirait dans l’une de tes pièces !</i> » lance Sylvie à Antoine. Il s’agit d’une allusion aux œuvres théâtrales qu’Antoine gribouille sans réelle conviction, sans que l’on sache s’il en vient à bout. Mais, prise au pied de la lettre, cette réplique accorde enfin un « espace » à Antoine, un carton sans fioriture dans lequel on peut entrer à deux, pour peu qu’on le veuille. Après avoir habité des lieux qui ne lui appartenaient pas, Antoine se voit accordé le titre de « logeur tout terrain ». Ce bout de carton, c’est autant le symbole d’une précarité <i>ad eternam</i>, une précarité comme seul élément de fixité, que sa finale libération mentale, lui dont la mise à nu a été synonyme de fragilisation à outrance. Après une phase de dépression, Antoine trouve ainsi un soupçon de résolution dans la dialectique « habiter et vivre ». <i>Les Apprentis</i> s’achève en extérieur, sur un banc public sans amoureux qui se bécotent ; la résurgence de l’amitié confère un dernier éclat lumineux. </p>
<p>Deux films français contemporains des <i>Apprentis</i> abordent également la conjonction d’une neurasthénie générale à des questions profondément sociales. En 1995 sort également <i>L’Âge des possibles</i> de Pascale Ferran, film choral « hyper générationnel » où onze personnages d’une moyenne d’âge de vingt-cinq ans composent avec la vie à un moment où l’horizon des possibles de l’existence tend à ressembler à un encéphalogramme plat. La caméra nous fait butiner d’appartement en appartement, comme autant de bulles d’existence sur le point d’éclater. «<i> Aujourd’hui, tout le monde a peur. De pas trouver de travail. De perdre son travail. De mettre des enfants au monde dans un monde qui a peur. De ne pas avoir d’enfants à temps. Peur de s’engager. D’attraper une maladie. De passer à côté de la vie. D’aimer trop. Ou trop peu. Ou mal. Ou pas du tout. </i>» nous dit-on en prélude. En 1998, Jean-Claude Guiguet réalise <i>Les Passagers</i>. Le film ne tient qu’à une ligne… de tram, microcosme où se frôlent les trajectoires de vie des passagers. Nous mettons du temps à franchir le seuil du premier appartement, le film s’attachant à creuser l’exacerbation de questions existentielles dans la sphère sociale. La séquence finale, magistrale, est tournée dans un « non lieu », une pièce noire, où les personnages tutoient tour à tour le spectateur pour lui demander « où est passé l’homme », et s’il existera encore demain. « <i>Votre bonheur est ailleurs </i>» dit l’agente immobilière des <i>Apprentis</i>, sur un ton de compassion. Dans ces trois films, les personnages sont confrontés à la difficulté de se sentir « hommes » dans une ère où le « chez soi » spirituel apparaît comme superfétatoire, où l’authenticité des relations humaines est altérée par un perpétuel désir de rentabilité, où les élans d’accomplissement se retrouvent enfermés entre quatre murs. Et vivre « pour soi avec les autres », c’est se retrouver « à part », avec ou sans appartement. Trois films, qui, en adoptant chacun une structure narrative et un ton propres, nous amènent à repenser notre « passage ici-bas », volets clos ou fenêtres grandes ouvertes. </p>
<p>Dans <i>L’Amitié</i>, Ralph Waldo Emerson écrit que «<i> nous avons bien plus de tendresse qu’on ne le dit </i>». Et c’est cette tendresse-là que Pierre Salvadori entretient à travers ses personnages qui vaut aux <i>Apprentis</i> son incorruptible authenticité, cette magie résolument juste dans la mise en scène des relations humaines. Une fois qu’Antoine quitte la maison de repos, une scène éclair apporte à nouveau un peu de lumière : il s’endort sur l’épaule d’une inconnue, dans le métro. Dans le cadre d’un projet artistique, « <i>I felt like I know you </i>», la new-yorkaise George Ferrandi a expérimenté la chose en feignant à répétition ce simple geste d’abandon. Elle explique qu’elle voulait briser l’espace social et rétablir un soupçon de contact humain, dans des lieux qui n’ont plus rien de « commun » . Comme si vivre en société revenait, finalement, à jouir du statut de « colocataire permanent du commun des mortels ». Après avoir vu <i>Les Apprentis</i>, un film qui vous habite pour longtemps, à nous de faire sauter les verrous !</p>
<p>-Claire Allouche.</p>
Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-90814310500874929002014-01-14T22:50:00.001+01:002014-01-24T11:10:20.125+01:00Chronique d'un été de Jean Rouch, Edgar Morin (mardi 21 janvier 2014, 20h30)<center><iframe width="420" height="315" src="//www.youtube.com/embed/dhmAVJ4_x0Y?rel=0" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p>Êtes-vous heureux ? <br>Si cette question trouvera pour vous sa réponse après la séance du Ciné-Club, c'est bien parce que vous aurez entendu Jean Rouch et Edgar Morin la poser dans <i>Chronique d'un été</i>. <br>Au fil de l'été 1960, le cinéaste-anthropologue et le sociologue arpentent Paris et, au gré des rencontres, cherchent à capter l'essence de l' "air du temps". Film incontournable du cinéma-vérité, d'une influence notable sur les jeunes Turcs de la Nouvelle Vague, il est encore éclatant d'actualité… Et résonne finalement une question et une seule : qu'est-ce qu'être humain ? <br>Céline Gailleurd et Olivier Bohler, réalisateurs du documentaire <i>Edgar Morin, l'image absorbe le monde</i> (en tournage, Nocturne Productions) seront présents pour une discussion à partir de projection d'extraits à l'issue de la séance. </p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-16-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 90 minutes.<br><b>Noir & Blanc</b>. <br><b>Pays :</b> France.<br> <b>Année :</b> 1961.<br> <b>Avec :</b> Régis Debray, Marceline Loridan-Ivens, Marilu Parolini.</p> <p>Rapide synopsis : <i><i>Paris, été 1960, Edgar Morin et Jean Rouch interviewent des parisiens sur la façon dont ils se débrouillent avec la vie. Première question : êtes-vous heureux ? Les thèmes abordés sont variés : l'amour, le travail, les loisirs, la culture, le racisme etc. Le film est également un questionnement sur le cinéma documentaire : cinéma-vérité et cinéma-mensonge. Quel personnage jouons-nous devant une caméra et dans la vie ?</i></i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 21 janvier 2014, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>Chronique d un été</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Jean Rouch, Edgar Morin</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3>
</br>
<center><b><i>« Si toute la vie complexe de bien des gens s’écoule inconsciemment,
c’est comme si cette vie n’avait pas lieu. »</i></b> </br>CHKLOVSKI Victor, <i>L’Art comme procédé</i>, Éd. Allia, Paris, 2008.</center>
</br>
<h4>L'été, d'où vient -il ?</h4>
<p>Paris, 1960. Premier été d’une décennie nouvelle. Deux jeunes hommes, -« jeunes » si l’on considère que l’âge se lit dans l’éclat du regard-, partagent leur saison entre un vaste appartement peuplé de bouteilles vides et les rues grouillantes de passants pressés. Ils s’appellent Edgar Morin et Jean Rouch. Alors même qu’ils fréquentent tous deux le CNRS, ils se sont rencontrés au Jury du Festival de Film Ethnographique et Sociologique de Florence un an plus tôt. En 1960, le sociologue Edgar Morin a trente-neuf ans et déjà plusieurs ouvrages à son actif, parmi lesquels <i>Le Cinéma ou l’Homme imaginaire</i> (1956, Éd. de Minuit) et <i>Les Stars</i> (1957, Éd. Le Seuil). Jean Rouch, quarante-trois ans au compteur, a déjà réalisé une quinzaine de courts-métrages en Afrique, dont le plus marquant est sans doute <i>Les Maîtres Fous</i> (1955). La pratique de la transe fait vaciller l’objectif de la caméra et la dernière occurrence de la voix-off questionne autant le statut d’Européen que la place du spectateur . L’expérimentation d’une forme cinématographique en adéquation totale avec les mouvements des hommes qu’il filme est au cœur de ses deux premiers longs-métrages : <i>Moi, un noir</i> (1957), où de jeunes Nigériens s’expriment spontanément en off sur le montage image de leurs pérégrinations dans Treishville, et <i>La Pyramide humaine</i> (1960), où les élèves d’un lycée d’Abidjan (dont Landry et Nadine, que l’on retrouve dans <i>Chronique d’un été</i>) jouent des rôles proches de leur réalité, pour questionner, dans un élan d’authenticité, l’amitié possible entre Français et Africains. <a name='more'></a> Le cinéma de Jean Rouch annonce un nouvel horizon des possibles cinématographique qui ne manquera pas d’inspirer les Jeunes Turcs de la Nouvelle Vague. Dans <i>Les Cahiers du cinéma</i> en 1961, Michel Delahaye fait part de son admiration sur plus de dix pages et conclut ainsi son texte : «<i> Un cinéma est né, où vie et film se renvoient leur image, du même au même et du même à l’autre. Rouch n’a eu l’ambition ni de refléter, ni de recréer le réel ; simplement, il a su l’accepter dans sa complexité, accepter le reflet du film sur le film et la réintégration de ce reflet composite dans le film.</i> » Voilà qui pourrait faire office de synopsis de <i>Chronique d’un été</i>. </p>
<p><h4>Comment vis-tu : toi, ici, maintenant ?</h4></p>
<p>Paris, 1960, disions-nous. Les juke-boxes rutilants, les cafés fumants, … Autant d’images éculées que l’on pourrait s’attendre à retrouver dans un film où il est question de capter l’air du temps. Mais ce ne sont ni les manifestations de la jeunesse, ni les instants vainement éparpillés qui intéressent Jean Rouch et Edgar Morin. Leur curiosité intellectuelle et humaine les mènent vers un « <i>cinéma qui permet d’entendre la parole </i>», quitte à ce que celle-ci fissure l’image de prospérité des Trente Glorieuses. </p>
<p>Cette parole est l’affaire de trois temps qui ne cessent de s’entremêler. <b>Premier temps</b> : le recueil de la parole d’inconnus, par le biais de micros-trottoirs, menés consciencieusement par Nadine et Marceline. Pour susciter une réaction personnelle et existentielle, Edgar Morin, qui s’intéressait aux conditions de vie matérielles et morales des parisiens, avait initialement envisagé la récurrence d’un : « <i>Comment tu débrouilles avec la vie ?</i> », lequel s’est mué en le légendaire « <i>Êtes-vous/Es-tu heureux ?</i> ». <b>Deuxième temps</b> : le suivi pas à pas, en un été temps réduit, de quelques trajectoires de vie, notamment celles d’Angelo, tourneur chez Renault, Marilou, secrétaire (… aux <i>Cahiers du cinéma</i> !), Landry, Ivoirien, bachelier depuis peu, Jean-Pierre et Régis (Debray !), étudiants en philosophie… ainsi que Nadine et Marceline, qui voient ainsi les points d’interrogation changer de direction. <b>Troisième temps</b> : la parole analysée, laquelle engendre un moment de repli, suspend le film en cours pour mieux en assurer l’avancée.</p>
<p>Ce troisième temps est l’affaire des première et dernière séquences où Edgar Morin et Jean Rouch s’expriment sur leurs aspirations et déceptions, mais aussi d’un repas bien arrosé où la question de l’Algérie surgit sans crier gare, et surtout, de la séance de projection d’images du film auxquelles réagissent les différents « protagonistes ». Cette séquence est cruciale pour deux raisons au moins. D’une part, cette séquence exploite l’un des fondements méthodologiques de l’anthropologie visuelle, à savoir faire réagir le sujet à sa propre image, dans son environnement propre. Cela n’est pas anodin, puisqu’il s’agit du premier long-métrage tourné par Jean Rouch « hors Afrique » ; l’art du cinématographe n’a pas plus de mystères à Treishville qu’à Paris… Et l’expérience du « moi » est dépendante de l’expérience de « l’autre », qu’il soit d’un autre continent… ou d’un autre écran. D’autre part, il s’agit d’une « méta-séquence », puisque les personnages que nous connaissions jusque là à travers le filtre de la captation de leur quotidien et de leur parole, mettent cette familiarité entre parenthèses, le temps d’en parler. Dans <i>Le Cinéma ou l’homme imaginaire</i>, Edgar Morin abordait déjà le cinéma comme lieu privilégié et intrinsèque à l’expérience du double, l’amenant à parler de « l’alter ego et de l’ego alter » . Autant dire qu’il s’agit d’un point de rencontre et de tension entre le film regardé et le film regardant ; pour reprendre la formule aphoristique de Serge Daney, force est d’admettre qu’à ce moment précis, <i>Chronique d’un été</i> est « <i>un film qui nous regarde</i> » . Cette idée peut même nous amener à ajouter un exposant à la dimension réflexive de la séquence, puisque nous, humbles spectateurs, regardons les personnages se regarder et être regardés. « <i>Tutoyer le spectateur</i> » , telle était l’ambition explicitée par Edgar Morin ; nous qui croyions suivre Angelo à son insu depuis une heure, voilà qu’il nous regarde droit dans les yeux, conscient de son image qu’il vient de voir projetée. Cette séquence jette résolument le trouble sur la concordance des temps : les « personnages » ont-ils vu la même chose que nous, à savoir le montage de la première heure du film montée ? Ou ont-ils assisté à une projection de rushes, dont nous n’aurons pas connaissance ? Dès lors, que vaut leur parole, surtout, que dit-elle ? Alors que, jusque là, le film semblait être constitué d’un amoncellement d’instants consciencieusement captés et montés, cette séquence apparaît comme une mise à distance avec l’apparente évidence du défilement des images. </p>
<p><h4>Renouveau formel, impact générationnel</h4></p>
<p>La condition ouvrière, la société de classes, la guerre d’Algérie, la décolonisation de l’Afrique subsaharienne, l’absence de liberté dans la vie professionnelle, … autant de thèmes abordés dans <i>Chronique d’un été</i> qui auraient bien valu qu’Edgar Morin sous-titre le film <i>L’Esprit du temps</i>. Le co-réalisateur reconnaît que la réussite du film, « <i>c’est son historicité </i>» . Historicité d’autant plus manifeste qu’elle ne passe pas par une voix-off ajoutée en postproduction, mais par l’éloge perpétuel de l’événement « en cours ». Regard à l’affût, Jean Rouch initie une nouvelle matérialisation de caméra-stylo, laquelle avait été théorisée par Alexandre Astruc quinze ans plus tôt : « <i>Je prends des notes et mon carnet de notes s’appelle une caméra. Au cours d’un été crucial (en politique nationale et internationale) ma caméra a noté la vie, les réactions, la recherche du bonheur de quelques parisiens.</i> » Aussi, le mouvement impliqué par la démarche formelle de <i>Chronique d’un été</i> est indissociable d’une émancipation technique. En effet, si certains films du cinéma-direct et de la Nouvelle Vague ont permis un allègement des caméras et la possibilité de tourner en extérieur plus facilement, ils n’ont pas assuré la synchronisation de l’image et du son pour autant. Michel Brault, pionnier du cinéma-direct canadien et opérateur sur <i>Chronique d’un été</i> inaugure pour l’occasion un prototype de caméra 16 mm ultra-légère (la Coutant-Mathot) avec prise de son synchrone, le Nagra ; Jean Rouch dira de lui qu’il a « <i>inventé la caméra qui marche</i> » . De ce parti pris de tournage découle une esthétique « <i>comme la vie même</i> » , pour reprendre les termes de Jean Rouch, considéré par Morin comme un « <i>scaphandrier qui plonge dans un milieu réel (…) qui accepte la maladresse, l’absence de relief du son, l’imperfection de l’image. En acceptant de perdre une esthétique formelle, il découvre des terres vierges, une vie qui possède en elle-même ses secrets esthétiques. </i>» </p>
<p>« <i>Ce qu’il faut interroger précisément, c’est ce phénomène étonnant où l’illusion de réalité est inséparable de la conscience qu’elle est réellement une illusion, sans pour autant que cette conscience tue le sentiment de réalité.</i> » Le parti pris esthétique repose ainsi sur l’aventure qui consiste à descendre dans la rue (le dernier photogramme est d’ailleurs un trottoir mouillé…) et se prolonge dans les choix de montage. Nous pouvons effectivement noter une volonté de ne pas lisser les faits et d’adopter rythme et style propres à chaque personnage, chaque situation, qui, à l’échelle de la totalité du film, nous font frôler la discordance et l’arythmie, une forme d’impureté structurelle qui fait corps avec les méandres de l’existence. Certes, <i>Chronique d’un été</i> est un film qui laisse la parole se déployer : mais l’ambition est avant tout de nous immerger dans une parcelle de flux quotidien. En atteste la séquence en usine, où chaque plan est coupé avant que le geste ne se répète, sans un mot. <i>Chronique d’un été</i> est un éloge de l’ellipse, un film qui en contient une infinité : parce que les dix-sept heures de rushes (même si seules six étaient véritablement viables selon Edgar Morin) offraient une quantité phénoménale de combinaisons mais aussi parce que chaque moment filmé suscite l’attrait du hors champ. Il s’agit d’une véritable archéologie du présent sans que le curseur qui sépare le tournage du montage soit rendu visible. </p>
<p>Par ailleurs, il est important de noter que, si les Jeunes Turcs de la Nouvelle Vague font de la <i>Politique des auteurs</i> la condition <i>sine qua non</i> d’appréciation des films, Jean Rouch et Edgar Morin se présentent davantage en tant qu’expérimentateurs soucieux d’inclure les propositions de leur entourage au processus créatif qu’en tant que metteurs en scène forts de leur personnalité (idée qu’il faut toutefois nuancer à la lumière du colossal travail de montage impliqué par les dix-sept heures de rushes accumulées). Ainsi, Jean Rouch ne manque pas de déléguer son statut d’anthropologue au jeune Landry, promu ethnologue officiel de la Croisette l’espace de quelques plans. Sur proposition de Rouch et Morin, Marceline met elle-même en scène la lettre à son père , passage d’autant plus fort qu’il n’est pas tout à fait synchrone, et que la caméra effectue pour dernier mouvement un travelling anti-Kapo , opérant un hiatus poignant entre une parole de plus en plus intime et une silhouette qui rétrécit, entre cheminement de la pensée intérieure et avancée dans des lieux communs. </p>
<p><h4>Humain, jamais trop humain</h4></p>
<center><p align="right"><b>CHŒUR : « Homme ! il est d’autres hommes</br>
Échange avec l’homme</br>
La parole amicale</br>
Et le cri de combat. »</b></br>
DESNOS Robert, « Cantate pour l’inauguration du musée de l’Homme », in <i>Fortunes</i>.</p>
« <i><b>Un homme, aujourd’hui, qu’est-ce qu’un homme ? </b></i>»
</br>Un invité à la table de Rouch et Morin</center></br>
<p>C’est dans une allée déserte du Musée de l’Homme, traversée par la lumière de fin d’été, que Jean Rouch et Edgar Morin « font le point final » de leur <i>Chronique</i>.
</br></br>
- JEAN ROUCH : Nous avons voulu faire un film d’amour… Et c’est finalement un film de réactions, pas forcément sympathiques.
</br>
- EDGAR MORIN : Oui, c’est la difficulté de communiquer quelque chose…
<p>La difficulté, oui, de donner à voir en une heure et demie toutes les nuances de l’appartenance à la « communauté des hommes »… Face à la déception des deux meneurs de jeu, on peut considérer <i>Chronique</i> comme un film à refaire, perpétuellement, d’un été l’autre. On peut le considérer comme un objet qui déborde de son cadre, l’excroissance prometteuse d’un art jeune de cent dix-huit ans qui n’en finira pas de s’accorder au présent, des deux côtés de l’écran. «<i> Le cinéma ne peut-il être un des moyens de briser cette membrane qui nous isole chacun les uns des autres dans le métro ou dans la rue, dans l’escalier de l’immeuble ? </i>» </p>
L’art pourrait donc résolument être ce qui rend la vie plus intéressante que l’art. Heureux ?
</br></br>-Claire Allouche.
Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-40681869919662348822013-09-12T22:42:00.001+02:002014-01-16T16:07:09.355+01:00The Party de Blake Edwards (mardi 17 septembre 2013, 20h30)<center>
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="//www.youtube.com/embed/IOGx3P5THJs" width="560"></iframe><br /><i>Bande-annonce du film.</i></center>
<br />
Le ciné-club revient ! <br />
La saison commence dans la bonne humeur avec la comédie américaine de Blake Edwards...<br />
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<img border="0" height="400" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-1-thumbnail400.jpg" width="283" /></div>
<br />
<b>Durée </b>: 99 minutes.<br />
<b>Couleur</b>. <br />
<b>Pays :</b> USA.<br />
<b>Année :</b> 1969.<br />
<b>Avec :</b> Peter Sellers, Claudine Longet, J. Edward McKinley.<br />
Rapide synopsis : <i>Hrundi V. Bakshi, un acteur indien, est engagé par un studio hollywoodien pour interpréter un soldat indigène dans un remake de Gunga Din. Faisant preuve d'une terrible maladresse, il fait exploser un coûteux décor.
Exaspéré, C.S. Divot, le producteur, demande à ce que le nom de Bakshi soit inscrit sur une liste noire. Mais suite à un quiproquo, le comédien indien se retrouve en fait invité à la soirée annuelle du studio... </i><br />
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Et pour résumer :</div>
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<div class="Apple-style-span" style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align: center;">
<b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 17 septembre 2013, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br />
<span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir ou revoir</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="color: purple; font-size: x-large;"><b>The Party</b></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="color: purple; font-size: x-large;"><span style="font-size: large;"><b>de Blake Edwards</b></span></span> </div>
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<br />
<h3>Proposition d'analyse</h3>
<h4>DRÔLE D’OISEAU</h4><p>Rares sont les films dont l’argument narratif ne tient qu’à une bride de sandale, un simple bout de cuir défait, lequel rime instantanément avec «effet». Il suffit que Peter Sellers -alias Hrundi V. Bakshi- remette en place la lanière de sa chaussure de figurant pour anéantir une superproduction hollywoodienne.</p><p><i>«Get off of my set, get off of my picture!»</i> menace le réalisateur, d’une voix fébrile. Radié des plateaux pour avoir détruit en une fraction de seconde un somptueux décor extérieur, Hrundi V. Bakshi laisse ainsi son costume de figurant au vestiaire. Un film de perdu, donc ; mais, de ce starter explosif, c’est aussi un film de lancé. Que <i>The Party</i>commence !</p><p>En effet, un autre réalisateur, et pas des moindres, donne une seconde chance à Hrundi V. Bakshi : Blake Edwards propulse Peter Sellers – précieux complice depuis <i>The Pink Panther</i> (1963) - comme une boule de flipper sur un nouveau terrain, la villa ultramoderne d’un producteur richissime.</p><p>Dès lors, le film devient la captation fascinante de l’agonie d’un décor, le compte- rendu pas à pas du court-circuitage d’un huis clos. Si Hrundi V. Bakshi, dernier nom sur la liste noire, est censé être celui qu’on ne doit plus voir, il devient l’élément central de la narration, un corps sur lequel glisse l’espace, celui qui nous donne tout à observer; il devient le regard sur lequel chaque pan de (ré)action se raccorde.</p><a name='more'></a><p>Pour ne pas perdre pied, suivez donc le guide, même si ce dernier ne connaît que le hors piste, au point de se muer en éclaireur de hors champ. Il déambule et cueille d’une moue radieuse les solitudes éparpillées, les silhouettes qui se meuvent sous les lumières artificielles : le cow-boy en vacances, la starlette italienne, la danseuse effrénée, le serveur à l’ardeur éthylique, la douce French girl. Oui, eux aussi sont de la partie ; mais ces invités d’honneur font-ils vraiment la fête ? Silhouettes ultra dessinées, toutes sur un pied d’égalité, ces présences fantoches paraissent faire partie des meubles.</p><h4>... QUI D’UN COUP D’AILE FAIT TOMBER LES BARREAUX.</h4><p>Peter Sellers a beau avoir troqué l’accent <i>frenchy</i> de l’inspecteur Clouseau contre une prononciation indienne (le fameux « Birdy num num » en est le point culminant), on ne peut s’empêcher de revenir à l’Hexagone, de penser à un confrère français, Monsieur Hulot.De la demeure hollywoodienne délirante à la villa Arpel de <i>Mon Oncle</i> (1958), il n’y a qu’un pas ; et de la scène de restaurant dans PlayTime (1967) à celle du dîner dans The Party, il n’y a qu’un plat.</p><p>Alors, mécanique du burlesque oblige, la rencontre entre corps et décor fait des étincelles. Parce que sophistiquée jusqu’à l’absurdité, cette maison est condamnée à s’émietter. Un démiurge semble même l’avoir conçu dans cette unique visée ; chaque objet mis à nu est une brique enlevée à l’édifice, chaque coin dévoilé un mur porteur qui tombe. Le découpage de The Party paraît procéder selon cette même logique soustractive : chaque nouveau plan participe de l’élaboration d’une carte globale du décor dans le même temps qu’elle l’autorise à se déchirer ; car chaque nouveau plan est
l’affaire du point de vue de Hrundi V. Bakshi donc synonyme d’une destruction imminente.</p><p>
Ainsi, The Party apparaît comme la manifestation de la maîtrise jouissive de Blake Edwards. En provoquant, dans l’éclat d’une partition de gags, l’écroulement littéral du rêve hollywoodien, il fait figure d’une liberté délectable, s’affranchit de la pression du traditionnel cinéma de studio. Une fois toutes les portes ouvertes, une fois les derniers murs tombés, The Party finit enfoui sous la mousse, la pellicule tourne au blanc, l’écran retrouve son heureuse nudité originelle avant que le petit matin, et ce qu’il confère de soudain désenchantement, ne lui redonne quelques couleurs.</p><p>Des bulles plein les yeux et la bouche, du saxophone plein les oreilles ; nul doute que l’euphorie permissive des sixties finissantes de <i>The Party</i> est une occasion de prendre son pied. Mais, en sortant de la salle, de l’obscurité, prenons garde à l’endroit où l’on va le poser... À tout moment, la party menace de recommencer.</p><p>Claire.</p>Le ciné-clubhttp://www.blogger.com/profile/11388740335464975262noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-2783128287964086785.post-39461342886930183472013-10-02T00:15:00.001+02:002014-01-16T16:06:38.162+01:00Affreux, sales et méchants de Ettore Scola (mardi 8 octobre 2013, 20h30)<center><iframe width="560" height="315" src="//www.youtube.com/embed/fCdzzo5QkdI" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br><i>Bande-annonce du film.</i></center> <br> <p></p> <div class="separator" style=float:left; text-align: center;"> <img border="0" height="400" width="283" src="http://www.cof.ens.fr/cineclub/blogImages/2013-2014/affiche-4-thumbnail400.jpg" /></div> <br><p><b>Durée </b>: 111 minutes.<br><b>Couleur</b>. <br><b>Pays :</b> Italie.<br> <b>Année :</b> 1976.<br> <b>Avec :</b> Nino Manfredi, Francesco Anniballi, Maria Bosco.</p> <p>Rapide synopsis : <i>Dans un bidonville de Rome surplombant le dôme du Vatican, une famille d’une vingtaine personnes s’entasse dans un taudis sordide. Ils vivent de larcins et de tapin, et de l’espoir de dépouiller l’avare et brutal patriarche, Giacinto (Nino Manfredi) d’une liasse d’un million de lires – son indemnité pour un œil crevé à la chaux vive...</i></p> <p style="text-align:justify">Si vous souhaitez être tenu-e-s au courant de nos prochaines séances, <b><a href="mailto:sympa@lists.ens.fr?subject=subscribe%20cineclub-informations@ens.fr" title="Abonnez-vous par mail !">rejoignez notre liste de diffusion [cine-info]</a></b> ou ajoutez-nous en amis sur Facebook.</p> <br><br> <p style="text-align:center;">Et pour résumer :</p> <center style="text-align: justify;"> <div style="border-bottom-color: grey; border-bottom-style: solid; border-bottom-width: 1px; border-left-color: grey; border-left-style: solid; border-left-width: 1px; border-right-color: grey; border-right-style: solid; border-right-width: 1px; border-top-color: grey; border-top-style: solid; border-top-width: 1px; padding-bottom: 5px; padding-left: 5px; padding-right: 5px; padding-top: 5px; text-align:center;" class="Apple-style-span"> <b><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">Rendez-vous le mardi 8 octobre 2013, 20h30</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: medium;">en salle Dussane, au 45 rue d'Ulm</span></b><br /> <span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-size: large;">pour voir et revoir</span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><b>Affreux, sales et méchants</b></span><br /> <span class="Apple-style-span" style="font-size: x-large; color:orange;"><span style="font-size: large;"><b>de Ettore Scola</b></span></span> </div> </center> <br> <h3>Proposition d'analyse</h3>
<h4>Esthétique de l’horrible</h4><p>Ils se trompent, crient,
mangent, se violentent. Scènes de vie après
scènes de vie, les corps dégoulinent de chair,
ingurgitent et régurgitent, se saoulent, satisfont
comme des bêtes leurs pulsions sexuelles. Le
spectateur oscille entre sourire et haut-le-cœur,
entre rire et malaise. Ettore Scola joue en effet
sans vergogne d’une esthétique de l’horrible,
d’une fascination des « monstres » - comme une
libération de la face inavouable de l’homme.
On pense aux Monstres de Dino Risi, qui, sans
atteindre le comble d’enflure grotesque des
personnages de Scola, sont souvent « affreux,
sales et méchants ». Son film s’inscrit donc dans
une tradition cinématographique italienne, mais
aussi dans une tradition théâtrale et picturale
bien plus vaste et bien plus ancienne. On pense
au monstrueux Ubu de Jarry. On pense aux
corps outranciers, entrelacés, entassés, mutilés,
diaboliques de Jérôme Bosch. Le film assume aussi
un certain héritage burlesque, celui de Chaplin et
Keaton, comme en témoignent les diverses scènes
d’empoignade : on retiendra celle où Giacinto
frappe la tête de son épouse moustachue contre
la table de la cuisine, et où un garçonnet, tout en
restant plongé dans ses devoirs, tend à sa mère un couteau de cuisine. </p><a name='more'></a><h4>Virtuosité de la mise en scène</h4><p>Cette esthétique
de l’horrible est servie par la virtuosité de la mise en scène. Les panoramiques et les plans-
séquences sont à souligner tout particulièrement.
La pièce unique du taudis de cette affreuse famille
est à plusieurs reprises parcourue par de longs
panoramiques, qui lui permettent d’englober de
multiples et grotesques situations quotidiennes.
Le décor est lui aussi remarquable, construit par
son décorateur Ricceri sur une colline avec vue
sur la coupole du Vatican. Le film est en outre
servi par l’éblouissante interprétation de la star
Nino Manfredi, et de son inoubliable masque de
défiguré.</p><h4><i>King Lear</i> à Rome</h4><p>Le personnage qu’il incarne
manifeste d’ailleurs tout au long du film une
volonté de survie qui l’élève au rang de ces
criminels shakespeariens – Richard III, Mac
Beth – qui, accrochés à leur couronne, évoluent
dans un univers sanglant, hystérique et violent.
Scola revendique lui-même cette filiation
shakespearienne : "<i>Giacinto [est une] sorte de
Roi Lear du coin </i>". Comme King Lear, Giacinto est
un roi solitaire trahi par ses propres enfants. Il
déclare : <i>« Personne ne m'aime, je suis seul comme
un chien </i>». Il a aussi, pour résumer ses relations
conflictuelles avec les siens, cette inoubliable
remarque : <i>"La famille, c'est comme la merde, plus
c'est proche, plus ça pue"</i>.<h4>Réalisme</h4><p>Aux côtés de la star Manfredi, Scola a
choisi de placer des acteurs non professionnels,
habitants les bidonvilles, dont les "trognes"
crèvent l'écran. La zone du tournage fut en effet
véritablement occupée jusqu'en 1977 par des
bidonvilles de chômeurs et d’ouvriers venus
du Sud. Dans un premier temps, Ettore Scola
comptait d’ailleurs tourner un documentaire sur ces bidonvilles – les "borgate" –, dix ans
après <i>Accattone</i> de Pier Paolo Pasolini. Ces
borgate abritaient plus de 800 000 habitants et
s'étendaient sur plus de 13000 hectares.</p><h4>Pasolini</h4><p>Cette idée avait beaucoup plu à Pasolini,
qui avait accepté d'en tourner une sorte de
préface, mais son assassinat en novembre 1975
l’en empêchera. Pasolini comptait y décrire la
transformation du sous-prolétariat au contact de
la société de consommation entre 1962 (date de
ses films : <i>Accattone</i> et <i>Mamma Roma</i>) et 1975.
Et de fait, Scola se situe bien loin du paternalisme
bienveillant de De Sica (<i>Le voleur de bicyclette</i>,
<i>Miracle à Milan</i>), de l'idéologie progressiste du
néo-réalisme ou de la bienveillance catholique. Il
se défend néanmoins d’avoir réalisé un film contre
les pauvres : il soutient au contraire, comme
Pasolini, mais avec une drôlerie cruelle, que les
pauvres sont ce que nous en avons fait. Il fait
le constat nihiliste et furibard des méfaits de la
société capitaliste sur les pauvres.</p><h4>Polémiques</h4><p>Cela n’empêcha pas les
controverses. Scola fut fustigé par les catholiques
et par la démocratie chrétienne au pouvoir :
son film est en effet une accusation en image
de l’inutilité voire des mensonges des bons
sentiments chrétiens, puisque à l’écran le comble
du sacré (la basilique Saint-Pierre) n’empêche
en rien le profane le plus abject (le bidonville).
De plus, la scène du baptême est d’une cynique
irrévérence, puisque Giacinto, ouvertement bigame, déclare au prêtre "renoncer à Satan qui
est l'auteur du péché", tandis que l'un de ses fils
fracture les caisses de l'Eglise et qu'un gamin fait
flotter un bateau dans le bénitier ! Mais le film
fut aussi attaqué par la gauche qui l'accusa de ne
faire émerger à aucun moment l'idée de rébellion
ou la conscience de classes. Malgré son Prix de la
Mise en Scène à Cannes (1976), <i>Affreux, sales et
méchants</i> fut un monumental échec commercial.</p><h4>Une bien fragile place pour la pureté</h4><p>Au milieu
de toute cette puanteur, les enfants incarnent
une innocence menacée. Une jeune fille, presque
encore une enfant, – tendre et émouvante dans
ses bottes en plastique jaune – les cadenasse tous
les matins dans une aire de jeux grillagée. Prison
ou protection ? Scola filme avec tendresse leurs
petits visages et leurs jeux innocents, qui sont
autant de bouffées d'air pur dans celui, vicié, des
borgates. Des séquences parfaitement poétiques,
qui contrastent avec les scènes de violence
quotidienne. Le pessimisme de Scola ne les
épargnera pourtant pas. Nul espoir n’est permis.
La dernière scène, symétrique à la première, est
d’une poésie triste et lancinante. Il est cinq heures
trente du matin, le dôme du Vatican resplendit
dans la brume du matin, et la douce jeune fille en
bottes jaunes se lève pour aller au puits. Sa pureté
et sa jeunesse n’ont pourtant pas échappé à la
saloperie ambiante...</p><p>MPB avec cinéclubdecaen, critikat et dvdclassiks</p>Gabrielhttp://www.blogger.com/profile/14635633826923979396noreply@blogger.com